J’ai découvert le travail d’Alwin Maigler grâce à son livre Nocturne. Amoureuse des lieux sombres et admiratrice de la photographie de nuit, j’ai été immédiatement séduite par cette série unique. Le fait que les modèles de Maigler soient des danseurs et la façon dont ils semblent flotter sans effort dans ses images laissent une impression fascinante sur le spectateur et m’a donné envie d’en savoir plus sur sa méthode de travail. Bonne lecture !
Nadine Dinter : Vos derniers livres, Nuances et Nocturne, nous emmènent dans un univers de musique, de rythme et de danseurs énigmatiques dans des espaces changeants. Pouvez-vous nous parler un peu de votre approche de la photographie et de votre genre de prédilection ?
Alwin Maigler : Pendant la majeure partie de ma carrière, il m’a semblé inévitable d’avoir des gens devant mon objectif. Venu du portrait et de la mode, j’ai appris très tôt que la tâche principale d’un photographe n’est pas simplement de prendre la photo, mais de créer un espace où les gens se sentent suffisamment à l’aise pour se confier.
Ces dernières années, j’ai évolué vers une pratique plus libre et plus artistique, qui ne se limite pas facilement à un genre photographique spécifique. Nuances et Nocturne, par exemple, nous plongent dans l’univers du ballet et explorent le paradoxe de la photographie, médium immobile et statique, qui rencontre la fluidité et la beauté éphémère du mouvement et de la danse. J’ai été fasciné par l’idée de réunir ces deux formes d’art apparemment contre-intuitives.
Parallèlement, mes centres d’intérêt sont très variés. Je travaille actuellement sur un projet à long terme consacré aux anciennes colonies allemandes, qui m’a conduit en Afrique l’année dernière et me mènera aux Caraïbes l’année prochaine. Je viens également de terminer une série très personnelle, pieds nus dans l’herbe, entièrement photographiée sur pellicule Polaroid argentique. Elle aborde le thème de l’amour, les rôles de genre, l’intimité et le pouvoir de l’appareil photo et du regard.
En résumé : mon genre et mon approche privilégiés sont toujours guidés par mes intérêts personnels.
Pour ces deux séries, vous avez travaillé exclusivement en noir et blanc, tandis qu’une grande partie de vos commandes est en couleur. Comment décidez-vous de cette voie et pourquoi avoir choisi le noir et blanc pour les livres ?
AM : Le thème central des deux séries est le mouvement, et la question de savoir comment le capturer dans un médium intrinsèquement immobile. Pour chaque série, j’ai développé une sorte de grammaire visuelle que je pouvais appliquer aux images. Dans ce cas précis, je me suis demandé : la couleur contribue-t-elle à rendre les images plus dynamiques et le mouvement plus visible ?
Vous remarquerez peut-être aussi qu’il n’y a pratiquement aucun visage visible dans les deux séries. Ce n’est pas que les danseurs ne soient pas beaux ; bien au contraire, ils sont tous magnifiques. Mais notre regard est naturellement attiré par les visages. Dès que nous en voyons un sur une photo, nous nous fixons instinctivement dessus. Dans mon cas, cela aurait perturbé les lignes et les compositions que j’ai soigneusement créées pour traduire le mouvement, l’expression et le corps dans une certaine dynamique.
J’ai donc répondu de la même manière à la question de la couleur : elle aurait détourné l’attention du spectateur sur ce que je voulais transmettre. Pour moi, le choix entre le noir et blanc et la couleur dépend toujours du sujet, du concept. En revanche, pour les commandes, l’objectif est différent : si nous photographions pour un produit ou une cause spécifique, ce produit devient le centre d’intérêt. Si la couleur est essentielle pour communiquer ce que nous voulons exprimer, j’apprécie également beaucoup travailler en couleur.
Comment vous préparez-vous habituellement pour un shooting ? Avez-vous des rituels ou une approche particulière ?
