J’ai rencontré Paolo Ventura lors de son récent vernissage à Turin et j’ai été immédiatement attirée par son travail. Le mélange unique d’éléments qui semblent évoquer des souvenirs d’enfance, associé à la manière dont Ventura nous invite dans son propre univers, m’a donné envie d’en savoir davantage sur son parcours et son approche artistique. Alors, bonne lecture, et laissez votre imagination prendre son envol…
Nadine Dinter : Votre travail nous entraîne dans un monde qui lui est propre, qui tisse ensemble théâtre, photographie et performance. Pouvez-vous nous présenter brièvement votre parcours d’artiste ?
Paolo Ventura : J’ai commencé jeune j’avais environ 25 ans comme photographe de mode. Au début, je n’étais pas vraiment intéressé par la photographie. J’avais étudié l’art à l’Académie de Brera, à Milan, même si je n’ai jamais terminé mes études, et c’est presque par hasard que j’ai commencé à prendre des photographies.
Très vite, je suis devenu photographe de mode et j’ai travaillé dans ce domaine pendant une dizaine d’années. Puis, à un certain moment, j’ai décidé de changer complètement de direction. Je voulais devenir un artiste et créer mon propre travail. La photographie est devenue le médium grâce auquel je pouvais le faire.
À ce moment-là, j’avais développé un véritable intérêt pour la photographie, mais je voulais détourner l’appareil photo du monde extérieur de la rue et de la réalité visible pour l’orienter vers mon monde intérieur. Pour cela, j’ai commencé à construire des dioramas complexes et à travailler exclusivement avec eux.
Je me suis imposé une règle : chaque œuvre devait être créée sur une table. La table est devenue la scène d’un petit théâtre. Sur cette scène, je pouvais tout transformer chaque fois que j’en avais besoin. C’est en réalité très simple : la table est devenue une scène, et la scène me permettait de créer n’importe quelle histoire, un peu comme au théâtre.
La photographie, cependant, fonctionne différemment du théâtre. Au théâtre, il y a du mouvement et une action continue, tandis que la photographie fige un seul instant le fragment d’un récit plus vaste. Mes images ne sont jamais l’histoire entière, seulement un moment suspendu à l’intérieur de celle-ci.
Je travaille souvent à partir de storyboards. J’écris d’abord des histoires, puis je crée les images, de sorte que, par bien des aspects, mon processus est très proche du théâtre.
J’ai aussi tendance à m’utiliser moi-même comme protagoniste de ces histoires. Ma distribution est très réduite : essentiellement moi-même, ma femme et mon fils. Parfois, je crée de petites figurines en argile et je les utilise à leur place. Mais c’est fondamentalement ma distribution.
Dans vos images, nous rencontrons sans cesse certaines figures récurrentes marionnettes en bois, pantins, et vous-même en costume et comme personnage. Avez-vous grandi dans un foyer artistique ? Ces figures sont-elles les symboles de quelque chose de votre enfance que vous souhaitez préserver ?
PV : Oui, je pense avoir en partie répondu à cette question précédemment, à propos de la présence des poupées et de moi-même dans mon travail.
J’ai grandi dans une famille artistique. Mon père était un auteur de livres pour enfants très célèbre dans les années 1960 et 1970, connu internationalement pour son style d’illustration très particulier. J’ai aussi un frère jumeau nous sommes de vrais jumeaux et il était extrêmement doué pour le dessin. Un autre de mes frères était également très doué en dessin. J’étais le seul à avoir le sentiment de ne pas posséder ce type de talent.
C’est peut-être l’une des raisons pour lesquelles, inconsciemment, j’ai choisi la photographie comme médium. Au début, je pensais que la photographie était une manière plus directe d’exprimer quelque chose sans nécessiter un don technique particulier. Bien sûr, c’était un malentendu la photographie exige tout autant de sensibilité et de vision mais, au départ, cela me semblait être une voie différente, qui me distinguait aussi du reste de ma famille. Ils s’intéressaient très peu à la photographie. Pour eux, une photographie était surtout un document, le témoignage de quelque chose de réel, rien de plus.
