Il s’agit du vingt-huitième volet de la série en ligne de la Peter Fetterman Gallery intitulée The Power of Photography mettant en évidence l’espoir, la paix et l’amour dans le monde. Nous vous invitons à apprécier et prendre le temps de la réflexion sur ces œuvres.
Sebastião Salgado
Elephant (Against light), Kafue National Park, Zambia, 2010
© Sebastião Salgado / Amazonas Images/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Nous avons tous vu de nombreuses images d’éléphants au fil des ans, mais il y a quelque chose de vraiment spécial dans cette image de l’éléphant de Sebastião, comme je l’appelle maintenant. Il parvient à l’imprégner d’un sens si profond du respect de son intelligence, de sa dignité et de sa liberté. Il a un éclat presque biblique et j’ai l’impression d’éprouver un lien humain particulier, presque fraternel avec lui.
Gianni Berengo Gardin
Vatican City, Rome, 1959
© Gianni Berengo Gardin/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Être sur la place Saint-Pierre à Rome un dimanche matin et voir le pape sortir et saluer la foule en adoration, quelle que soit la religion à laquelle vous adhérez, est un spectacle et un souvenir inoubliables. Voici une image très spéciale qui capture ce moment d’une manière subtile et unique. Le génie de Gianni n’est pas de montrer un visage humain mais les détails de la vie quotidienne et normale. Une femme sur la pointe des pieds pour mieux voir, un chapeau d’homme et un étui en cuir sur le sol pour lui faciliter les choses alors que lui aussi essaie de voir. Mais l’émotion de l’occasion est là.
Louis Stettner
Six Lights, Penn Station, 1958
© Estate of Louis Stettner / Courtesy Peter Fetterman Gallery
L’une de mes collaborations les plus joyeuses a été avec le regretté grand Louis Stettner que j’ai toujours pensé être un important photographe humaniste du XXe siècle très sous-estimé et l’une de mes expériences les plus enrichissantes a été d’obtenir que son rêve pour un projet de livre sur son travail dans les années 1950 sur Penn Station soit publié.
Alors que je lui rendais visite dans son atelier parisien, j’ai remarqué cette maquette pour un livre posé sur une table. J’ai dit “Qu’est-ce que c’est que ce Louis?”. Il m’a raconté comment il était tombé amoureux de l’ancienne Penn Station et qu’il était devenu obsédé par le fait d’y retourner encore et encore à la recherche d’un sujet. Je ne pouvais tout simplement pas croire à quel point l’imagerie était forte et lui ai demandé “Pourquoi n’y a-t-il pas un beau livre sur ce travail?” Il m’a dit qu’il avait essayé encore et encore et qu’il n’avait pu intéresser aucun éditeur. Il était tellement abattu par le rejet. J’ai dit “C’est insensé. Puis-je réessayer pour vous? Le travail est tellement génial”. “je vous en pris, allez y avec ma bénédiction”, a-t-il répondu.
J’ai donc pris en main une mission qui a duré 2 ans. Moi aussi j’ai fait face à un rejet constant. Aucun éditeur ne pensait que c’était “commercial”. Plus je recevais de rejets, plus je devenais excité. Finalement, je me suis retrouvé chez le célèbre éditeur de livres d’art anglais Thames and Hudson et leur éditeur de livres basé à New York, Christopher Sweet, a partagé mon enthousiasme et mon appréciation du travail de Louis et c’est arrivé. J’ai suggéré que le grand écrivain new-yorkais Adam Gopnik écrive l’introduction et il a accepté aussi. Un beau livre est né et je sais que cela a rendu Louis si heureux que son rêve se soit enfin réalisé. Et cette belle image est la couverture du livre.
Wynn Bullock
Old Typewriter, 1951
© Estate of Wynn Bullock / Courtesy Peter Fetterman Gallery
Bien avant les ordinateurs, il y avait quelque chose qui s’appelait une machine à écrire. Elles étaient assez lourdes et faisaient beaucoup de bruits. Les gens avaient l’habitude d’y mettre des morceaux de papier, de taper un peu sur les touches, de sortir le papier puis de mettre le papier dans une enveloppe, de coller un timbre sur l’enveloppe, puis de sortir et poster la lettre et d’attendre parfois des jours voire des semaines pour une lettre dactylographiée en retour.
