Il y a quelques mois, je suis tombée sur Puria Safary sur Instagram et j’ai été immédiatement attirée par la force de ses portraits. En parcourant ses images, j’ai eu envie d’en savoir plus sur le photographe et son processus créatif. Nous nous sommes assis pour en parler. Bonne lecture !
Nadine Dinter : Votre projet au long cours s’intitule Safary’s Frame. Quand a-t-il commencé, et quel a été le moment ou l’impulsion qui l’a mis en mouvement ?
Puria Safary : Il est en réalité difficile de situer une date précise à laquelle Safary’s Frame a commencé. Lorsque je me suis installé à Berlin il y a environ 16 ans, j’ai simplement suivi mon instinct, sans savoir exactement où cela me mènerait. D’une idée, une vision a fini par émerger, et d’une vision est née une mission. Dans la recherche d’une signature visuelle claire, un élément central du projet est apparu : une vieille chaise en bois. Au fil des années, cet objet est devenu un compagnon discret de toute la série et un symbole de Safary’s Frame.
Dès le début, il était important pour moi de travailler avec des personnes qui, comme moi, ont une vision forte – artistes, acteurs, musiciens et personnalités de mon entourage. Des personnes qui m’ont inspiré, ou qui jouent un rôle très particulier dans ma vie. Certaines d’entre elles n’en étaient qu’au début de leur carrière à l’époque ; d’autres étaient déjà là où je rêvais moi-même d’arriver un jour. Avec le recul, il est particulièrement passionnant de voir que nombre des personnes qui ont fait partie de Safary’s Frame à ses débuts, comme Emilia Schüle ou Edin Hasanovic, comptent aujourd’hui parmi les voix majeures de la culture cinématographique allemande. À l’époque, nous étions tous sur notre propre chemin, chacun à notre manière, avec un grand rêve.
Pour moi, au fil des années, le projet est devenu bien plus qu’une simple série photographique. Safary’s Frame est devenu une sorte d’état d’esprit. Il repose sur cette idée : vous êtes la personne que vous voulez être, et vous pouvez commencer dès aujourd’hui à devenir la personne que vous voulez être demain.
Dans cet ensemble d’oeuvres, on voit des portraits en noir et blanc d’actrices renommées comme Vicky Krieps et Christiane Paul, ainsi que de DJs en vue comme Patrick Mason. Comment créez-vous un environnement qui rende justice à la fois aux personnalités réservées et aux caractères plus extravagants ?
PS : C’est précisément pour cela que mon studio est si important pour moi. Au fil des années, j’y ai créé un espace où les gens peuvent simplement arriver – sans pression de temps, et sans avoir le sentiment de devoir se produire. Pour moi, c’est le fondement de toute collaboration. Avant même de commencer à photographier, il s’agit de faire en sorte que la personne se sente bien et soit pleinement centrée.
Cet espace fonctionne pour des personnalités très différentes. Quelqu’un comme Vicky Krieps, par exemple, apporte avec elle une présence très calme, presque poétique – une forme de force qu’il est difficile de mettre en mots. Patrick Mason, en revanche, est pure énergie, feu et mouvement. L’espace ne change pas ces personnes ; il leur donne simplement la liberté d’être exactement qui elles sont. Une personne réservée peut être immobile ; une personnalité explosive peut déployer son énergie. Pour moi, la beauté de ces rencontres réside précisément là.
Vos images sont très minimalistes – aucune distraction visuelle, juste la personne sur un fond blanc classique. Comment décririez-vous votre approche de la photographie ? Avez-vous un processus ou un rituel particulier pour installer l’atmosphère avant de commencer ?
PS : Je décrirais ma manière de photographier comme très pure. Je travaille de façon très intuitive et j’essaie de tout ramener à l’essentiel – l’être humain. Mon attention se porte toujours sur les yeux ; pour moi, c’est là que se trouve la vérité d’une personne.
Il n’y a pas de processus fixe, parce que chaque personne qui entre dans mon studio apporte sa propre énergie. C’est pourquoi le moment de l’arrivée est particulièrement important pour moi. Dans la plupart des cas, nous nous asseyons d’abord ensemble, buvons un café préparé avec ma machine à espresso, et parlons. Nous apprenons à nous connaître et échangeons sur beaucoup de choses. Certaines personnes ont besoin d’un peu plus de temps ; d’autres veulent commencer assez rapidement. Mon véritable rituel n’est donc pas un processus technique, mais ce moment d’arrivée. Quand je sens que la personne est réellement là, qu’elle se sent bien et qu’elle est pleinement présente, nous commençons à créer de la magie. Le reste se fait généralement de lui-même.
