Cet automne, le CPW à Kingston, dans l’État de New York, présente un programme d’expositions explorant la mémoire, l’identité culturelle et la vie quotidienne dans le Sud des États-Unis.
Au cœur de cette saison se trouve Everyday Culture: Seven Projects by Documentary Arts, une rétrospective couvrant quatre décennies du travail d’Alan Govenar et de l’organisation culturelle pionnière qu’il a fondée en 1985, accompagnée d’un catalogue publié par le CPW.
En parallèle, Kinship & Community, organisée par Nicole Fleetwood, puise dans les archives de la Texas African American Photography Archive (TAAP), cofondée par Govenar en 1995, tandis que Between a Memory and me présente les portraits intimes de Rahim Fortune sur les communautés afro-américaines du Sud, incluant de nouvelles photographies en couleur créées en réponse à la TAAP, qui figureront également dans la prochaine publication Aperture/Documentary Arts, Kinship & Community.
Lauréat d’une bourse Guggenheim, Alan Govenar a développé des projets en photographie, cinéma et théâtre à travers le monde. Il s’est longtemps attaché à mettre en lumière des pratiques culturelles souvent négligées du tatouage et du blues à la photographie vernaculaire et à l’art populaire.
Au-delà du CPW, son année est marquée par la parution de nouveaux ouvrages sur l’histoire du tatouage américain, le film à venir Quiet Voices in a Noisy World : The Struggle for Change in Jasper, Texas (dont la première aura lieu au Cinema Village de New York en novembre), ainsi que divers projets théâtraux internationaux.
Dans cet entretien, il revient sur les origines de Documentary Arts, le rôle du folklore dans l’Amérique contemporaine et l’évolution de la notion de « culture quotidienne ».
Culture quotidienne au CPW – Entretien avec Alan Govenar par Myrtille Beauvert
Myrtille Beauvert : Qu’est-ce qui vous a poussé à fonder Documentary Arts en 1985, puis la Texas African American Photography Archive dix ans plus tard, en 1995 ?
Alan Govenar : J’ai fondé Documentary Arts pour promouvoir de nouvelles perspectives sur les questions historiques et les cultures diverses. Ma définition du documentaire est ouverte ; elle constitue un objectif à travers lequel j’évalue ce que j’expérimente. Les sujets sur lesquels je me concentre définissent mon mode d’expression, et les approches que j’adopte donnent naissance à des œuvres documentaires sous différentes formes : photographies, films, vidéos, enregistrements sonores, ouvrages de non-fiction, médias interactifs, mais aussi poésie, romans et théâtre musical.
En repoussant les frontières des disciplines académiques et de la pensée conventionnelle, je cherche la vérité documentaire non seulement dans le monde naturel, mais aussi dans le journalisme, la littérature, le cinéma et les arts visuels.
Documentary Arts est une organisation à but non lucratif interdisciplinaire, fondée sur des projets, qui œuvre à la création d’un réseau d’individus et de collaborateurs partageant les mêmes valeurs.
La Texas African American Photography Archive est née d’un travail que j’ai entrepris en 1984 dans le cadre de Living Texas Blues, un livre, une anthologie sur cassette et trois courts métrages commandés par le Dallas Museum of Art.
Je cherchais des images prises par des photographes afro-américains, mais j’ai découvert qu’il y en avait très peu, voire aucune, identifiées dans les collections des musées et institutions culturelles de l’État.
J’ai alors commencé à consulter des annuaires professionnels afro-américains et j’ai trouvé, à ma grande surprise, que certains photographes mentionnés — dont les carrières avaient débuté dans les années 1940 — avaient encore le même numéro de téléphone.
À Houston, j’ai rencontré Benny Joseph, et mes collaborations avec lui l’examen de milliers de négatifs et la réalisation de tirages de ses œuvres — ont précédé la fondation de Documentary Arts.
En 1986, l’organisation a monté l’exposition The Early Years of Rhythm and Blues: The Photography of Benny Joseph, qui a voyagé dans 29 villes au cours des six années suivantes.
La critique de mon livre accompagnant l’exposition dans The New York Times a favorisé la croissance de la Texas African American Photography Archive.
Benny Joseph m’a présenté Herbert Provost, Louise Martin, Elnora Frazier, Juanita Williams et Hiram Dotson, qui ont tous contribué à l’Archive, tout comme d’autres photographes que j’ai rencontrés à Dallas, Lubbock et Tyler.
Au cours de la décennie suivante, les collections de photographie noire de Documentary Arts ont connu une croissance exponentielle.
En 1995, l’artiste Kaleta Doolin et moi avons fondé la Texas African American Photography Archive, conscients non seulement de la nécessité de préserver ces collections, mais aussi de les rendre accessibles au grand public à travers des expositions, des publications et des programmes éducatifs.
