Ce qui rend mon travail si passionnant, c’est découvrir constamment de nouveaux visages, des artistes émergents et des talents exceptionnels. Vous imaginez donc mon impatience de me plonger dans l’œuvre d’Arthur Heck, que j’ai découvert grâce au collectionneur suisse Marco Habrik. Ne manquez pas cet entretien approfondi ! Bonne lecture !
Nadine Dinter : Votre prochaine exposition s’intitule « I Might Have Burned Myself ». Pouvez-vous nous en dire plus sur l’origine du titre et sur ce qui sera exposé ?
Arthur Heck : Il s’agit du moment, après une journée passée au soleil, où l’on réalise qu’on a peut-être attrapé un coup de soleil. Mais c’est aussi le moment où l’on réalise qu’on a peut-être atteint le trop plein d’émotions que l’on s’est peut-être enflammé et que l’on brûle. Cela évoque en quelque sorte le désir, la passion et un sentiment de perte. Je joue toujours avec la notion de chaleur, de feu et de combustion dans mes titres. C’est une chose récurrente, une obsession.
Les œuvres que je présente pour la prochaine exposition sont des images et des sculptures qui abordent tous les thèmes de l’intimité. Elles évoquent ce moment où les choses s’enflamment avec quelqu’un, ou les cendres laissées derrière. Je pense que l’idée de traces est également très importante ici. Ce qui reste après. Comme un coup de soleil sur l’épaule qui s’estompe lentement. L’exposition se déroule à travers des paysages et des portraits superposés à des notes de journal gravées sur les côtés des cadres, et des sculptures éparpillées dans la salle.
ND : Votre exposition est présentée parallèlement à « We Met in Summer », une sélection issue de la collection du collectionneur suisse Marco Habrik, présentant des œuvres de Greg Gorman, Wolfgang Tillmans, Herbert List et d’autres. Quel est le lien entre ces deux expositions et où situez-vous votre travail dans cette constellation ?
AH : « We Met in Summer | I Might Have Burned Myself » sont deux phrases qui se rejoignent et se complètent. J’aime à penser que c’est le cas, même si elles sont indépendantes. « We Met in Summer » raconte l’histoire d’amour de deux garçons qui se sont rencontrés durant l’été 1994. En réfléchissant au titre de mon exposition, je voulais évoquer ce qui aurait pu se passer. Je voulais jouer avec l’idée d’une aventure estivale – ces histoires d’amour intenses que l’on peut vivre en été, ou juste avant l’été, lorsqu’on aspire déjà à partager sa passion sous un soleil de plomb. Certaines restent gravées dans votre mémoire et vous suivent longtemps. D’autres laissent une forte impression pendant l’expérience, puis s’estompent une fois terminée.
Concernant les artistes présentés dans la collection de Marco, j’aime à penser que mon travail s’inscrit dans la continuité de nombre d’entre eux. Certains sont pour moi des références depuis un certain temps, et présenter mon travail à leur coté est donc passionnant et c’est un véritable honneur. Ma pratique est liée à l’histoire plus globale des minorités queer et à la dimension politique de leur appartenance à cette histoire. Certains photographes, comme David Armstrong et d’autres de la « Boston School », ont capturé des images en période de crise pour nos communautés, comme l’épidémie de sida, et leur travail est chargé de ces multiples significations. Pourtant, il y a dans certaines de leurs œuvres une douceur qui m’inspire beaucoup.
Je pense qu’il est urgent, voire nécessaire, de capturer des moments d’émotion et de sensibilité en temps de crise. Aujourd’hui, avec la montée des partis d’extrême droite dans le monde, le recul de nombre de nos droits et l’imminence d’une crise climatique, mon travail est marqué par tout cela, par toutes ces urgences. Les histoires d’amour et de perte que je raconte s’inscrivent, d’une certaine manière, dans ce contexte plus large.
ND : Vous êtes né à Strasbourg et récemment diplômé de la Haute École des Arts de Zurich (ZHdK). Quelles sont vos prochaines étapes ?
AH : Déménager à Londres, peut-être ? Ou au Royaume-Uni en général ? Tous les trois ans, j’ai besoin de faire un saut. Et ce sentiment me brûle à nouveau. Je reviens tout juste d’un voyage au Royaume-Uni, et cela a ravivé mon envie d’y vivre. J’ai toujours été attiré par ce pays, alors il est peut-être temps d’y ouvrir un nouveau chapitre. Bien sûr, je vais continuer à développer ma pratique artistique. Je travaille actuellement sur la série présentée dans I Might Have Burned Myself et je souhaite m’y intvestir plus en profondeur.
ND : Votre travail explore les « imbrications de l’intimité, des conditions sociales et de la sexualité ». Qu’est-ce qui vous inspire et comment trouvez-vous et choisissez-vous vos sujets ?