En plus des personnes elles-mêmes, on voit une vieille chaise en bois comme élément récurrent dans certaines images. Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur l’histoire qui se cache derrière ?
PS : La vieille chaise en bois est l’élément central de mon projet de coeur, Safary’s Frame. Au fil des années, elle est devenue une sorte de compagnon silencieux de la série. Ce n’est pas un accessoire classique, ni quelque chose que je mets consciemment en scène. C’est plutôt un objet avec lequel les gens peuvent interagir librement. Certains s’y assoient simplement ; d’autres s’y appuient, la soulèvent, la déplacent ou se tiennent simplement à côté.
Cette liberté est précisément ce qui la rend si particulière. Chaque personne apporte sa propre énergie et sa propre relation à cette chaise, et c’est exactement ainsi que les images naissent. Pour moi, il est passionnant, à chaque fois, d’observer ce qui se passe à cet instant. La chaise n’est qu’un élément du projet, mais elle ouvre un espace d’expression. Certaines personnes montrent une présence silencieuse ; d’autres jouent avec elle, la déplacent ou l’utilisent presque de manière performative. De cette façon, chaque image naît très naturellement des individus eux-mêmes. Rien n’est prédéterminé ni dirigé, et c’est précisément pour cela que chaque rencontre devient unique.
De votre point de vue, quel est l’avantage des projets au long cours par rapport aux commandes ponctuelles ?
PS : Pour moi, le grand avantage des projets au long cours, c’est le temps – même si le temps est relatif. Un tel projet évolue en permanence. De nouvelles idées, de nouvelles rencontres et de nouveaux sentiments viennent continuellement l’alimenter. Parfois, je compare cela à l’époque où je m’entraînais au Muay Thai. Mon entraîneur de boxe disait toujours : répète un mouvement des centaines de fois. Même si tu penses déjà le connaître, tu trouveras chaque fois une petite nuance que tu peux améliorer.
Pour moi, c’est exactement la même chose avec un projet au long cours. On y travaille pendant des années, on change des choses, on affine des détails, et l’on découvre sans cesse de nouvelles possibilités. Dans le travail de commande, il y a un objectif clair et une fin. Un projet au long cours, en revanche, grandit avec vous – et c’est là, pour moi, que réside sa beauté.
Outre ce projet au long cours, vous travaillez sur une seconde série intitulée Table of Spring. Quel en est le concept ?
PS : Mon ami proche, l’acteur Omid Memar, et moi avons créé Table of Spring il y a environ trois ans pour marquer le Nouvel An persan, Nowruz. Notre idée était de faire découvrir notre culture aux gens d’une autre manière. Dans les médias, l’Iran est souvent représenté de manière très univoque, façonnée par des images politiques et des conflits. Pourtant, il existe aussi une culture très ancienne, poétique et joyeuse que beaucoup de personnes en dehors de l’Iran connaissent à peine.
Une partie essentielle de Nowruz est la table dite du Haft-Seen – une table composée de sept éléments symboliques dont les noms, en persan, commencent par la lettre « s » (seen). Chacun de ces éléments porte sa propre signification. La pomme symbolise la beauté et la santé, l’ail la protection, et les pousses vertes symbolisent une nouvelle vie et le renouveau. Notre projet combine deux points de vue. Tandis que je mets les éléments en scène photographiquement, Omid se consacre aux textes et à la signification culturelle des différents symboles. L’image et le langage entrent en dialogue et ouvrent ensemble un accès à cette tradition.
Au cours des deux dernières années, nous avons également travaillé avec des acteurs d’origine perse, chacun incarnant l’un des éléments. Cette année, une évolution particulière prend forme pour moi : Table of Spring fusionne pour la première fois avec mon projet de coeur, Safary’s Frame. La vieille chaise en bois de Safary’s Frame devient la base des différents éléments du Haft-Seen.
Ainsi, deux de mes oeuvres les plus importantes se rencontrent – un rituel culturel et un projet personnel au long cours – et ouvrent ensemble une nouvelle forme de narration.