Comment votre expérience en tant qu’anthropologue et folkloriste a-t-elle influencé votre pratique documentaire ?
Alan Govenar : En tant que folkloriste et anthropologue, j’ai cherché à comprendre la culture dans son contexte : qui sont les individus, d’où viennent-ils, quelles sont leurs valeurs et leurs traditions ?
Dans ma pratique, il s’agit de saisir comment les gens donnent un sens à leur monde et comment ils expriment cette signification à travers des formes créatives.
Cela a toujours été au cœur de mon travail documentaire.
Lorsque j’ai commencé, la photographie folklorique et documentaire était largement considérée comme un outil secondaire de recherche ethnographique.
Mais j’ai vite réalisé que la photographie avait le pouvoir de révéler des vérités sociales, émotionnelles et esthétiques que les mots seuls ne pouvaient pas toujours traduire.
C’est dans cette tension entre observation et interprétation que mon travail a pris forme.
La photographie vernaculaire, en particulier, m’a fasciné, car elle montre comment les gens se représentent eux-mêmes, leurs familles et leurs communautés, sans l’intermédiaire d’un regard institutionnel ou extérieur.
Ces images domestiques ou professionnelles, qu’il s’agisse de portraits de studio, de clichés de mariages ou de photos de clubs sociaux, témoignent d’une fierté, d’une dignité et d’une humanité qui ont longtemps été absentes du récit dominant.
Les collections de la Texas African American Photography Archive en sont un exemple puissant : elles nous offrent un regard de l’intérieur sur la vie noire au Texas à travers le XXᵉ siècle.
Comment le concept de « culture quotidienne » s’est-il développé au sein de votre œuvre ?
Alan Govenar : Le terme « culture quotidienne » (Everyday Culture) est né d’une volonté de rompre avec la hiérarchie traditionnelle des arts et de reconnaître la richesse des pratiques culturelles ordinaires.
Pendant longtemps, la culture populaire, l’artisanat, les musiques de tradition orale ou encore la photographie vernaculaire ont été considérés comme secondaires par rapport aux beaux-arts.
Je voulais contester cette distinction.
Pour moi, la culture quotidienne est une forme d’expression tout aussi valable et sophistiquée que l’art institutionnel.
Elle révèle la créativité, la résilience et l’ingéniosité humaine dans la vie de tous les jours.
Qu’il s’agisse d’un tatoueur, d’un bluesman, d’un prédicateur de rue ou d’un photographe autodidacte, chacun possède une voix culturelle qui mérite d’être entendue et reconnue.
L’exposition au CPW retrace quarante ans de projets où j’ai cherché à mettre en valeur ces voix.
Il ne s’agissait pas simplement de documenter des pratiques, mais de collaborer avec les personnes concernées, de comprendre leur environnement et de les présenter comme des artistes à part entière.
La culture quotidienne, c’est la culture vécue, celle qui façonne notre sens du lieu, de la communauté et de la mémoire.
Comment abordez-vous la collaboration dans vos projets, en particulier lorsque vous travaillez au sein de communautés locales ?
Alan Govenar : La collaboration est au cœur de tout ce que je fais.
Lorsque je travaille dans une communauté, je ne me considère jamais comme un observateur extérieur, mais comme un partenaire.
J’essaie d’impliquer les personnes concernées dans chaque étape du processus de la recherche à la production, jusqu’à la diffusion du projet.
Cela crée une relation fondée sur la confiance, le respect et la réciprocité.
Dans les projets menés à Jasper, Texas, par exemple, après les tragiques événements de la fin des années 1990, il était essentiel de travailler main dans la main avec les habitants.
Le film Quiet Voices in a Noisy World est né de cette approche : il rend hommage à des bénévoles afro-américains qui ont choisi de transformer la douleur en action positive, en menant des initiatives pour revitaliser leur communauté.
Ce film, et l’exposition qui l’accompagne, témoignent de la capacité d’une communauté à se reconstruire à travers la solidarité et la dignité.
Beaucoup des sujets que vous avez traités — le tatouage, le blues, les cow-boys noirs, l’art populaire — étaient autrefois considérés comme marginaux ou « hors norme ».
Comment, selon vous, la perception de ces pratiques a-t-elle évolué ?
Alan Govenar : Chaque projet que j’ai entrepris a suivi un parcours différent.
Lorsque j’ai commencé à travailler sur le tatouage dans les années 1970, cette pratique était perçue comme une forme de déviance sociale.
Mais j’y voyais une expression artistique à part entière, ancrée dans la culture populaire, et reflétant à la fois l’identité individuelle et collective.
