Au cœur du plus grand parc clos d’Europe se trouve la Reggia Monza, conçue au XVIIIe siècle par l’architecte Giuseppe Piermarini pour l’archiduc Ferdinand de Habsbourg. Le Belvédère abrite l’exposition « Une fenêtre parsemée de gouttes de pluie » consacrée au photographe et peintre Saul Leiter, qui collabora pour les principaux magazines de son époque, tout en poursuivant sa propre exploration du monde, loin des clichés.
Dans les années 1950, les photographes cherchaient à capturer la modernité de New York. Leiter, quant à lui, recherchait le quotidien, le représentant souvent par l’intermédiaire de vitres embuées, de reflets dans les vitrines et de la pluie. Cela produisait une vision filtrée et stimulante de ses sujets. Il fuyait la célébrité et ne fit tirer que quelques-unes des nombreuses photos qu’il prit de son vivant. Nombre d’entre elles refirent surface après sa mort. Comme le disait Saul Leiter, il croyait à la beauté des choses simples, car il était convaincu que même les choses les plus ordinaires pouvaient être très intéressantes. En effet, plutôt que le style documentaire en vogue à l’époque, il privilégiait des aperçus intimes de la vie, mêlant réalité et abstraction. Leiter ne voyait pas le monde d’un seul point de vue, mais de plusieurs.
« Leiter a inventé des jeux d’optique, des enchevêtrements de formes et de plans qui dissimulent et révèlent ce qui se cache dans les intervalles, dans le voisinage, dans les marges invisibles d’un New York qui ne laisse rien au hasard. Les arrière-plans émergent, le positif devient négatif », explique la commissaire Ann Morin. « Son œuvre est construite à partir d’éléments et de fragments, tous d’intensité et de profondeur variables, qui composent cette symphonie d’ensemble tout en composant un « monde inachevé ». Il s’est consacré à collectionner l’infiniment petit. Ces images sont comme des annotations, des constats de réalité. Notre lecture de l’image est perturbée lorsque Leiter bouleverse l’épiderme du monde qui se présente à nous, utilisant miroirs, reflets, ombres, ainsi que la duplication produite par chacun de ces éléments, parvenant ainsi à défier les apparences. »
L’exposition présente 126 photographies noir et blanc et 40 photographies couleur (dont des tirages anciens et modernes), des magazines d’époque, un film et 42 peintures. Elle offre également l’occasion de découvrir une œuvre moins connue : des nus en noir et blanc, réalisés à la fin des années 1940 et au début des années 1960 ; elle explore également les affinités entre ses œuvres photographiques et picturales.
« La photographie, c’est trouver des choses », disait Leiter. « La peinture, c’est différent. C’est créer quelque chose. »
En fait, il est surtout reconnu pour ses photographies, mais il était aussi peintre. « Il a toujours eu l’habitude de peindre quotidiennement, la plupart de ses œuvres étant abstraites. Parmi ses principales influences figuraient les graveurs sur bois japonais (on retrouve le vide comme une forme même dans ses photographies, ndlr) et les impressionnistes français », explique Morin.
Quant à l’utilisation de la couleur dans la photographie d’art, il refusait d’analyser son propre travail. « Je n’ai pas de philosophie. J’ai un appareil photo », disait-il, ajoutant que ses photographies ne capturaient qu’une infime partie de ce qu’il voyait et de ce qui aurait pu être photographié.
Leiter a commencé à expérimenter la photographie couleur à la fin des années 1940, l’utilisant comme outil d’expression, saturant ses images, transformant ainsi des scènes de rue ordinaires en compositions abstraites. Abordant la couleur avec son regard de peintre, il a réussi à réconcilier photographie et peinture. Pour Leiter, la photographie couleur se situait à la jonction de ces deux disciplines. Selon Morin, « les œuvres en noir et blanc de Leiter, dont il a imprimé une grande partie lui-même, révèlent un style de composition tout aussi audacieux, inversant souvent la mise au point du premier plan vers l’arrière-plan et jouant avec la dynamique de l’ombre et du reflet ».
Leiter a collaboré avec des magazines tels que Harper’s Bazaar, Elle, Vogue et LIFE, mais il ne s’est jamais plié aux directives éditoriales, défendant ses photographies de mode comme un travail personnel que les exigences des commandes ne pouvaient pas modifier.
Fils d’un rabbin respecté, Saul Leiter rejeta la voie théologique que son père aurait voulu lui faire suivre. Il s’installa à New York en 1946 pour se consacrer à la peinture. Introduit dans le monde de l’art new-yorkais par des collègues tels que Richard Pousette-Dart et W. Eugene Smith, il poursuivit les expériences photographiques entamées à l’adolescence avec un appareil photo offert par sa mère. À 23 ans, à New York, il « devient une sorte de figure underground, choisissant de ne faire partie d’aucune communauté, d’aucun groupe artistique, politique ou social. Il n’a jamais adhéré à la Photo League, ni à l’école new-yorkaise, ni au mouvement de la photographie de rue, ni à l’expressionnisme abstrait. Leiter a été un vagabond libre toute sa vie, compilant de petits fragments d’un monde inachevé. Son œuvre est une unité complexe aux frontières souples et poreuses, composée de « l’image trouvée (la photographie) et de l’image fabriquée (ses peintures), de l’instant, de la détonation et du temps continu de l’action, de la représentation et de l’abstraction », explique Ann Morin.
Paola Sammartano
Saul Leiter. Una finestra punteggiata di gocce di pioggia
Du 1er mai au 27 juillet 2025Belvedere della Reggia di Monza
viale Brianza, 1
20900 Monza
Italie
