“Beauty and Pain” Frida Kahlo
Julia Fullerton-Batten, qui vit à Londres, au Royaume-Uni, est une photographe plasticienne renommée pour sa narration visuelle très cinématographique. Ses projets de grande envergure s’articulent autour de thèmes spécifiques. Chaque image du projet enrichit son sujet dans une série d’« histoires » narratives qui donnent à réfléchir, à l’aide de tableaux mis en scène et de techniques d’éclairage sophistiquées.
« Depuis sa mort en 1954, Frida Kahlo est devenue une figure iconique du monde de l’art et au-delà. Il est difficile de résumer son impact, car il s’étend à l’art, la culture, la politique et les questions sociales. « Sa vision unique et son expression sans concession ont fait d’elle une figure emblématique, une véritable « déesse », dont l’héritage ne cesse de s’enrichir et d’inspirer de nouvelles générations d’artistes, de militants et d’admirateurs à travers le monde. » Julia Fullerton-Batten
Site web : http://www.juliafb.com
Lanza : Quelle a été la première image ou l’idée émotionnelle qui vous a fait comprendre que Frida Kahlo pouvait devenir une série entière ?
Fullerton-Batten : En 2022, je me suis rendue au Mexique pour mon exposition rétrospective et je suis tombée amoureuse de tout ce qui fait ce pays les couleurs, les gens, et le rythme de vie sans hâte, si différent de Londres. J’ai été captivée par chaque rencontre et chaque lieu visité, et j’ai su que je devais revenir pour créer un projet photographique profondément personnel.
L’art de Frida Kahlo me fascine depuis ma visite, au V&A, de l’exposition Frida Kahlo: Making Her Self Up en 2018. Cette exposition, la première hors du Mexique à présenter ses vêtements et ses effets personnels, offrait un aperçu unique de sa vie et de son identité à travers des objets restés sous scellés pendant cinquante ans après sa mort.
Son œuvre est une tapisserie vive et complexe, où s’entrelacent souffrance personnelle, identité culturelle et conviction politique. Mais c’est sa relation profonde avec le Mexique qui m’inspire le plus. Son amour pour son pays est au cœur de ses peintures, son héritage s’exprimant à travers les thèmes, les symboles et le langage visuel qu’elle a embrassés.
À travers son œuvre, Kahlo offre une perspective unique sur la culture mexicaine, l’identité et la condition humaine, laissant une empreinte indélébile dans l’histoire de l’art nationale et internationale. Plus de soixante-dix ans après sa mort, ses peintures demeurent étonnamment contemporaines.
Avec l’aide d’habitants, j’ai eu accès à des lieux cachés et extraordinaires, rarement vus des étrangers : une demeure abandonnée au cœur de Mexico ; une résidence privée conçue par l’architecte de renommée internationale Luis Barragán ; d’anciennes haciendas chargées d’histoire ; et la troublante île des Poupées, à Xochimilco, célèbre pour ses jardins flottants et nimbée de mythe et de mysticisme.
Ces lieux remarquables sont devenus la toile de fond d’un corpus qui célèbre la beauté, la résilience et la richesse de l’esprit culturel du Mexique à travers mon propre langage visuel.
Lanza : Répondiez-vous au départ aux peintures de Kahlo, à sa biographie, à sa relation avec le Mexique, ou à la mythologie qui s’est développée autour d’elle ?
Fullerton-Batten : Au départ, je répondais aux peintures de Frida Kahlo plutôt qu’à sa biographie. Je me suis inspirée de son imagerie pour créer mes propres interprétations de son œuvre. Bien que Kahlo ait insisté sur le fait qu’elle peignait sa propre réalité plutôt que des rêves, ses peintures mêlent expériences autobiographiques et éléments de réalisme, de fantastique, de mythologie et de folklore mexicain. Ces thèmes ont influencé le développement de mes propres images, notamment à travers mon usage des miroirs et des reflets pour explorer les idées d’identité et d’introspection. Cette approche fait écho à la manière dont Kahlo exprimait par son art son sentiment complexe d’identité et son expérience de la douleur physique, tout en me permettant de communiquer mes propres idées personnelles en réponse à son œuvre.
Lanza : Qu’est-ce que les représentations existantes de Kahlo avaient selon vous négligé, et à quel moment le projet est-il devenu votre interprétation plutôt qu’un hommage ?