AM : Même si je travaille dans le secteur depuis dix ans maintenant, je suis encore un peu nerveux avant les shootings commandés. Non pas que je doute de mes capacités, mais parce que je suis très exigeant envers moi-même et que je suis toujours critique envers mon propre travail. Vouloir toujours plus et faire toujours mieux fait partie intégrante de ma préparation.
Pour mes projets personnels, le processus est encore plus complexe. Il faut parfois des mois, voire des années, avant que je sois capable d’évaluer correctement mon travail. Pour résumer étape par étape : d’abord vient la nervosité, puis le sentiment que j’aurais pu faire mieux, et seulement plus tard la prise de conscience : « Oh, c’est vraiment bien ! »
Dans Nocturne et Nuances, vous avez travaillé avec des danseurs de ballet. Quelle musique avez-vous jouée ? Et qui l’a choisie, vous ou les danseurs ?
AM : J’ai toujours joué la musique que les danseurs souhaitaient écouter. Nous commencions généralement par une conversation très détendue autour d’une tasse de thé, écoutant attentivement ce qu’ils partageaient avec moi, créant ainsi une connexion personnelle. Ce n’est qu’ensuite que nous avons commencé à photographier, parfois au son de musique classique, parfois de techno sombre, voire de death metal hardcore. On a souvent une idée étroite du ballet et du style de musique que les danseurs préfèrent, mais j’ai rencontré des personnes parmi les plus intéressantes et les plus diverses.
Comment avez-vous dirigé les danseurs ? Leur avez-vous donné des instructions, ou avez-vous préféré leur donner une esquisse narrative et les laisser bouger librement ?
AM : Dans les deux séries, il s’agissait toujours d’un travail collaboratif intense, presque comme une conversation continue entre les danseurs et moi, ou entre leurs corps et la caméra.
Nuances a été photographié en studio, ce qui a créé une atmosphère très intime et personnelle. Nocturne, quant à elle, a été photographiée en extérieur, la nuit, décontextualisant la scène et remettant en question les conventions visuelles du ballet tel que nous le connaissons. C’était très expérimental, rebelle et très amusant. Regarder une ballerine sauter dans une fontaine publique au milieu de la nuit, en espérant que la police ne remarque pas nos manigances, était à la fois hilarant et inoubliable à capturer.
Parallèlement à vos projets créatifs, vous réalisez également des commandes pour Porsche, Leica, Mercedes-Benz et l’Opéra national de Stuttgart, entre autres. Comment passez-vous de la photographie artistique à la photographie client ?
AM : D’un point de vue photographique, c’est plus facile qu’on ne le pense. La plupart des photographes sont polyvalents et flexibles. Le véritable défi, selon moi, est de faire comprendre qu’un projet artistique fort peut tout aussi bien être une commande. Les clients doivent comprendre que l’art du storytelling ne diffère pas fondamentalement de la création d’une campagne pour leur produit ou leur stratégie. Bien sûr, les commandes sont souvent plus axées sur le produit lui-même que sur mon interprétation personnelle. Mais les meilleures missions sont celles où je suis choisi spécifiquement pour mon interprétation et ma signature visuelle.
Aucun client ne semble trop difficile, aucune marque trop grande. Quel est votre secret ? Avez-vous une méthode pour briser la glace ?
AM : Accepter les défis plutôt que de céder à la peur. De plus, mon solide réseau de collègues expérimentés m’aide à affronter des défis que je n’ai jamais abordés auparavant. Être ouvert, se soutenir mutuellement et partager des connaissances est essentiel.
Votre première exposition personnelle internationale a eu lieu au Japon l’année dernière, et plus tôt cette année, vous avez exposé à Cologne. Remarquez-vous des différences culturelles dans la réception de votre travail ?
