Lena Herzog, Américaine vivant à Los Angeles, en Californie est née en 1970 en Russie ( elle a immigré en 1990, et été naturalisée en 1999). Artiste conceptuelle multidisciplinaire, son travail s’articule autour des thèmes du rituel et du geste, de la perte et des bouleversements. Pour les exprimer, Herzog explore l’intersection de l’art et de la science, à la fois comme sujet et comme processus, en utilisant des techniques photographiques anciennes, contemporaines et expérimentales alternatives pour ses tirages, ainsi que des technologies sonores de pointe, des installations immersives et de la réalité virtuelle pour d’autres projets.
Ayant grandi parmi les scientifiques des montagnes de l’Oural, à la frontière occidentale de la Sibérie, elle a poursuivi ses études à l’Université de Saint-Pétersbourg, en Russie, où elle a étudié les langues et la littérature, puis en Californie, au Mills College et à Stanford, où elle s’est orientée vers l’histoire et la philosophie des sciences. Après avoir découvert la photographie à la fin des années 1990, elle a suivi un apprentissage auprès de maîtres imprimeurs italiens et français, se concentrant sur les procédés photographiques anciens et alternatifs. Ouverte à l’expérimentation dans sa chambre noire, Herzog a combiné des techniques issues des débuts de la photographie, comme le pyrogallol, avec des techniques numériques contemporaines.
Lena Herzog: In a Vanishing World (Lena Herzog : Dans un monde en voie de disparition) est la première monographie complète de sa carrière artistique et de son œuvre, une revue exhaustive de trois décennies d’activité publiée par Skira, Milan. Le regard audacieux et captivant de Lena Herzog transcende les frontières et les abîmes entre les différents niveaux de vie, de temps et de mémoire. Son œuvre explore le mystère universel de l’être humain, des Cabinets de curiosités des XVIIIe et XIXe siècles aux formations rocheuses creusées au sommet des tepuys d’Amazonie, des rituels profonds de l’Occident au vide des terres sans nom d’Extrême-Orient. Les différents portfolios, ici disposés transversalement, offrent une cartographie fascinante de notre époque et de notre histoire.
WEBSITE: https://www.lenaherzog.com
https://www.instagram.com/lenaherzog_photo/
https://x.com/i/flow/login?redirect_after_login=%2FLena_Herzog
INFOS VENTE LIVRE : https://www.lenaherzog.com/books
Patricia Lanza : Lena Herzog, In a Vanishing World, est une monographie retraçant trente ans de carrière artistique et photographique, et votre septième ouvrage. Comment avez-vous choisi les œuvres à sélectionner, à inclure et à mettre en valeur ?
Lena Herzog : C’est moi-même et les auteurs de l’ouvrage, qui ont également été mes brillants commissaires d’exposition, les professeurs Silvia Burini et Giuseppe Barbieri. Ils ont travaillé sur mes projets pendant deux saisons de la Biennale d’art de Venise (2022 et 2024) et ont appris à connaître mon travail. Il y a également eu l’extraordinaire éditrice photo Stacey Clarkson, avec qui j’ai collaboré pendant de nombreuses années pour Harper’s Magazine. Stacey a joué un rôle clé dans la sélection finale des images et dans l’identification des courants fondamentaux de mon œuvre. Au cours de ces conversations à Venise avec les professeurs et avec Stacey, j’ai clairement identifié les sujets qui m’avaient guidée pendant toutes ces années. J’ai vu mon univers se refléter dans leurs yeux, car ils étaient désireux de me comprendre. Ce travail a donc été une collaboration avec les auteurs de l’essai et mon éditrice.
Que signifie le titre, In a Vanishing World ?
