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Peter Fetterman Gallery : The Power of Photography #14

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Il s’agit du quatorzième volet de la série en ligne de la Peter Fetterman Gallery intitulée The Power of Photography mettant en évidence l’espoir, la paix et l’amour dans le monde. Nous vous invitons à apprécier et prendre le temps de la réflexion sur ces œuvres.

 

Thurston Hopkins (1913-2014)
La Dolce Vita, Knightsbridge, London, 1953

© Estate of Thurston Hopkins/Courtesy Peter Fetterman Gallery

Thurston Hopkins et sa merveilleuse épouse et collègue la photographe, Grace Robertson, étaient toujours aussi aimables chaque fois que je venais leur rendre visite dans leur cottage à Seaford, près de la côte du West Sussex. Je découvrais toujours de nouveaux joyaux dans leurs archives.

Cette photo a toujours mis un sourire sur mon visage. J’ai demandé à Thurston comment cela s’était passé et il m’a raconté l’histoire. Il était à Knightsbridge et voulait acheter des friandises spéciales pour Grace dans la célèbre salle d’épicerie de Harrods, le grand magasin chic, élégant et haut de gamme. Il ramassa les bonbons surprise et en quittant le magasin, il vit cette voiture garée avec le chauffeur et le gros caniche à l’intérieur. Comme tous les grands photographes, il était toujours préparé pour le «cadeau» inattendu que la vie vous offre parfois et il était prêt à le recevoir.

On ne peut qu’imaginer une image mentale du propriétaire du chien et duchauffeur. Je pense toujours que c’est le cliché de «Driving Miss Daisy».

 

Max Yavno (1911-1985)
Powell Street, San Francisco, 1947

© Estate of Max Yavno/Courtesy Peter Fetterman Gallery

San Francisco a toujours été une ville magique pour moi. Je peux abandonner ma voiture et marcher, encore et encore, même monter ces collines escarpées. J’ai eu l’occasion d’y aller souvent en travaillant avec de grands photographes basés là-bas comme Ruth Bernhard et Fred Lyon, mais aussi d’exposer dans de magnifiques foires d’art et de visiter des clients sophistiqués et de bon goût.

Max Yavno avait certainement une excellente technique. Mais aussi un grand œil pour la composition. Vous le voyez dans cette image, l’une de ses plus belles images et l’une des plus belles photographies jamais prises là-bas. Le sens de la précision, de la symétrie, de la forme et des motifs circule dans toute l’image. Max a commencé sa vie en tant que travailleur social et a fini par être président de la Photo League à New York avant de déménager dans l’Ouest, de sorte que son sens de l’empathie était ancré dans son art.

Il capte l’agitation de la ville et même après avoir vécu avec cette image pendant de nombreuses années, j’y remarque toujours quelque chose de frais. Elle est vraiment multicouche avec de nombreuses histoires qui s’enchaînent. Honnêtement, toute l’humanité est ici.

Comme l’a dit son bon ami et grand photographe, Aaron Siskind, à son sujet –

«Au cours d’une vie de dévouement à l’excellence, sa passion pour l’objet bien fait a déplacé l’artisanat vers l’art, transformé l’ordinaire en une présence lumineuse et ordonnée.

 

Andre Kertész (1894-1985)
Martinique, 1972

© Estate of Andre Kertész/Courtesy Peter Fetterman Gallery

André Kertész a pris cette photo obsédante à l’âge de 78 ans. Il était en vacances avec sa femme Elizabeth en Martinique.

L’homme de la chambre d’hôtel d’à côté est sorti sur le balcon commun séparé par une cloison vitrée commune. Il a pris la photo de son voisin face à la mer.

J’ai toujours interprété cette image comme un autoportrait dans un portrait, une histoire personnelle dans une histoire. Je sens André contempler sa propre vie, ses pensées sur son passé ainsi que son avenir.

C’est primordial et éternel.

Je pense que c’est l’une des images les plus émouvantes de l’histoire de la photographie et l’une des plus belles photographies de Kertész. C’est la preuve qu’un artiste vraiment grand maintient toujours l’étincelle du génie, quel que soit son âge.