Wynn Bullock a capturé cette image il y a 70 ans. C’est plus qu’une simple image d’une machine rouillée. Il s’agit du passage du temps et de la décomposition intégrés dans la nature. Mais pour ce spectateur, le sens sous-jacent est que la nature survivra et vivra plus longtemps que tout ce que l’homme peut créer et est donc une force beaucoup plus puissante et nous devrions être humble devant elle.
William Klein
Atom Bomb Sky, New York, 1955
© The Estate of William Klein/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Comment terminer un projet d’un an sur New York ? Eh bien, si vous êtes William Klein, vous sortez avec un bang ..
L’un des grands iconoclastes de l’histoire de la photographie a intérêt à terminer en beauté. Il monte donc littéralement dans un hélicoptère pour capturer son dernier cliché et l’appelle “Atom Bomb Sky”. Peut-être que vivre au plus fort de la guerre froide a incité le titre, mais l’image peut certainement être ouverte à de nombreuses interprétations.
Voici la mienne, je pense que c’est un hommage à l’indestructibilité de cette ville. Quelles que soient les épreuves et les tribulations que subit cette ville, elle rebondit toujours. Elle a survécu à la faillite, survécu au 11 septembre et surmontera la pandémie. La survie est dans son ADN, c’est ce qui en fait un endroit si spécial et cette image capture tout. Je pense que c’est épique.
Jerry Schatzberg
Victoire Fixing Shoe, 1962
© Jerry Schatzberg / Courtesy Peter Fetterman Gallery
Il y a près de soixante ans, en 1962, Jerry nous a donné un aperçu incroyable de ce qui s’est réellement passé dans les coulisses des dernières années de l’âge d’or de la haute couture. Il l’a fait comme un film documentaire. Nous sommes témoins de toute l’énergie frénétique et nerveuse avant le “showtime” et le rideau se lève pour 2 heures de théâtre pur et souvent la présentation de 200 vêtements dans ce laps de temps serré.
Victoire était l’une des égéries les plus inspirantes d’Yves Saint Laurent à qui l’on donnait toujours les robes préférées du couturier à porter pour séduire le public d’acheteurs et la presse qui réclamaient de voir ses dernières créations pour la Maison Dior. Ici, elle répare sa propre chaussure sans qu’une horde d’assistants ne suivent chacun de ses mouvements. Une époque révolue assurément.
William Clift
Georgia O’ Keefe, New Mexico, 1981
© 2023 William Clift / Courtesy Peter Fetterman Gallery
Bill Clift est un maître artisan à l’ancienne, humble, quelque peu reclus, un perfectionniste de la vieille école. Il fait très peu de tirages en raison de son procédé chronophage. C’est souvent une longue attente et une danse complexe pour recevoir l’un de ses rares tirages. Mais l’attente en vaut vraiment la peine car quand il arrive enfin, c’est un trésor à voir. C’est un homme lent, intelligent, délibéré et profondément intuitif. Il aime ce qu’il fait et est amoureux de son métier. Il a passé sa vie à chercher quelque chose qui le touche.
Georgia O’Keeffe l’a évidemment touché car elle a fasciné de nombreux grands photographes. Mais c’est sûrement l’un des portraits les plus révélateurs d’elle que j’aie jamais vus. L’image est calme et stoïque et au-delà de la beauté, tout comme son travail.
Ralph Steiner (1899 – 1986)
Paul Strand Filming the PTBTP, 1935
© The Estate of Ralph Steiner/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Ralph Steiner était un bon ami de Paul Strand et a été énormément influencé par lui à la fois en tant que photographe et en tant que directeur de la photographie. Strand était un mentor clé pour lui. Ils ont collaboré à un documentaire fondateur, “La charrue qui a brisé les plaines” sur la vie dans le Dust Bowl dans les années 1930. Vous pouvez sentir le respect qu’un photographe ressent pour un autre dans ce tirage vintage probablement unique. Je n’en ai jamais vu d’autre tirage et il n’est reproduit dans aucune des publications de Steiner.