Herzog : Ce titre aussi est une trouvaille de Silvia et Giuseppe. Lorsqu’ils m’ont envoyé le texte et le titre, j’ai eu un pincement au cœur, car je savais que c’était vrai. Je poursuis les choses qui disparaissent ; les fantômes me hantent. Je ne sais pas pourquoi cela m’a rendu triste… Je suppose que c’est parce que j’ai l’impression que le monde me glisse entre les doigts comme du sable, comme de l’eau… J’essaie de m’y accrocher, mais je n’y arrive pas. Mais bon, je suis photographe, et donc je fais ce que font tous les photographes : je saisis l’instant par l’infiniment petit et j’en fais un souvenir, une photographie.
L’essence même de cette œuvre est de capturer la réalité et de la réenchanter, d’en percevoir la beauté, dépouillée de tout kitsch, juste le cœur battant de l’instant ou d’une chose, et d’en saisir le meilleur. Ce processus la rend encore plus mélancolique. Après tout, si l’on ne voit du monde que la laideur, pourquoi le conserver ? Or, la beauté donne envie de s’accrocher au monde comme à une vie. Ainsi, tous les rituels qui disparaissent à travers le monde, les cultures et les langues, mais aussi ces instants de beauté et ce qui, l’espace d’un instant, ressemble à une intuition, je les ai collectés dans un effort désespéré de préservation. L’impulsion est vaine, mais néanmoins sincère.
Parlez-nous de votre processus photographique et de son évolution au fil du temps. Qui ou quoi vous a influencé ?
Herzog : Il faut d’abord préciser que je voulais être écrivain au départ. Cependant, vivre entre deux langues a bouleversé ce projet initial. Je me suis alors orientée vers des travaux universitaires en philosophie, en particulier en philosophie du langage et en linguistique (par exemple, Chomsky sur la grammaire universelle), ainsi qu’en histoire et philosophie des sciences (ma thèse était : Kuhn vs Feyerabend). J’ai donc commencé la photographie assez tard : j’avais 27 ans. J’avais l’appareil photo de mon grand-père, un dérivé du Leica. J’ai acheté de la pellicule noir et blanc et j’ai commencé à photographier dans la rue. Mon premier lieu de résidence était en Espagne. Depuis mon enfance, Goya était ancré dans mon esprit, peut-être même dans mon cervelet, et inconsciemment, au début, je recherchais les corridas et les pénitents encapuchonnés pendant la Semaine Sainte. Mon tout premier livre, publié par l’éditeur britannique Periplus Publishing London et édité par Danièle Naveau, il a pris un risque avec moi. Tauromaquia: the Art of Bullfighting, c’était mon premier livre. Et j’ai commencé à aimer créer des livres. Quelle façon satisfaisante de conclure un projet !
Puis, j’ai décidé qu’il me fallait apprendre à utiliser mon outil et découvrir mon métier. Je voulais être à l’aise avec, comme si c’était une seconde nature. Pour poursuivre sur la lancée espagnole, j’ ai rejoint clandestinement un cours de flamenco à San Francisco, où je vivais à l’époque. La grande Yaelisa y enseignait. J’ai donc dû apprendre à photographier de nombreux corps en mouvement rapide entre des fenêtres géantes et des miroirs du sol au plafond ; la différence entre le coin le plus sombre et le plus lumineux était de quatre diaphs. Je n’avais pas de posemètre, mon Leica M6 fraîchement acquis était tout manuel, bien sûr. C’est là que j’ai vraiment appris à photographier. Ce fut un baptême du feu. Et cela a également donné naissance à un livre, Flamenco: Dance Class.
J’ai commencé à louer une chambre noire sur Polk Street et j’ai appris à développer et à tirer des pellicules. Du coup, toutes mes erreurs de prise de vue étaient douloureusement évidentes. Mais c’est là, au cours de flamenco de Yaelisa, que j’ai appris très vite à juger la lumière et la composition. La chambre noire m’a appris bien plus que je ne peux le dire. Mon mari et moi avons déménagé à Los Angeles en 2001 et j’ai construit mon propre studio et ma propre chambre noire. Le grand tireur français Marc Valesella m’a tout appris (d’ailleurs, j’ai écrit un article sur Marc et publié une interview de lui dans ce même magazine). Un autre tireur milanais, Ivan Dalla Tana, m’a également appris à expérimenter différents procédés, déjà établis, ainsi que ceux qu’il fallait inventer pour concrétiser une idée. Le pyrogravure est devenu ma technique préférée pour développer les pellicules, et le tirage par virage fractionné est devenu mon procédé.