Aujourd’hui, le tatouage est devenu omniprésent presque banal mais paradoxalement, il reste souvent mal compris.
Mon travail sur le blues texan répondait à une vision trop centrée sur le Mississippi.
Je voulais montrer que le Texas possédait sa propre tradition musicale, façonnée par l’histoire particulière de la diaspora africaine dans cette région.
Les influences africaines, notamment dans les instruments à cordes et les rythmes, y sont profondes et persistantes.
Documentary Arts a produit de nombreuses expositions, photographies, films, livres et spectacles musicaux pour rendre hommage à ces artistes oubliés.
Quant à l’art populaire, son évolution a été marquée par une commercialisation croissante.
Dans les années 1970, on ne parlait pas encore de « marché de l’art outsider ».
Mais dès les années 1980, il est devenu nécessaire de repenser les rapports entre créateurs, institutions et collectionneurs.
C’est pourquoi, dès la fondation de Documentary Arts, j’ai voulu aborder les questions d’appropriation culturelle, d’exploitation et de représentation en donnant la parole aux artistes eux-mêmes et en travaillant à partir de l’intérieur des communautés.
Comme l’a si bien dit Bob Ray Sanders, membre fondateur du conseil d’administration :
« L’appropriation culturelle implique de prendre quelque chose à quelqu’un d’une manière exploitante ou stéréotypée.
Documentary Arts, au contraire, a toujours cherché à mettre en lumière les personnes et les cultures dans le respect, en leur offrant visibilité et compensation, et en bannissant tout stéréotype. »
Quel rôle jouent la photographie vernaculaire et les photographes de studio communautaires dans l’histoire et la culture récentes des États-Unis ?
Alan Govenar : La photographie vernaculaire est un moyen par lequel les gens se valident eux-mêmes, ainsi que leurs familles et leurs communautés.
Aujourd’hui, pratiquement tout le monde possède un téléphone avec appareil photo ; des trillions d’images sont produites chaque année.
Mais les photographes de studio communautaires ont un rôle différent : ils s’engagent à affirmer l’identité culturelle de celles et ceux qui posent devant leur objectif, dans des compositions soigneusement structurées.
Pendant les années de ségrégation, les photographes noirs de quartier ont œuvré à renforcer l’estime de soi de leurs clients, en mettant en valeur leurs réussites et en affirmant leur dignité.
Ces images constituent aujourd’hui un patrimoine visuel essentiel pour comprendre comment les communautés afro-américaines se sont représentées et ont résisté aux stéréotypes imposés.
Selon vous, quelle est la place du folklore dans l’Amérique contemporaine, à une époque où les débats sur l’histoire, la mémoire et l’identité culturelle sont si vifs ?
Alan Govenar : La place du folklore dans l’Amérique d’aujourd’hui est assiégée ; c’est un véritable champ de bataille où les cultures s’affrontent.
Historiquement, le folklore se transmettait oralement, par l’exemple et la coutume, renforçant ou parfois contestant les valeurs culturelles établies.
Le mythe, porteur de vérité épique dans les cultures non occidentales, est souvent dénigré dans le langage courant, devenu synonyme de ce qui est faux.
Les réseaux sociaux sont devenus à la fois une voix pour le folklore et pour son double déformé : le fakelore — une imitation des formes traditionnelles qui en détourne le sens.
Sur Internet, notre rapport à la vérité et à la croyance est mis à l’épreuve à chaque instant.
Pourtant, le folklore persiste dans les communautés locales grâce à la vitalité des traditions transmises de génération en génération.
Face aux débats incessants sur l’histoire, la mémoire et l’identité, Documentary Arts a lancé le magazine en ligne Truth in Photography, qui explore les enjeux essentiels de la vérité dans la création d’images, cruciaux pour notre compréhension du monde contemporain.
Ce site interroge la notion même de vérité en photographie en confrontant des points de vue multiples : commissaires d’exposition, photographes, critiques, historiens.
Il mêle photographie vernaculaire, photojournalisme et art photographique pour examiner la relation entre le photographe et son sujet.
Truth in Photography a été développé par Documentary Arts en partenariat avec Magnum Photos, Aperture et l’International Center of Photography.
Texte et intretien par Myrtille Beauvert
Everyday Culture : Seven Projects by Documentary Arts,
Kinship & Community : Selections from the Texas African American Photography Archive,
et Rahim Fortune : Between a Memory and Me
sont présentés du 20 septembre 2025 au 11 janvier 2026.
CPW – Center for Photography at Woodstock
25 Dederick Street
Kingston, NY 12401
Heures d’ouverture : du jeudi au dimanche, de 11 h à 17 h
Plus d’informations sur : www.cpw.org
