Vanitas : Éternité et poussière
Par Matthew Rolston
Le latin « vanitas » a de multiples significations. Sa définition première est la même que celle du mot français « vanité » : vaine gloire, mensonge, illusion. Une seconde définition est « néant ». Une troisième définition du mot désigne un type de nature morte caractéristique de l’école hollandaise du XVIIe siècle, une forme d’art symbolisant la mortalité. « Vanitas vanitatum et omnia vanitas » – Ecclésiaste, 1:2 – se traduit par « vanité des vanités ; tout est vanité ». Cette expression peut nous servir d’exemple pour mieux appréhender une telle image.
Ma série photographique, Vanitas: The Palermo Portraits, s’inscrit pleinement dans l’esprit (voire dans la forme) de la « vanité » hollandaise. Elle est consacrée aux portraits de restes humains momifiés, conservés dans les catacombes des Capucins de l’église Santa Maria della Pace à Palerme, en Sicile.
C’est là, dans un lieu sacré, véritable porte d’accès au divin, que les classes religieuses, aristocratiques et aisées, depuis le XVIe jusqu’au début du XXe siècle, ont choisi d’exposer leurs morts momifiés, droit, comme s’ils étaient debout, exposés à la vue et entièrement vêtus, afin de les rapprocher du salut éternel. Les portraits de Vanitas constituent un récit mêlant beauté et grotesque, posant des questions anthropologiques et philosophiques sur la vie, la mort et la capacité de l’art à se connecter à l’au-delà.
À première vue, les œuvres qualifiées de « vanités » semblent annoncer la mort, mais leurs significations sont bien plus nuancées. Elles visent à servir de méditations sur la manière dont nous, les vivants, pouvons concilier vie et mort au cours de notre vie. Aux yeux d’aujourd’hui, ces œuvres du XVIIe siècle peuvent paraître étranges, voire dérangeantes, avec leurs représentations apparemment aléatoires de crânes, de fleurs fanées et de richesses matérielles, pourtant aucun objet n’est dénué de sens. Chaque objet symbolise la fugacité des plaisirs terrestres – la fragilité et l’éphémère de la vie. Dans le contexte d’une « vanité », la contemplation de la présence quotidienne de la mort est censée servir la quête de croissance spirituelle : une incitation à vivre une vie plus digne.
Une œuvre d’art « vanité » dénote également la futilité, l’inutilité et le vide de l’obsession des objets matériels ; ces derniers finissent par s’effacer. Être obsédé par les biens matériels, les ornements superflus, la quête du statut social et de la richesse excessive, c’est donc être obsédé par ce vide. On dit : « On ne peut rien emporter avec soi », mais que peut-on emporter de ce monde terrestre ? Son âme, si tant est qu’elle existe.
Dans la série Vanitas, le choix de tons bleus dominants témoigne de sa pertinence dévotionnelle pour le dogme et l’exposition catholiques traditionnels. De ce fait, la couleur est porteuse d’une qualité qui évoque à la fois la mélancolie et la transcendance. Les images de Vanitas explorent un sujet visuellement brûlant, tout en faisant un clin d’œil aux références de l’histoire de l’art présentes dans les œuvres de peintres et photographes de renom – dont quelques-uns ont créé des œuvres représentant spécifiquement les habitants macabres de la crypte des Capucins – parmi lesquels Otto Dix, Richard Avedon, Peter Hujar et Sigmar Polke. Parmi les autres influences plus formelles de mes images de Vanitas, on trouve les œuvres de Francis Bacon, Egon Schiele, James Ensor, Lucian Freud et Le Greco.
Les curieuses catacombes des moines capucins de Palerme demeurent un témoignage troublant des visions romantiques de l’immortalité qu’entretenait l’humanité. Debout, comme déjà ressuscitées, certaines vêtues des vestiges décrépits de leurs richesses terrestres, se croyant les premières à ressusciter le Jour du Jugement dernier, les frères capucins, chefs religieux, aristocrates et personnes fortunées bordent cette nécropole souterraine. Aujourd’hui, abandonnées à l’abandon, réduites en lambeaux de leur gloire passée, ces momies demeurent à la fois tordues et éternellement posées, aussi maniérées que les aquarelles de chair torturée de Schiele.
Les portraits de Vanitas tentent de dépeindre l’obstination de l’humanité à toucher l’éternel et ainsi atteindre l’immortalité, façonnés ici littéralement comme des portraits d’os, de soie et de coton en décomposition, s’accrochant à l’existence même avec un esprit disparu depuis longtemps.
Matthew Rolston
© Copyright Matthew Rolston Photographer, Inc. All rights reserved.