 

Nat Fein (1914-2000)
The Babe Bows Out, June 13, 1948

© Estate of Nat Fein/Courtesy Peter Fetterman Gallery

Étant né à Londres, je connaissais un peu le football et le cricket, mais pas beaucoup le baseball. Nous avions l’habitude de jouer en tant qu’enfants une variante connue sous le nom de «rounders. Mais quand j’ai déménagé en Amérique, j’ai vite pris conscience de l’importance du sport de baseball, non seulement en tant que jeu, mais en tant que partie intégrante de l’éthique et de la mythologie de l’Amérique. Cela m’a fasciné depuis lors, renforcé par la merveilleuse série «Baseball» de Ken Burns sur PBS avec son utilisation brillante de la photographie.

Même moi, je connais le statut iconique du Babe et l’importance de cette photographie. C’était la première photographie sportive à remporter un prix Pulitzer.

Le 13 juin 1948 fut une journée spéciale dans l’histoire du jeu. C’était le 25e anniversaire du Yankee Stadium et le jour où Babe Ruth était honoré et son célèbre numéro 3 était mis à la retraite. Une journée spéciale pour Nat Fein aussi. C’était un membre très respecté du personnel du New York Herald Tribune. Le photographe sportif habituel s’était excusé il était malade ce matin-là. L’éditeur dit à Nat de se rendre au stade et de faire quelque chose de super pour le journal.

Babe était en mauvaise posture, après avoir lutté contre le cancer depuis plusieurs mois. L’émotion a rempli le stade. La foule a senti que ce serait probablement la dernière fois qu’ils verraient leur héros en public. Tous les photographes de presse se sont rassemblés devant lui. Le talent et l’instinct de Nat Fein lui ont dit de faire quelque chose de moins évident … alors il l’a photographié  par derrière et est entré dans l’histoire.

Babe est mort deux mois plus tard …

J’adore le baseball maintenant. J’adore l’esprit de celui-ci. C’est vraiment la vie avec toute sa beauté et sa douleur.

Et comme le Babe l’a dit lui-même: “Ne laissez jamais la peur “d’attaquer ” vous empêcher de vous lever pour être à la battre.”

 

George Tice (b. 1938)
White Castle, Route #1, Rahway, New Jersey, 1973

© George Tice/Courtesy Peter Fetterman Gallery

J’ai vu des adultes pleurer devant cette photographie.

Dans mon style de vie pré-Covid, nous exposions à plus de 6 foires d’art par an, partout dans le monde.

Particulièrement dans nos foires américaines, chaque fois que cette image était exposée, elle suscitait l’explosion la plus émotionnelle. Les gens nous racontaient comment leurs parents avaient l’habitude de les emmener pour une sortie spéciale pour manger dans un château blanc, en particulier nos clients de la côte Est. Cela semblait être l’un de leurs souvenirs d’enfance les plus vifs, comme avoir leur premier chien ou vélo.

Ce n’est donc pas seulement une belle interprétation architecturale. Tant d’histoires émanent de ces murs. Une des raisons, bien sûr, est qu’il s’agit d’un imprimé «tour de force» fabriqué à la main au 20ème siècle. George est un vrai maître dans la chambre noire. L’impression brille et est si lumineuse. Il a une immobilité et une beauté presque “triste” autant qu’un tableau d’Edward Hopper. En 1921, un jeune homme Billy Ingram de Wichita, au Kansas, a emprunté 700 $ à sa famille et a créé le premier chateau blanc. Son innovation était de produire de petits hamburgers carrés si faciles à manger qu’ils étaient surnommés «sliders» et vendus par piles. Tous pré-vegan, artisanaux «de la ferme à la table» comme on dit maintenant.

Oui, cela évoque un autre monde et une autre époque, mais cette image est un excellent exemple de la photographie comme mémoire.

 

Danny Lyon (b. 1942)
Bob Dylan Behind the SNCC Office, Greenwood, Mississippi, 1963

© Danny Lyon/Courtesy Peter Fetterman Gallery

J’ai du mal à croire que cette photographie a été prise il y a 57 ans. Elle semble aussi puissante et pertinente que si elle avait été faite hier. Bon nombre des circonstances entourant la photographie n’ont pas beaucoup changé. Il semble que les problèmes fondamentaux doivent encore être résolus.

Danny Lyon est un photojournaliste très respecté. Je pense qu’il ne se sentirait pas trop à l’aise d’être appelé un artiste, mais plutôt d’être connu comme un activiste social. Il était photographe du personnel du Comité de coordination des étudiants non violents photographiant des manifestations de droits civiques contre la ségrégation dans le sud des États-Unis.