AH : Le quotidien est une source d’inspiration essentielle pour ma pratique. Il est lié aux gens qui m’entourent – et j’ai des personnes vraiment formidables dans ma vie en ce moment. Nombre d’entre elles apparaissent dans mes photos. J’aimerais aussi commencer à photographier des inconnus. Certaines personnes vous attirent, c’est difficile à expliquer. J’aime la tension entre ce qui est visible en surface et le mystère de ce qui se passe à l’intérieur. Avec le temps, on remarque que notre attention gravite vers certaines choses encore et encore. J’ai récemment réalisé à quel point mon éducation a été déterminante. Les gens et les lieux de ma jeunesse je m’y replonge quand je manque d’énergie ou d’inspiration. Il y a quelque chose de tellement réconfortant quand je suis là-bas, quand je visite les lieux de tant de belles expériences queer – dans un village où personne ne s’attendrait à voir deux garçons se tenant la main sur un rondin près d’une rivière asséchée, peut-être même s’embrasser. Bien sûr, je suis aussi inspiré par d’autres artistes. David Robilliard, par exemple – il avait une façon si belle de montrer son univers, les gens qui l’entouraient, les rencontres et les histoires d’amour qu’il a vécues. Je me sens très inspiré par lui ces derniers temps.
ND : En réfléchissant à votre parcours, décririez-vous votre travail comme autobiographique ?
AH : D’une certaine manière, oui, sans aucun doute. Comme je l’ai mentionné, mon lieu d’origine et les expériences que j’y ai vécues jouent un rôle important dans le développement de ma pratique. L’œuvre que je présente dans « I Might Have Burned Myself » est profondément liée à mon enfance en pleine nature et à la façon dont, en tant que jeune garçon queer, mon sentiment d’intimité s’est ancré dans ces espaces. Comment mon intimité était liée à la nature et à sa vulnérabilité. Mais au-delà de l’autobiographie, je cherche à raconter des histoires plus vastes et plus collectives. J’ouvre l’intime à des questions plus globales et politiques qui traversent la société dans laquelle nous vivons. L’aspect autobiographique peut déclencher un projet ou une histoire que je ressens le besoin de raconter, mais ensuite, l’histoire prend de l’ampleur et je m’aventure dans le monde pour trouver des moyens de la raconter.
ND : Certaines de vos œuvres vont au-delà de la photographie classique et incluent des éléments proches du journal intime. Comment composez-vous ces œuvres multidisciplinaires ?
AH : J’intègre le texte de multiples façons. La photographie est un langage que j’utilise pour raconter des histoires. L’écrit en est un autre à travers les livres et les lectures. Il y a aussi la sculpture et l’espace. Plus récemment, j’ai commencé à graver sur les côtés de mes cadres des extraits de livres et de mes journaux intimes qui m’inspirent. Il s’agit de poésie, offrant de multiples niveaux et façons de lire l’œuvre. Lorsque les œuvres se rassemblent dans un espace, une histoire commence à se dévoiler. Les espaces sont comme de grandes pages du livre que j’écris.
ND : Qui étaient vos icônes ou vos modèles pendant vos études ?
AH : J’en ai eu beaucoup, haha. J’étais obsédé par Tillmans quand j’ai commencé les Beaux-Arts. C’était ma première année, quand un professeur m’a fait découvrir son travail, et j’ai été bluffé. J’empruntais tous ses livres à la bibliothèque, juste pour l’avoir près de moi. J’avais l’impression d’avoir trouvé quelqu’un qui parlait le même langage que moi. Depuis, d’autres artistes ont rejoint cette constellation, dont beaucoup sont d’ailleurs exposés dans la section de Marco de l’exposition « We Met in Summer I I Might Have Burned Myself ».
ND : Suivez-vous un processus ou un rituel particulier lorsque vous photographiez ? Y a-t-il des étapes que vous répétez systématiquement avant ou après une séance ?
AH : Je travaille principalement en argentique. J’ai commencé avec ce médium et j’ai trouvé le moyen de développer un langage avec lui. Le temps entre le moment où l’on prend une photo et celui où l’on voit l’image une fois la pellicule développée me donne l’espace nécessaire pour réfléchir, projeter et construire une histoire autour de ce que j’ai capturé. C’est aussi là que réside le côté poétique de mon travail. J’écris beaucoup pendant ces entre-temps. Parfois, c’est long ; parfois, je me précipite au labo pour voir le résultat. Mais le véritable rituel consiste à savourer ce moment de désir et de participation, et à en tirer le meilleur parti. Je pense que c’est une façon pour moi d’avoir quelque chose de significatif, même si la photo ne fonctionne pas. C’est un peu comme le début d’une histoire d’amour.
ND : Si vous pouviez parler de son travail avec un photographe légendaire, qui choisiriez-vous ?
AH : Je dirais David Armstrong. Je suis profondément touché par son travail et la mélancolie discrète qui l’habite. La tendresse qu’il a perçue et capturée chez les personnes qu’il a photographiées, en particulier ces moments à la fois intimes et universels. J’imagine qu’il avait des histoires incroyables à raconter. Et j’aime écouter les belles histoires, surtout celles qui révèlent un non-dit dans les lignes d’une pratique artistique.
Réservez la date :
“I Might Have Burned Myself”
Vernissage : 27 juin 2025, 18 h
The Ballery, Nollendorfstrasse 11–12,
10777 Berlin
For more information, check out Arthur’s IG account @ahck._ and https://arthurheck.com