Table of Spring s’appuie sur des symboles et des récits issus de la culture iranienne. Pourriez-vous nous en dire un peu plus sur votre parcours et vos racines ?
PS : Je suis né en Allemagne et, en réalité, je ne suis moi-même jamais allé en Iran. Néanmoins, j’ai toujours ressenti un lien très fort avec mes racines. Une grande partie de cela me vient de ma famille. Mes grands-parents et mes parents m’ont initié très tôt à notre culture, notamment à travers des traditions comme le Nouvel An persan, Nowruz. Enfant, je vivais surtout cette fête comme un moment de famille, de joie et de partage. Nous mangions ensemble, riions, dansions et célébrions.
Pendant longtemps, j’ai simplement vécu cette tradition sans vraiment en connaître le sens profond. Ce n’est qu’à travers le projet Table of Spring que j’ai commencé à m’intéresser plus intensément aux symboles et aux histoires qui les sous-tendent. Grâce à cela, j’ai redécouvert mon propre héritage culturel d’une manière entièrement nouvelle. C’est une sensation particulière que de porter une culture si fortement en soi, même si l’on n’a pas grandi directement en son sein. Peut-être que cette nostalgie de mes racines est aussi l’une des raisons pour lesquelles ce projet compte tant pour moi.
Comment vous situez-vous dans la scène photographique berlinoise ?
PS : Je vois Berlin davantage comme le point de départ de mon parcours d’artiste. La ville a été un point de départ important pour moi, mais mon regard n’a jamais été fixé uniquement sur Berlin – il s’est toujours porté vers le monde au sens large. En même temps, je n’ai pas le sentiment d’appartenir à une scène particulière. Non pas parce que je n’apprécie pas le travail des autres, mais parce que je suis profondément mon propre ressenti et ma propre vision.
J’ai compris assez tôt que mon chemin était très personnel. C’est pourquoi je ne regarde pas beaucoup à gauche ni à droite. Je me concentre sur le développement de mon propre langage et sur la construction de ma propre voie. Pour moi, la photographie est avant tout un outil. Je me vois d’abord comme un artiste et un visionnaire, et l’appareil photo n’est que le médium par lequel je rends visibles mes pensées et mes émotions.
Quels conseils donneriez-vous aux photographes en herbe qui débutent ?
PS : Mon conseil le plus important est de ne jamais perdre foi en vous-même. Surtout au début, il y aura toujours des gens pour dire que quelque chose n’est pas possible ou que vous devriez prendre une autre voie. Ce que je veux particulièrement transmettre aux jeunes photographes, c’est la patience. Chacun a son propre temps et son propre chemin. Cela ne sert à rien de se comparer sans cesse aux autres.
En même temps, il est important de toujours continuer d’avancer – même s’il y a des revers ou si les retours ne sont pas ceux que vous espériez. Je crois que la confiance et la peur ne peuvent pas coexister. Si vous croyez vraiment en ce que vous faites, vous devez apprendre à lâcher la peur, pas à pas.
Et au fond, peut-être que la chose la plus importante est la suivante : restez fidèle à vous-même. Tant que vous croyez en votre travail et que vous êtes en paix avec lui, vous êtes sur la bonne voie.
Quelles sont les prochaines étapes pour vous ?
PS : Après 16 ans passés à Berlin, un nouveau chapitre s’est ouvert pour moi il y a environ deux ans. J’ai commencé à faire la navette entre Berlin et Los Angeles, ce qui m’a permis de développer mon travail à l’international.
Berlin reste ma base ; mon studio est ici – une partie centrale de ma pratique artistique.
Ces dernières années ont été pour moi une période de grand développement personnel et artistique. J’ai changé, redécouvert beaucoup de choses et acquis de nouvelles perspectives sur mon travail.
Je ne peux pas dire aujourd’hui avec précision ce qui vient ensuite. Mais je me réjouis énormément de ce qui arrive. Comme l’a dit un jour David Bowie : « Je ne sais pas où je vais à partir d’ici, mais je vous promets que ce ne sera pas ennuyeux. »
Pour plus d’informations, consultez le compte Instagram de l’artiste @puria_safary
Sortie de « TABLE OF SPRING » par Puria Safary et Omid Memar le 20 mars, à 13 h, sur @puria_safary