Fullerton-Batten : J’avais le sentiment que beaucoup de représentations contemporaines de Kahlo se concentrent sur son apparence reconnaissable et son statut d’icône plutôt que sur la profondeur émotionnelle et la complexité psychologique de son œuvre. Je voulais aller au-delà de la simple recréation de ses peintures et répondre plutôt aux thèmes de l’identité, de la vulnérabilité et de l’introspection qui traversent sa pratique. Le projet est devenu ma propre interprétation lorsque j’ai introduit les miroirs et les reflets comme motif central. Plutôt que de faire directement référence à des peintures précises, j’ai adapté ces éléments pour interroger l’identité à ma manière, créant une réponse personnelle inspirée de l’exploration de l’identité chez Kahlo plutôt qu’une simple reproduction de son imagerie.
Lanza: Comment votre expérience du Mexique a-t-elle changé le concept que vous aviez développé auparavant ? Qu’espérez-vous qu’un spectateur mexicain voie, qu’un spectateur européen ne verrait peut-être pas ?
Fullerton-Batten : Avant de me rendre au Mexique, mon travail s’inspirait principalement des peintures de Frida Kahlo et des thèmes de l’identité, du symbolisme et de l’introspection que j’y trouvais. Vivre le Mexique en personne a transformé ce concept en me donnant une compréhension bien plus profonde de l’environnement culturel et architectural qui a façonné son œuvre. Les couleurs, la qualité de la lumière, les paysages et l’atmosphère ont révélé des détails que l’on ne peut éprouver à travers des photographies ou des reproductions de ses peintures.
Je voulais intégrer à mon travail certains des lieux les plus iconiques du Mexique, dont l’historique Hacienda San Antonio Ometusco, construite en 1695, la Casa Gálvez de Barragán, et Xochimilco, avec ses remarquables jardins flottants et l’« île des Poupées mortes », troublante chinampa où des centaines de poupées usées par le temps pendent aux arbres, placées par le gardien Don Julián Santana pour honorer l’esprit d’une jeune fille noyée. Ces lieux m’ont aidée à dépasser la simple réponse à l’imagerie de Kahlo, me permettant de créer un travail inspiré du paysage culturel plus large qui l’a influencée.
Frida Kahlo est une présence incontournable dans tout le Mexique et est devenue l’une des icônes culturelles les plus reconnaissables du pays. Si les spectateurs européens reconnaîtront les références à Kahlo, j’espère que les spectateurs mexicains identifieront aussi les lieux précis, les détails architecturaux, les couleurs et les références culturelles qui ont façonné mon travail. Mon intention est de présenter une perspective qui célèbre non seulement Kahlo elle-même, mais aussi l’histoire, l’atmosphère et l’identité du Mexique qui l’a inspirée.
Lanza : Lorsque vous êtes à la fois photographe et directrice artistique, comment partagez-vous votre attention entre le concept d’ensemble et l’instant photographique immédiat ? Rédigez-vous un traitement écrit, un storyboard ou une liste de plans avant la production ?
Fullerton-Batten : Lorsque je travaille à la fois comme photographe et directrice artistique, je dois trouver l’équilibre entre le récit conceptuel d’ensemble et la spontanéité de l’instant photographique. J’ai commencé par étudier en profondeur les peintures de Frida Kahlo, non pas avec l’intention de recréer son œuvre, mais pour comprendre le symbolisme et les émotions derrière son imagerie. J’ai été particulièrement attirée par les thèmes de la solitude, de la douleur physique et émotionnelle, de la résilience, de l’identité, et par sa remise en cause des idées traditionnelles de la beauté. L’art populaire, la nature et le symbolisme animal ont également joué un rôle important dans l’élaboration du langage visuel de mon propre travail.
Avant la production, j’ai élaboré une direction visuelle claire pour chaque image à travers la recherche, le repérage et la planification. Avec le soutien de ma galerie, LSGaleria, et de collaborateurs locaux, j’ai eu accès à des lieux importants, que j’ai visités à l’avance. Cela m’a permis de réfléchir à l’éclairage, à la composition, aux angles de prise de vue et à l’histoire que je voulais faire passer dans chaque cadre. À ce stade, chaque détail était soigneusement pesé, y compris le choix des accessoires, des costumes, des lieux, et la sélection du modèle qui deviendrait la muse de chaque image.