Éros et Thanatos
Par Philip Gefter (extrait)
La mort est toujours un sujet tabou. Impossible d’échapper à son énormité, à son omniprésence, à la menace de son inéluctabilité, à son insondable permanence, et au voile d’obscurité, de vide et de chagrin qu’elle laisse dans son sillage. Nous esquivons le sujet, forcément, pour vaquer à nos occupations quotidiennes, pour croire en l’avenir, pour survivre. S’il est une chose de contempler bouche bée un décès au bord de la route ou de parcourir les détails d’un meurtre local à la une d’un journal – le sort d’inconnus –, regarder la mort en face est un défi que la plupart des gens choisissent de ne pas relever. En 2013, Matthew Rolston, photographe connu pour avoir redéfini le glamour hollywoodien grâce à ses nombreux portraits de célébrités, a passé une semaine aux Catacombes des Capucins de Palerme, en Sicile, à contempler les visages de soixante-dix momies.
« J’aimerais savoir pourquoi je suis ici », dit Rolston, réfléchissant aux questions existentielles essentielles qui l’ont conduit à réaliser la série Vanitas, composée de cinquante photographies de ces momies des Catacombes des Capucins. « J’aimerais me sentir important dans le cosmos de mon propre monde, que mon existence ait un sens. D’où venons-nous ? Où allons-nous ? Quelle est la raison de mon existence ? »
Poussé par la prise de conscience que sa carrière de portraitiste hollywoodien de haut niveau avait mis en avant la jeunesse et la beauté dans son déni et sa négation inhérents de la mort, Rolston a procédé avec l’impulsion de l’artiste à faire des portraits de chaque momie, leurs visages creusés et leurs restes déformés offrant un point de mire sur la réflexion sur le sens et le but de notre temps ici sur terre, l’être transitoire de la vie et le phénomène de la conscience, et la destination incontournable pour nous tous – le néant implacable de la mort.
Philip Gefter
De gauche à droite : Matthew Rolston, Sans titre (Brûlé), Palerme, 2013 ; Egon Schiele, Autoportrait au bras tordu au-dessus de la tête, 1910
Egon Schiele, expressionniste autrichien dont l’œuvre est imprégnée de tourments, de décadence et d’allusions à la mort, a fortement influencé Rolston. Son autoportrait est réalisé à l’aquarelle et au fusain, son torse émacié étant tordu par des os saillants, des veines saillantes et un téton gonflé. Il projette un érotisme torturé et fanatique. La momie, à gauche, dont la chair en décomposition est rendue avec « les couleurs d’une ecchymose », comme Rolston l’avait voulu avec son éclairage, est photographiée comme si elle aussi se trouvait dans un repos séduisant et aguicheur, évoquant l’attitude d’un décadent d’une autre époque.
De gauche à droite : Egon Schiele, Combattant, 1913 ; Matthew Rolston, Sans titre (Visage long), Palerme, 2013
Egon Schiele a représenté ses obsessions pour l’aliénation et la mort par une exagération grotesque de la forme humaine. Dans cet autoportrait nu, il apparaît féroce et prédateur, avec un corps allongé et un geste agité. Il adopte une pose aussi combative que protectrice. En regard de la momie de Rolston, à droite, le combattant de Schiele, dessiné comme par la rouille des fils de fer noircis soutenant le crâne de la momie, recule avec la même réaction instinctive que celle que nous éprouvons face à ce crâne allongé, à ces yeux creusés, à cette chair en décomposition et à cette expression démoniaque qui compose une vision glaçante de la mort.
De gauche à droite : James Ensor, L’Homme de Douleurs, 1891 ; Matthew Rolston, Sans titre (Barbe), Palerme, 2013
L’artiste belge James Ensor s’est toujours préoccupé de la mortalité. Masques mortuaires et crânes masqués parsèment son œuvre. « L’Homme de Douleurs » est un autoportrait à peine voilé en Christ, représentant sa propre souffrance, le spectre de la mort reflété dans le sang sur son visage et son cri de douleur. Ensor est un autre artiste que Rolston a pris en compte lors de la création de ses Vanités. La momie, à droite, pourrait être considérée comme une interprétation moderne de l’autoportrait d’Ensor en Christ, le crâne masqué mortuaire constituant un parallèle démoniaque et obsédant à l’expression de la douleur et de la peur d’Ensor.
De gauche à droite : Francis Bacon, Étude d’après le Portrait du pape Innocent X par Vélasquez, 1953 ; Matthew Rolston, Sans titre (Cri), Palerme, 2013
Francis Bacon n’a jamais vu le « Portrait du pape Innocent X » de Diego Vélasquez, peint en 1650 et considéré comme l’un des plus grands portraits jamais peints. Mais Bacon était obsédé par l’hypocrisie du pape fourbe, dont l’expression dans le portrait de Vélasquez est empreinte de sérénité et de réserve. Bacon a représenté le pape Innocent X hurlant, terrifié par le doute quant à l’existence de Dieu, souffrant comme si le trône était une chaise électrique. Rolston avait Francis Bacon en tête lorsqu’il photographiait les momies des Catacombes des Capucins. La momie hurlante, à droite, en particulier, dialogue avec le pape hurlant de Bacon.
Toutes les légendes par Philip Gefter
PROJECT WEBSITE: https://www.vanitasproject.com/monograph
NAZRAELI PRESS: https://www.nazraeli.com/complete-catalogue/matthew-rolston-vanitas-the-palermo-portraits
© Copyright Matthew Rolston Photographer, Inc. All rights reserved.