Grandir comme vrai jumeau était également assez compliqué. On nous confondait constamment. Les gens demandaient toujours : « Lequel es-tu ? » On grandit avec l’envie de se sentir unique, d’être reconnu pour soi-même, mais cela était rarement possible.
Mon père, cependant, avait l’habitude de nous fabriquer des costumes extraordinaires pour le Carnaval. Ils étaient incroyablement élaborés et magnifiquement réalisés. Je me souviens en particulier d’un costume où j’étais habillé en soldat romain et mon frère en soldat des Visconti, dans le Milan de la Renaissance. Pour la première fois, il était parfaitement clair de savoir qui était qui.
Nous aimions tellement ces costumes que nous avons continué à les porter même en dehors du Carnaval. J’ai une photographie de moi avec ma grand-mère sur une aire de jeux, et ce n’était manifestement pas la période du Carnaval – peut-être l’hiver ou l’été et pourtant nous étions encore vêtus de ces tenues. Avec le recul, nous devions sembler être des enfants assez excentriques.
Les costumes étaient étonnant : armures de cuir, casques métalliques, épées en bois. Mon père était un artisan extraordinaire, et aussi un homme très singulier mais c’est une autre histoire.
Je pense que cette expérience a profondément influencé mon idée de créer des personnages. Dans mes photographies, je me représente presque toujours moi-même, mais je ne suis jamais vraiment moi-même au sens quotidien du terme. Je porte des costumes, du maquillage, des visages peints. La personne dans l’image n’est pas celle que je suis dans la vie de tous les jours, et pourtant elle est profondément moi.
D’une certaine manière, ces personnages révèlent quelque chose de plus vrai que la réalité ordinaire. Ils ne sont pas la version quotidienne de moi-même, mais ils sont peut-être le vrai moi.
Votre installation actuelle Edicola Acrobatica (Acrobatic Newsstand) sur la Piazza San Carlo, au cœur de Turin, redonne vie à un ancien kiosque à journaux, en y vendant des livres rares et des livres d’art. La petite structure est drapée de rideaux orange soyeux et flanquée de silhouettes d’acrobates découpées dans le bois. Quelle est la genèse de ce projet, et quelles émotions souhaitez-vous susciter ?
PV : Oui, le projet à Turin est lié à un festival appelé Exposed, qui se déroule actuellement dans la ville. La municipalité de Turin a demandé aux organisateurs du festival d’impliquer non seulement des espaces d’exposition intérieurs, mais aussi les espaces publics de la ville elle-même. Ils ont proposé plusieurs lieux aux artistes, et mon exposition a été installée sous les arcades de la Piazza San Carlo, l’une des places centrales de Turin.
Aux deux extrémités de la place se trouvent deux kiosques à journaux. L’un est encore en activité, tandis que l’autre est fermé depuis des années. Malheureusement, les kiosques disparaissent partout chaque jour, un autre ferme. La ville m’a donc demandé si je souhaiterais faire quelque chose avec ce kiosque abandonné.
J’ai immédiatement pensé que c’était une merveilleuse occasion. C’est une structure si petite, si poétique, et pendant quelques semaines nous avons pu lui donner une nouvelle vie.
Avec la Libreria Marini à Rome une librairie extraordinaire spécialisée dans les livres rares, d’occasion et contemporains de photographie et d’art nous avons transformé le kiosque en petite librairie. Nous y avons vendu mes livres aux côtés de livres d’autres artistes et photographes.
J’aimais aussi la forme circulaire du kiosque, parce qu’elle me rappelait un peu une piste de cirque. Puisque mon exposition sous les arcades était consacrée aux acrobates et aux artistes de cirque, cela semblait parfaitement lié à l’atmosphère de l’exposition.