Les idées que j’ai apprises des peintres et des philosophes, de la littérature et de la musique m’ont influencé encore plus que le travail de mes collègues photographes, bien que j’admire nombre de mes collègues. Par des voies étranges, je ne sais pas exactement comment, mais le petit essai d’Ezra Pound sur les caractères chinois, les cosmistes russes… les dessins de Goya et les écrits de John Berger sur l’art ont influencé mon travail, entre autres. Un photographe n’a pas le temps de se cacher. Ce que vous avez vu, lu et rêvé fusionne en une fraction de seconde et révèle ce qui en reste dans votre âme. Il serait difficile de nommer toutes les influences. La littérature a toujours eu une grande importance pour moi. Les grands romans vous font rêver, réfléchir, vous font passer des nuits blanches. Et puis, quand vous créez quelque chose de personnel, quel que soit le support, votre seul espoir est que cela provoque un écho similaire chez les autres.
Quel projet ou œuvre a eu un impact majeur sur votre carrière et votre vie ?
Herzog : Je crois que c’est la trilogie que je termine actuellement. Elle s’intitule TRINITY ( cela dure : plus d’une heure). C’est un poème expérientiel et immersif. De plus, elle est radicalement expérimentale : elle combine animation immersive, musique spatialisée et design sonore pour aborder l’ère de l’Anthropocène et le rêve d’une solution. C’est une trilogie, dont le premier chapitre, Last Whispers (« Derniers murmures »), traite de notre extinction culturelle ; le deuxième, Any War Any Enemy « Toute guerre, tout ennemi », traite de l’extinction physique de l’humanité due à une guerre nucléaire ; et le dernier chapitre, Reversal (« Renversement »), est un contrepoint aux deux premiers. TRINITY est disponible dans tous les formats immersifs et s’adapte à des installations in situ, comme un dôme, une sphère, un mapping vidéo à l’échelle d’une pièce ou une réalité virtuelle, élargissant ainsi sa portée. De plus, des peintures murales surdimensionnées, des objets, des impressions sur toile et des mezzotintes peuvent accompagner l’exposition immersive de TRINITY comme ils l’ont fait pour les expositions de la Biennale de Venise 2022 et 2024.
C’est une rupture avec la photographie, et pourtant elle est totalement influencée par mon travail de photographe (par exemple, de nombreux objets tridimensionnels, comme la forêt, sont créés à partir de mes photographies ou inspirés de celles-ci). Je travaille avec une équipe composée de Jonathan Yomayuza, ingénieur VR, et d’Amanda Tasse, animatrice, ainsi que des compositeurs Marco Capalbo et Mark Mangini, entre autres. Ce fut un apprentissage difficile de se lancer dans de nouveaux médias très complexes et de collaborer avec d’autres après un travail de photographe solitaire et aventureux. Cependant, quelle satisfaction de conjuguer mon imagination d’artiste avec la philosophie, la musique et la politique et de créer quelque chose de totalement nouveau, une synthèse de divers médias et idées pour créer un tout organique. Un univers qui reflète ma vision du monde. La différence la plus frappante avec la photographie réside dans le rapport au cadre. Une photographie l’a, tandis qu’une œuvre immersive ne l’a pas. Ou plutôt, l’observateur se retrouve à l’intérieur du cadre. Et là, c’est une toute autre histoire.
Sur quoi travaillez-vous actuellement ?
Herzog : Je termine cette trilogie.