AM : Oui, les différences sont immenses. Le Japon est non seulement situé à l’autre bout du monde, mais il est aussi ancré dans une tradition historique de l’art très différente. En Europe, les beaux-arts sont cultivés depuis des siècles par les musées, la royauté, les collectionneurs et des institutions comme l’Église. Au Japon, la tradition de ce que nous appelons en Europe les « beaux-arts » est relativement jeune (même si l’on sait que même « histoire de l’art » est un terme très européocentré). Si vous visitez les musées nationaux japonais pour admirer leurs plus précieux objets culturels, vous y découvrirez principalement des céramiques, des sabres et des objets d’artisanat – et bien sûr, de la calligraphie et des estampes japonaises traditionnelles.
Cela s’applique également à la photographie. Avant mon exposition, j’ai visité Kyotographie, l’un des plus grands festivals photo du Japon, et j’ai reçu d’excellents retours. On m’avait dit que le public japonais adorerait ma série Nocturne, car il n’avait jamais rien vu de tel auparavant. Cette prédiction s’est réalisée lorsque nous avons ouvert nos portes devant une galerie comble à Tokyo : la réaction a été formidable.
Cela dit, même si j’ai adapté la présentation de mon travail aux standards japonais des formats plus petits, par exemple, en raison de l’espace mural limité et des petits espaces, vendre aux collectionneurs restait difficile. Heureusement, j’en avais été informé six mois auparavant, donc je n’ai pas eu de déception ni de faux espoirs.
Et la suite ?
AM : De nombreux projets passionnants ! Je viens de photographier les Ballets de Monte-Carlo à Monaco. Expositions, conférences et présentations de séries et d’œuvres déjà publiées, mais aussi des premières d’œuvres inédites. Début 2025, la chaîne franco-allemande ARTE a produit un documentaire sur le baiser et m’a suivi à Paris, revisitant un projet sur ce thème que j’avais réalisé quelques années auparavant. Ils sont également venus voir mon exposition au showroom de Simone Klein. Je suis donc très heureux de voir mes photographies apparaître sur cette plateforme.
Je suis actuellement en phase de mise en page pour la publication en livre de ma prochaine série « Pieds nus dans l’herbe » ; des extraits et des Polaroïds originaux seront exposés à la Staatsgalerie de Stuttgart du 17 octobre 2025 à mi-janvier 2026. C’est un grand honneur d’être invité par une telle institution.
Et en janvier 2026, je poursuivrai mon projet d’exploration de l’histoire coloniale allemande, en me concentrant prochainement sur Saint-Thomas, dans les Caraïbes. Comme vous pouvez le constater, les mois à venir s’annoncent très riches et variés.
Inutile de dire que je suis très enthousiaste !
Un conseil pour les étudiants en photographie fraîchement diplômés ?
AM : Ayez la peau dure ! Vous entendrez beaucoup de « non » et rencontrerez de nombreux obstacles. Trouvez un équilibre sain entre foncer tête baissée et savoir prendre du recul et des pauses. N’attendez pas que les opportunités se présentent à vous ; personne ne vous les donnera comme ça. Soyez persévérant, résilient et créatif, non seulement dans votre réalisation photographique, mais aussi dans la poursuite de vos objectifs. Et ne tenez rien pour acquis : une carrière dans la photographie n’est ni facile, ni linéaire, et exige beaucoup de travail, beaucoup de chance et la générosité de ceux qui sont prêts à vous donner leur chance.
Dates à retenir :
26 juillet – 11 octobre 2025
Nuances & Nocturne à la Galerie Leica de Porto, Portugal
17 octobre 2025 – mi-janvier 2026
Extraits de « barefoot in the grass » (Polaroïds originaux) exposés à la Staatsgalerie de Stuttgart, Allemagne.
Tout au long de l’année 2025-2026
Conférences d’artistes et présentations de livres dans plusieurs galeries Leica en Allemagne.
Pour plus d’informations, consultez le compte Instagram d’Alwin @alwinmaigler et son site web : www.alwinmaigler.com.