Ce qui m’a le plus touché, c’est la réaction des gens. Voir ces kiosques fermés est devenu une image si triste dans de nombreuses villes que les gens étaient sincèrement heureux d’en voir un revenir à la vie, même temporairement.
Au fond, c’était une idée très simple : peut-être que ces espaces peuvent encore exister, pas nécessairement pour vendre des journaux, mais pour proposer d’autres types d’imprimés livres, images, objets de papier, choses liées à la culture et à l’imagination.
Avec quel univers visuel avez-vous grandi ? Et y a-t-il des artistes de quelque période que ce soit qui ont constitué pour vous des repères durables ?
PV : Comme je l’ai mentionné précédemment, mon père était illustrateur et auteur de livres pour enfants, j’ai donc grandi principalement entouré de livres pour enfants, mais aussi de livres de photographie qu’il utilisait comme références pour son travail.
Pendant longtemps, je me suis très peu intéressé à l’art ou à la photographie. Cet intérêt est arrivé assez tard dans ma vie, alors que j’étais déjà adulte. Pour cette raison, je n’ai jamais vraiment eu d’idoles ou de héros artistiques en grandissant.
Aujourd’hui, bien sûr, l’art est extrêmement important pour moi, et je suis de nombreux artistes et mouvements que j’aime. Je suis très attiré par les peintres abstraits italiens des années 1930, 1940 et 1950, ainsi que par la Nouvelle Objectivité allemande des années 1920 et 1930. J’aime certaines périodes de certains artistes plutôt que de suivre entièrement un artiste.
Par exemple, j’aime beaucoup les premiers travaux de Giorgio de Chirico, en particulier les tableaux qu’il a réalisés avant la Première Guerre mondiale. J’admire aussi Luigi Veronesi, l’artiste abstrait italien proche de Kandinsky.
Mais dans l’ensemble, ma relation à l’art est venue relativement tard. Enfant, et même adolescent, mes intérêts étaient ailleurs. J’étais beaucoup plus passionné par l’histoire surtout l’histoire moderne et par le cinéma que par les arts visuels.
Je me souviens que, jeune, je n’achetais jamais de livres d’art ou de livres de photographie. Le premier livre de photographie que j’ai acheté était d’Irving Penn, et j’étais déjà adulte à ce moment-là.
Votre travail rassemble photographie, architecture, peinture et performance. Comment envisagez-vous votre pratique – vous définissez-vous comme photographe, comme artiste contemporain, ou comme tout autre chose ?
PV : Je ne sais pas vraiment comment je me définirais. Je me considère comme un artiste contemporain, mais je me vois surtout comme photographe. La photographie est importante pour moi parce qu’elle est le principal médium que j’utilise dans mon travail.
Pour moi, le mot « photographie » contient déjà beaucoup de choses. C’est un terme large, plein de possibilités, et en ce sens il me semble suffisant en lui-même. Je suis photographe plus que toute autre chose, c’est ce que je dirais.
En même temps, je travaille aussi comme artiste contemporain, et parfois je pourrais même dire comme peintre. Mais honnêtement, je ne pense pas trop aux étiquettes ou aux définitions.
Jusqu’à il y a quelques années, en Italie, les cartes d’identité mentionnaient la profession, et la mienne indiquait simplement « photographe ». Cela me semblait parfaitement juste. Photographe cela suffit.
Pour l’exposition Rooms / Stages à la Newton Foundation, vous présentez votre célèbre série Der Sturm aux côtés d’une nouvelle installation in situ. Pouvez-vous nous en dire davantage ?
PV : Oui,bien sur. Il y a une œuvre intitulée Der Sturm, à laquelle je suis très attaché, car c’est ma première histoire en noir et blanc du début de ma carrière.
Puis une autre idée est revenue lorsque j’ai visité la Newton Foundation l’hiver dernier. Matthias Harder, son commissaire, m’a parlé du projet pour le hall supérieur et a évoqué un ensemble de mes travaux intitulé Short Stories. Ce sont de petits récits photographiques, presque comme des pièces de théâtre miniatures.
