J’ai rencontré Johanna il y a des années lors d’un événement artistique. Avec son énergie et son allure singulières, impossible de la manquer, de même son travail. Lors de son actuelle exposition, nous nous sommes retrouvées pour parler des forces qui animent sa pratique, de son processus créatif, et bien plus encore. Suivont la!
Nadine Dinter : Votre exposition actuelle s’intitule LEAVE YOUR BODY LIKE A SHELL / Bare Elements – Ice & Fire. Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur l’origine de ce titre inhabituel ?
Johanna Keimeyer : Mon travail explore le corps comme une enveloppe qui n’exprime jamais totalement notre monde intérieur. Le titre renvoie au corps comme à un contenant plutôt qu’à une identité. Dans LEAVE YOUR BODY LIKE A SHELL, l’eau devient un espace où je peux explorer la liberté de pensée et d’esprit, même lorsque je suis contrainte par le souffle et la gravité.
J’explore l’état humain brut, dépouillé, au cœur d’une nature pure. Dans BARE ELEMENTS – Ice & Fire, cela devient une confrontation avec ce qui demeure caché sous la perception. Au cœur des deux séries se trouve la question : Qui suis-je vraiment ?
Dans cette exposition, on découvre deux séries principales, Fire et Ice. Que signifie travailler avec des forces aussi élémentaires ?
JK: Dans BARE ELEMENTS – Ice & Fire, je m’immerge au naturel dans les éléments et je fais de l’acte de performance devant l’appareil l’œuvre elle-même.
Je cherche à orienter l’attention vers l’intérieur — vers ce qui est caché, notre espace le plus intime et le plus sacré. Mon corps peut être exposé, jugé, admiré ou rejeté ; il peut être perçu comme beau ou non. Pourtant, je reste distincte de lui. Mon corps est un véhicule, mais il n’est pas mon essence. Nous sommes bien plus que notre beauté extérieure ou l’architecture fragile de la chair. Ce qui se trouve en dessous doit être préservé, protégé et exploré. C’est dans cette exploration que la clarté peut surgir, nous guidant plus profondément vers les questions éternelles : Qui sommes-nous ? Quelle est notre véritable expression dans la vie ?
Sur les photographies, on vous voit dans une forme très pure. Cette vulnérabilité est-elle intentionnelle ?
JK: Dans ce travail, je m’expose, vulnérable, radicalement ouverte, et donc aussi provocatrice. Je me rends transparente et honnête devant l’objectif. Cette ouverture est au cœur de ma pratique. Mon corps est présent, mais il n’est pas l’essence. C’est mon enveloppe, un véhicule qui n’exprime jamais totalement ce qui m’anime. Ce qui demeure caché ne peut pas être montré, seulement approché.
Vos photographies semblent étroitement liées à la performance et à la présence. Comment comprenez-vous la relation entre l’acte performatif et l’image qui en résulte ?
JK: L’acte performatif est l’œuvre elle-même. Les photographies sont des traces d’une expérience vécue.
Quel rôle la nature joue-t-elle dans votre travail ?
JK: Mon intention est de révéler la beauté de la nature à l’état pur — et de nous présenter, nous êtres humains, tels que nous arrivons au monde : comme une conscience pure.
La nature elle-même devient l’espace dans lequel l’œuvre se déploie, élargissant la rencontre avec un paysage intérieur.
Vous parlez de coquilles intérieure et extérieure. Comment représentez-vous des notions comme la liberté et la transformation ?
JK: La liberté commence à l’intérieur. Par la conscience, la perception se déplace et nous nous transformons. Même dans les limites physiques, l’esprit demeure libre.
Le corps est une enveloppe, un véhicule, tandis que l’esprit demeure libre.
Vous travaillez aussi avec l’image en mouvement. Le film est-il pour vous un prolongement de la photographie ?
JK: Au sein de l’exposition, le film approfondit les œuvres photographiques en introduisant le temps, le mouvement et une présence vécue dans les images.