L’influence de la mode mexicaine contemporaine, en particulier la collection Dior 2024 inspirée du Mexique, m’a également inspirée. En collaboration étroite avec une costumière de cinéma à Mexico, je me suis procuré d’authentiques robes tehuanas artisanales d’Oaxaca. Ces vêtements traditionnels étaient essentiels, car ils représentent bien plus que des habits : ils reflètent l’héritage, l’identité culturelle, la force et l’individualité des qualités centrales dans l’image et l’expression artistique de Frida Kahlo.
Le casting a été une autre étape importante du processus créatif. J’ai cherché avec soin des modèles capables de saisir des éléments associés à l’apparence iconique de Kahlo, en particulier le regard intense, les traits singuliers et le sens de la présence. Après de longues recherches, j’ai trouvé trois jeunes femmes qui incarnaient les qualités que je recherchais.
Même si une grande partie du processus était soigneusement planifiée, l’instant photographique final exige encore de la réactivité. L’expression, le mouvement, la lumière et l’atmosphère dans le cadre peuvent créer des moments inattendus qui façonnent l’image finale. Ma préparation fournit la structure, mais la photographie elle-même se développe dans l’interaction entre le concept, le sujet et l’environnement.
Lanza : Vos couleurs saturées et votre palette dérivent-elles des peintures de Kahlo, de l’architecture mexicaine, de la lumière locale, ou de votre propre palette établie ?
Fullerton-Batten : J’ai toujours été attirée par les palettes riches et saturées, et c’est l’une des raisons de mon lien si fort avec l’œuvre de Frida Kahlo. La couleur de mes images est sans aucun doute influencée par ses peintures, mais elle est aussi profondément enracinée dans l’environnement, la culture et le langage visuel du Mexique lui-même.
Si l’usage de la couleur chez Kahlo a été un point de départ, j’ai découvert que le Mexique offre naturellement sa propre palette extraordinaire. Même en travaillant au flash, la lumière naturelle du jour a une intensité et une vibration particulières, presque délibérées. Les sujets que j’ai photographiés – melons, perroquets, robes tehuanas traditionnelles, textiles brodés, détails faits main – portent déjà en eux une richesse de couleur et d’histoire. Placés devant les murs peints, les détails architecturaux et le feuillage vert luxuriant du Mexique, ces éléments créent naturellement un monde chromatique intensifié et expressif.
L’amour de Kahlo pour les rouges vifs, les roses profonds et les tons floraux, qui se reflétait souvent dans les fleurs qu’elle portait dans les cheveux, résonne fortement avec ma propre attirance pour la couleur comme forme d’émotion et de narration. Mon but n’était pas de répliquer sa palette, mais de répondre au même sentiment d’assurance, d’intensité et de célébration de l’identité.
Visiter La Casa Azul, la maison de Kahlo, à plusieurs reprises a été une expérience particulièrement importante. L’usage intrépide de la couleur dans tout l’espace reflète sa personnalité : vibrante, intime, sans concession. C’est cette même relation émotionnelle à la couleur que je voulais saisir dans mon propre travail… en laissant les couleurs du Mexique, l’influence de Kahlo et ma propre perspective visuelle se rejoindre naturellement.
Lanza : Visuellement, vos photographies semblent suspendues entre biographie et rêve. Votre processus s’apparente à la réalisation d’un film en une seule image. Pourriez-vous prendre une photographie de la série et reconstituer toute son évolution — de la première note de recherche ou référence visuelle jusqu’au montage final, en passant par le casting, le lieu, les costumes, la lumière et la direction ?
Dream Catcher est né de la peinture de Frida Kahlo My Dress Hangs There (1933), une œuvre créée pendant son séjour aux États-Unis. Dans cette peinture, Frida critique ce qu’elle percevait comme la superficialité du capitalisme américain et la décadence morale de la société moderne. Songeant à son mal du pays, elle eut cette formule célèbre : « Je suis peut-être en Amérique, mais seule ma robe y est accrochée ; ma vie est au Mexique. » Cette déclaration est devenue le point de départ émotionnel de ma photographie.
Plutôt que d’illustrer directement la peinture, j’ai imaginé ce qui pourrait se passer après le retour de Frida au Mexique. Dans mon interprétation, elle n’est plus absente… elle est pleinement présente, enracinée dans sa culture et son paysage. J’ai choisi une hacienda traditionnelle comme décor, créant un espace à la fois réel et onirique. Les intérieurs anciens et coloniaux, la richesse des détails architecturaux et le charme historique évoquent le langage visuel qui définissait le monde de Frida, tout en le transformant en une scène cinématographique et contemporaine.