Pour Short Stories, je construis une scène très simple : je peins un décor et je fabrique un petit plancher en bois, comme un minuscule plateau de théâtre. Sur cette scène, je joue devant l’arrière-plan peint, en utilisant des costumes, et je crée de courts récits composés de trois ou quatre images.
L’une de ces histoires est The Vanishing Man : un homme juif vêtu d’un manteau noir qui disparaît dans la ville. Elle repose sur un simple truc visuel je peins une partie d’un mur devant le décor, de sorte que la figure semble marcher dans la ville puis disparait. C’est une illusion très directe, mais efficace : le personnage se dissout littéralement dans l’espace.
Lorsque Matthias et moi avons discuté du projet pour la Newton Foundation, il m’a raconté que, lorsque Helmut Newton cherchait un lieu pour sa fondation, on lui avait montré plusieurs bâtiments. À un moment donné, il a vu le bâtiment actuel et a dit : « C’est celui-ci », parce que c’était le dernier bâtiment qu’il avait aperçu depuis le train lorsqu’il a fui l’Allemagne en 1938.
Matthias a suggéré que cette histoire était très symbolique et m’a demandé si je pouvais y répondre. J’ai en fait proposé quelque chose d’un peu différent : au lieu de The Vanishing Man, je pourrais créer un hommage à Helmut Newton en reconstruisant une scène similaire, mais avec la fondation elle-même comme arrière-plan.
Dans cette version, la figure en quelque sorte à la fois Helmut et moi-même disparaît derrière le bâtiment, dans la ville. Cela devient une méditation sur la disparition, la mémoire et l’exil.
Et avec la scène installée à l’intérieur même de la fondation, l’idée est que les visiteurs aussi puissent symboliquement « disparaître » dans l’espace, s’ils le souhaitent.
Votre travail fonctionne sur de nombreux niveaux visuellement et narrativement. Comment travaillez-vous concrètement ? À quoi ressemble votre processus lorsque vous commencez une nouvelle pièce ?
PV : Oui, c’est vrai. En général, lorsque je commence un corpus d’œuvres, j’ai d’abord besoin d’avoir une sorte d’histoire.
Habituellement, avant que les images n’arrivent, j’écris l’histoire en phrases très courtes. De cette façon, je peux commencer à créer les images. Le texte vient donc d’abord, puis les images, et ils se développent ensemble. Mais je ne suis pas un ordre linéaire.
Je ne commence pas par le début pour avancer pas à pas jusqu’à la fin. Au contraire, je peux écrire seulement un fragment – par exemple : « un homme marche dans la rue et voit une rivière ». Cela pourrait se situer au milieu de l’histoire.
Pour moi, ce qui compte, c’est d’avoir cette image ou ce moment. À partir de là, je peux construire ce qui vient avant et après. Je vais et viens, puis j’assemble tout plus tard. Parfois, presque par magie, une histoire apparaît.
C’est une manière de travailler légèrement anarchique.
Voyagez-vous pour vos recherches ? Plus largement, d’où vient votre inspiration, notamment lorsqu’il s’agit de nourrir les strates historiques d’une histoire ?
PV : En réalité, je ne voyage pas beaucoup. Je n’aime pas vraiment voyager je préfère rester au même endroit. Ma principale source d’inspiration est de travailler dans ma ville, Milan, ou là où je vis à ce moment-là.
Je passe la plupart de mon temps là où je vis, et je pense que la marche en est un élément essentiel. Je marche beaucoup, et c’est probablement ma principale source d’inspiration. Les idées viennent de beaucoup de choses différentes : pensées concentrées, pensées distraites ou « perdues », observation des maisons, regard porté sur les gens.