La photographie a été le premier médium avec lequel j’ai grandi. Ma mère, elle-même artiste, documentait abondamment nos vies avec son appareil — ce qui était assez rare à l’époque — en créant des livres photo pour chacun de nous. Nous étions six enfants, et ces albums sont devenus des traces précoces de mémoire, de présence et d’identité. C’est le médium dans lequel je me sens le plus en sécurité pour m’exprimer.
Le film est venu plus tard. Pendant mes études, notamment grâce aux projections vidéo et à mon travail de fin d’études, je suis tombée amoureuse de l’image en mouvement. Le film permet au temps vécu et à la présence de se déployer. Dans ma pratique, je travaille souvent à partir de la vidéo et j’utilise des photogrammes comme résultats ; de nombreuses performances n’existent que par l’enregistrement vidéo. Parfois, une performance vidéo en direct se transforme en photographie ; parfois, une image fixe se poursuit en image en mouvement. Ce passage fluide entre les médiums a aussi façonné mon engagement à long terme avec la photographie sous-marine.
Vous avez suivi un entraînement intense pour votre travail sous l’eau. Ce processus vous a-t-il changée personnellement ?
JK: Oui, énormément. Je travaille la photographie sous-marine depuis presque 20 ans, et d’une certaine manière, le travail lui-même est devenu mon entraînement. Chercher à rester le plus longtemps sous l’eau, portée par le désir de capter une image précise, a été la préparation la plus intense. Je me suis entraînée pendant des années avant de réaliser combien de temps je pouvais réellement retenir ma respiration.
Avec le temps, cela m’a menée à participer à une compétition allemande d’apnée, où j’ai atteint un temps d’apnée validé de près de cinq minutes.
L’apnée m’a fait découvrir une expérience très particulière du lâcher-prise. La chute libre lors de la descente est profondément apaisante. À des profondeurs d’environ 40 mètres, le corps entre dans un autre état les poumons sont comprimés, l’esprit se tait, et la conscience s’aiguise. Par le contrôle du souffle et la méditation, le rythme cardiaque ralentit, les tensions se dissolvent, et un sentiment de liberté apparaît. L’apnée est un équilibre précis entre contrôle et abandon. Elle devient une pratique où l’entraînement et l’alignement intérieur rendent tangible l’idée que l’esprit peut dominer la matière.
Dans votre film sous-marin, vous portez une robe haute couture de Wolfgang Joop. Pourquoi ?
JK: La robe fonctionne comme une seconde enveloppe — une extension visible du corps en tant que contenant. Sous l’eau, elle devient une présence avec laquelle je danse, presque comme un vis-à-vis, entrant dans un dialogue silencieux. Au final, la robe se substitue à mon propre corps — un corps que l’esprit a quitté, qu’il n’habite plus. La laisser derrière moi la transforme en relique de l’expérience, en trace de ce qui a été vécu et relâché. L’esprit lui-même demeure invisible ; il poursuit sa route et se transforme en quelque chose de nouveau.
En même temps, porter une tenue Wunderkind de Wolfgang Joop m’a donné de la force. J’aime profondément ses vêtements le soin, l’attention au détail, la fantaisie et la créativité sans compromis qu’ils portent, ainsi que la qualité des matières. Entrer dans l’eau avec cette tenue a soutenu l’état performatif que je devais habiter.
Et ensuite ?
JK: Je travaille actuellement sur deux nouveaux films issus de la série BARE ELEMENTS — Ice and Fire — prolongeant les œuvres photographiques en images en mouvement. En parallèle, je développe un film des coulisses pour LEAVE YOUR BODY LIKE A SHELL. D’autres projections et expositions suivront, notamment des présentations autour de Gallery Weekend à Berlin. Et bien sûr, il y a des visions et des idées que je m’engage à mettre en forme. Le travail continue de me montrer à quel point bien plus est possible que nous ne l’imaginons au départ pour nous tous, en suivant nos propres chemins.
Pour plus d’informations, consultez le compte Instagram de l’artiste @johannakeimeyer
L’exposition de Johanna Keimeyer LEAVE YOUR BODY LIKE A SHELL / Bare Elements – Ice & Fire est présentée à rk-Gallery, Möllendorfstrasse 6, 10367 Berlin, jusqu’au 4 mars 2026