Le casting visait à trouver un modèle qui incarne la force tranquille de Frida plutôt qu’une simple ressemblance physique. Je voulais quelqu’un capable de transmettre la résilience, l’introspection et la dignité par le geste et l’expression. Les costumes s’inspiraient de l’iconique robe tehuana de Frida, de ses ornements floraux et de ses bijoux superposés, tout en restant dans l’ordre de l’interprétation plutôt que du déguisement. Chaque élément a été soigneusement choisi pour rester fidèle à son esprit plutôt que de devenir une reconstitution historique.
Les paons sont devenus le centre émotionnel de l’image. Frida gardait des paons à La Casa Azul, où ils en vinrent à symboliser la liberté, la résilience émotionnelle et la transcendance. Pour une femme qui endura toute sa vie la douleur physique et l’épreuve émotionnelle, l’oiseau représentait le désir de s’élever au-dessus de la souffrance et de continuer à créer. Leur plumage iridescent faisait aussi écho à sa fascination pour la couleur vive et à sa mythologie personnelle soigneusement construite. Je voulais que les paons vivants se déplacent naturellement dans la scène, devenant des compagnons silencieux plutôt que des accessoires décoratifs, renforçant le sentiment que Frida est revenue à un endroit auquel elle appartient.
La lumière a été conçue pour paraître picturale, comme si la photographie existait entre mémoire et réalité. Une douce lumière naturelle a été combinée à un éclairage artificiel soigneusement contrôlé afin de préserver les détails tout en créant profondeur et atmosphère. Plutôt que d’illuminer chaque recoin, la lumière guide l’œil du spectateur à travers la composition, révélant progressivement textures, couleurs et détails symboliques, comme on découvre une scène de film.
Diriger l’image, c’était traiter le cadre unique comme un moment de cinéma. Plutôt que de demander au modèle de jouer, j’ai encouragé l’immobilité et la contemplation, laissant les gestes subtils et la posture communiquer l’émotion. Chaque objet dans le cadre de l’architecture au placement des paons était considéré comme partie du récit, créant une photographie qui invite les spectateurs à construire leur propre histoire.
En postproduction, le travail est resté mesuré. Le but n’était pas de créer du fantastique par la manipulation numérique, mais d’affiner les couleurs, l’équilibre et l’atmosphère tout en préservant l’authenticité de la scène. Des tons riches et saturés renforcent la résonance émotionnelle sans écraser l’image, aboutissant à une photographie finale qui existe entre biographie et rêve. Dream Catcher n’est finalement pas une reconstitution de la vie de Frida Kahlo, mais le portrait imaginé de son retour émotionnel chez elle un lieu où l’identité, la mémoire et la liberté sont enfin réunies.
Azul Portrait
Dans Azul Portrait, Julia Fullerton-Batten saisit l’essence introspective de Frida Kahlo à travers un miroir usé, où le reflet devient une métaphore de l’identité fragmentée et de l’exploration de soi. La présence de fleurs fanées et de fissures dans le mur renforce l’idée du passage du temps et de la persistance du moi au-delà de la détérioration. Comme dans l’œuvre de Kahlo, le miroir ne se contente pas de montrer la réalité : il la transforme en un espace de questionnement et de réaffirmation, où le regard de défi de la figure résonne avec la force et la vulnérabilité de l’artiste.
The Affair
Kahlo était une femme sexuellement libérée qui vécut des liaisons amoureuses avec des femmes, y compris pendant son mariage avec l’artiste Diego Rivera.
Le mariage de Kahlo avec Rivera fut tumultueux, chacun multipliant les liaisons. Frida eut des liaisons avec des hommes comme avec des femmes. Rivera eut même une liaison avec Cristina, la sœur cadette de Kahlo, ce qui rendit celle-ci furieuse. Ils divorcèrent en 1939 mais se remarièrent un an plus tard. Bien que leur second mariage fût aussi tourmenté que le premier, Kahlo resta mariée à Rivera jusqu’à sa mort.
Chinampas
Vers l’an 1350, les Xochimilcas fondèrent Xochimilco et développèrent un ingénieux système d’agriculture en chinampas (jardins flottants) pour créer des îles artificielles.