Une autre source importante d’inspiration pour moi consiste simplement à m’asseoir dans un bar. Je passe beaucoup de temps dans les bars. J’aime regarder la vie passer devant moi, être dans un état à la fois concentré et déconcentré. Dans cet état, le simple fait d’observer ce qui se passe devant moi génère souvent des idées.
Laquelle de vos séries/œuvres vous tient le plus à cœur, et pourquoi ?
PV : The Automaton est la série qui me tient le plus à cœur. C’est la dernière série que j’ai créée avant de quitter New York. J’y ai vécu longtemps mon fils y est né, je m’y suis marié, et c’est le lieu où ma passion est devenue ma profession, où ce qui avait été un hobby s’est transformé en véritable travail.
Cette série a été achevée à la fin de mon séjour dans la ville, et elle est fortement liée à cette période de ma vie. J’aime beaucoup cette époque.
Une autre série à laquelle je suis très attaché est Short Stories, que j’ai réalisée lorsque nous sommes revenus en Italie, à Anghiari, une petite ville de Toscane. Ce fut également une période très importante et très belle pour moi.
D’une certaine manière, les œuvres que je préfère ne sont pas nécessairement celles que je juge « meilleures » dans un sens objectif, mais celles qui sont liées aux moments de ma vie où je les ai créées. Je n’aime généralement pas mon travail pendant que je le fais ; j’ai tendance à être très critique sur le moment. Ce n’est que plus tard que je le comprends différemment.
Cela dit, je veux mentionner que le travail que j’ai réalisé pour la Newton Foundation est, pour moi, l’une des œuvres clés de ma carrière.
Quel conseil donneriez-vous à la nouvelle génération d’artistes ?
PV : C’est difficile. Je n’ai pas vraiment de conseil à donner aux artistes, parce que le monde a complètement changé.
D’une certaine manière, j’aimerais avoir 20 ans aujourd’hui, parce que je pense que c’est une époque fantastique pour être artiste. Le monde est difficile, mais aussi plein de possibilités.
L’une des grandes différences par rapport à l’époque où j’avais vingt ans, c’est qu’aujourd’hui il est beaucoup plus facile de montrer son travail à l’international. Surtout en photographie, on peut désormais postuler en ligne à des bourses ou auprès d’institutions. Quand j’étais jeune, nous devions voyager physiquement et porter notre travail partout – Amsterdam, Berlin, Paris, New York en le transportant avec nous, presque comme un chameau chargé d’œuvres.
Mais je n’ai pas vraiment de conseil. J’aurais presque besoin de conseils moi-même. Je pourrais dire les choses habituelles « soyez vous-même », « faites-vous confiance », « croyez en ce que vous faites » – mais ce genre de phrases ne change pas vraiment les choses. Elles ne garantissent pas le succès, ni même la satisfaction.
Alors, je ne sais pas. Je ne sais vraiment pas.
Peut-être aller souvent au bar, marcher beaucoup c’est ma propre manière de faire les choses. Mais je ne suis même pas sûr que cela compte comme un conseil. C’est simplement ce que j’ai toujours fait.
Peut-être ai-je simplement eu la chance de grandir dans une famille légèrement dysfonctionnelle. Peut-être que cela vous aide à devenir plus conscient de votre monde intérieur, de vos obsessions, de vos intérêts, plus connecté à votre part irrationnelle ou inconsciente. Mais même cela, je ne sais pas si c’est un conseil.
Donc, au fond, je n’ai aucun véritable conseil à donner.
Pour plus d’informations, rendez-vous sur : https://www.paoloventura.com/ et suivez l’artiste sur Instagram : @paolo.ventura
Expositions personnelles :
The Lost Magpie and Other Affairs, Jaeger Art, Berlin
Jusqu’au 4 juillet 2026
Edicola Acrobatica, Piazza San Carlo, Turin
Jusqu’au 4 juin 2026
Exposition collective :
Rooms / Stages, Newton Foundation Berlin
Jusqu’au 15 novembre 2026