Neil Leifer
Los Angeles Dodgers Sandy Koufax (32) victorious after winning Game 4 and championship series vs New York Yankees at Dodger Stadium, October 6, 1963
© Neil Leifer / Iconic Images / Courtesy Peter Fetterman Gallery
Neil Leifer est généralement considéré comme l’un des grands praticiens de la photographie sportive qui, par sa pure détermination, son innovation technique et sa prise de risque audacieuse, a certainement élevé la photographie sportive au rang d’art.
Voici, dans ses propres mots, ses souvenirs de cette journée spéciale en 1963. Profitez-en tous, fans de baseball !
“Sandy Koufax était incontestablement le meilleur lanceur de son temps. C’était un sujet difficile car il montrait rarement la moindre émotion. Il avait généralement le visage de pierre. Même s’il gagnait, tout ce que vous pouviez obtenir était un petit sourire alors qu’il quittait le monticule. Cette photo est spéciale car ici, Koufax vient de terminer le match 4 de la Série mondiale de 1963, un balayage de quatre matchs des Yankees. C’est la finale comme vous pouvez le voir sur le tableau d’affichage et Koufax a dû oublier qui il était car il a bondi en l’air avec un immense sourire aux lèvres. J’étais un fan de Brooklyn Dodger depuis aussi longtemps que je me souvienne et quand l’équipe a déménagé à Los Angeles, j’avais le cœur brisé. L’une des raisons pour lesquelles je suis resté fan des Dodgers était que certains des joueurs que j’avais grandi en regardant et que j’aimais à Brooklyn étaient toujours avec l’équipe de Los Angeles. Duke Snider, Don Drysdale et surtout Koufax. J’ai toujours aimé regarder Koufax pitcher. Cette photo est mémorable parce qu’il a montré ici une exubérance qu’il n’a jamais révélée les autres fois où je l’ai photographié.” ~ Neil Leifer
Henri Cartier-Bresson
Henri Matisse, 1944
© Fondation Henri Cartier-Bresson/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Je n’oublierai jamais le jour où je suis allé pour la première fois rencontrer Cartier-Bresson dans son appartement. J’étais plus que nerveux. Mais lui et sa femme m’ont mis à l’aise. La première chose que j’ai remarquée, c’est qu’il n’y avait aucune de ses photos dans l’espace.
Du coin de l’œil, j’ai aperçu un petit dessin de Matisse et j’ai entamé notre conversation sur sa relation avec lui. Bien sûr, je connaissais son célèbre portrait de Matisse. C’était l’un des plus grands portraits jamais réalisés d’un artiste. Henri m’a raconté son amitié avec lui, combien il était si honoré que Matisse lui ait proposé de concevoir la couverture de son premier livre “Images à la Sauvette” qui a assuré sa position dans l’histoire de la photo. Ce que je ne savais pas, c’est que Matisse était complètement aveugle à cette époque et dessinait de mémoire en tenant la colombe blanche dans sa main. La photographie est une question de lumière et la lumière qui coule ici de la fenêtre sur son sujet ne fait que donner à l’image plus de pathos et d’empathie. Vous ne pouvez que ressentir l’amour qu’Henri ressentait pour son ami.
Ce fut une première visite vraiment spéciale et le début d’une relation et d’un voyage incroyables.
Peter Fetterman Gallery
2525 Michigan Ave, #A1
Santa Monica, CA 90404
http://www.peterfetterman.com
The Power of Photography est maintenant un livre publié par ACC ART Books.
Peter Fetterman : The Power of Photography
ACC ART Books
Pages: 256 pages
Size: 7.87 in x 9.06 in
ISBN: 9781788841221
$45.00
https://www.accartbooks.com/us/book/the-power-of-photography/
www.accartbooks.com