Ils les aménageaient à la surface du lac pour y cultiver fleurs, légumes, herbes et autres produits. Pour circuler sur les canaux qui servaient de rues, ils utilisaient des trajineras (bateaux plats) afin de transporter leurs récoltes.
The Bed
En référence aux peintures de Frida Kahlo, la photographie représente Frida portée dans son lit par des ouvriers.
Dans l’histoire de l’art mexicain, Frida Kahlo s’est peinte alitée dans plusieurs œuvres.
One of Us
« Las dos Fridas » (1939) est l’une des œuvres les plus emblématiques de Frida Kahlo, une peinture qui représente son identité et sa dualité émotionnelle. On y voit deux versions de l’artiste assises côte à côte, reliées par leurs cœurs exposés et un mince filet de sang.
Julia Fullerton-Batten, connue pour ses réinterprétations visuelles de grandes œuvres de l’histoire de l’art, recrée Las dos Fridas dans une perspective contemporaine. Sa photographie, avec son éclairage cinématographique et sa direction artistique méticuleuse, transpose la peinture de Kahlo dans une atmosphère hyperréaliste et moderne.
Caught between Worlds
Cette image évoque un puissant sentiment de liminalité et de dualité, éléments clés de la vie et de l’œuvre de Frida Kahlo. Située dans un bâtiment en ruine, avec une fresque patinée en arrière-plan, l’image suggère une tension entre passé et présent, entre ce qui fut et ce qui demeure.
La figure centrale, vêtue d’une tenue qui rappelle l’esthétique de Kahlo, est assise dans un espace de transition : un sol brisé, des murs qui gardent les traces de leur splendeur passée, et une lumière qui éclaire sans envahir. Son regard serein, la posture rigide et la présence de fleurs sur sa tête renforcent le sentiment de nostalgie et de résistance.
Laundry at Dusk
Frida Kahlo lavant son linge, vêtue de son costume traditionnel : une image qui fusionne le quotidien avec l’art, l’identité et la résistance. Dans un acte aussi simple, Frida se relie à ses racines mexicaines, portant fièrement sa robe traditionnelle, qui n’est pas seulement un symbole de son héritage, mais aussi une affirmation de son individualité.
L’acte de laver le linge, bien qu’apparemment banal, peut être vu comme un reflet de la vulnérabilité et d’une relation intime avec le quotidien.
Marioneta
Frida Kahlo avait une fascination pour les marionnettes, qu’elle considérait comme une extension de son univers symbolique et ludique. Sa collection comprenait des marionnettes de carton et de bois, dont beaucoup représentaient des figures du folklore mexicain.
Ces petits personnages reflètent son amour du populaire et sa capacité à transformer la douleur en art, car, comme dans ses peintures, les marionnettes pouvaient raconter des histoires de souffrance, d’identité et de résistance avec un air de jeu et de magie.
Melon
Le melon, dans l’œuvre de Frida Kahlo, porte une forte charge symbolique, en particulier dans « Viva la vida » (1954), sa dernière peinture. Dans cette nature morte, Frida représente un melon coupé portant, inscrite dans sa chair, la phrase « Viva la vida », déclaration de résistance et d’amour de l’existence, malgré la douleur et la maladie.
Le choix du melon n’est pas un hasard : sa couleur vibrante et sa chair juteuse évoquent la vitalité et le caractère éphémère de la vie, en contraste avec la mort qui hantait l’artiste dans ses derniers jours.
Tehuana Dress
Pour Kahlo, la vie culturelle de l’après-révolution était tournée vers la célébration de tout ce qui est mexicain, ce qui l’a conduite à s’habiller à la manière d’une femme tehuana traditionnelle, dans le cadre de son engagement à revendiquer son héritage mexicain.
La vie de Frida Kahlo fut aussi indélébile que les couleurs des broderies qui caractérisent un huipil oaxaquénien, et c’est pourquoi elle survit à travers de multiples hommages. Elle rendait hommage à sa propre culture en portant avec fierté ce vêtement tehuana.
Amarilla portrait
Dans Amarilla Portrait, le reflet dans le miroir branlant semble défier la décadence du lieu par sa présence vibrante. Le jaune de la robe et les fleurs violettes encadrent un visage qui incarne à la fois la tradition et le renouveau, évoquant la résilience de Frida Kahlo, mais avec une identité propre. L’image suggère que la mémoire et l’art ne se contentent pas de survivre au passage du temps : ils se réinventent à chaque nouveau regard.
Texte et Interview par Patricia Lanza