Bob Dylan venait de donner un concert dans un champ de coton. Il a chanté “Seulement un pion dans leur jeu” à propos du meurtre du leader de la NAACP Medgar Evers. Après le concert, il se détendait sur le porche arrière du bureau du SNCC. Danny a saisi le moment.

Tant de choses à penser dans cette image, dans sa narration à plusieurs niveaux. Je me souviens des paroles de Bob Dylan,

“Un homme réussit s’il se lève le matin et se couche le soir et entre les deux, il fait ce qu’il veut faire.”

 

William Garnett (1916 – 2006)
Snow Geese in Flight with Reflection of the Sun over Buena Vista Lake, California, 1953

© Estate of William Garnett/Courtesy Peter Fetterman Gallery

William Garnett était unique en son genre. La plupart des photographes de paysages ont les pieds bien planté sur le sol, attendant patiemment le bon nuage ou la bonne vague ou la bonne lumière pour utiliser leur appareil photo. William s’envolait pour rechercher sa vision. il n’avait pas le luxe du temps. Il devait en moins d’une seconde  prendre une décision et réagir immédiatement au moindre changement de lumière et aux formes qui changeaient puisque tout changeait autour de lui. Avant lui la photographie aérienne était par nature seulement fonctionnelle et était faite uniquement pour des projets utilitaires pour cartographier et surveiller, pour des aménagements urbains où en cas de guerre la surveillance des ennemies.

Garnett a transformé la photographie aérienne en art comme personne avant ni depuis.

 

Michael Kenna (b. 1953)
Torii Gate, Study 3, Shosanbetsu, Hokkaido, Japan, 2014

© Michael Kenna/Peter Fetterman Gallery

Les photographies japonaises de Michael Kenna comptent parmi ses plus fortes. Les photographies des portes isolées de Torii en mer ont une présence très forte et obsédante, mais sont si apaisantes et surréalistes. La porte japonaise Torii marque symboliquement la transition du banal au sacré.

Kenna ne connaît pas de limites avec son sujet, mais son approche de la photographie a toujours été un processus holistique et zen de connexion au monde qui l’entoure. En utilisant le minimalisme et de longues expositions de caméra, il capture le temps qui passe dans une seule image, créant des scènes de la nature très surréalistes, obsédantes et «oniriques».

J’ai toujours eu le sentiment que l’importance durable d’un photographe est directement liée à l’influence sur d’autres photographes créée par son travail. La vision de Michael Kenna est étonnamment cohérente depuis près de cinq décennies. Non seulement son travail a influencé des milliers de photographes, mais aussi le «look» de ses photographies peut même être trouvé imité avec des filtres Instagram et des styles prédéfinis d’appareils photo numériques. Son travail a souvent été imité, mais cela ne diminue en rien l’importance durable de ses photographies. Kenna a une longueur d’avance avec sa vision unique et continue d’être l’un des photographes les plus prolifiques travaillant aujourd’hui.

Bravo Michael.

 

Fred Lyon (b. 1927)
Opening Night at the Opera, San Francisco, 1949

© Fred Lyon/Courtesy Peter Fetterman Gallery

Eugène Atget était le grand chroniqueur de Paris, Bérénice Abbott était la grande chroniqueuse de New York et Fred Lyon a bien la ville de San Francisco pour lui. Personne n’a mieux capturé cet endroit spécial avec toute sa magie et son humeur que Fred.

Aujourd’hui, c’est le 96e anniversaire de Fred et je tiens à saluer son talent spécial et ses réalisations non seulement en tant que grand photographe mais aussi en tant qu’être humain extraordinaire. Son incroyable générosité d’esprit qu’il a dégagée au cours d’une longue carrière, plus de 7 décennies, a été une source d’inspiration constante pour moi depuis notre première rencontre il y a de nombreuses années. Son œil et son cœur ont enrichi tous ceux qui ont eu la chance de l’avoir connu, dont moi, son plus grand fan.

Il habite «La ville grise et fraîche de l’amour» comme son bon ami, Herb Caen, a un jour décrit leur ville natale.

 

Colin Jones (b. 1936)
Newcastle, Banwell, Scotswood, 1963

© Colin Jones/Courtesy Peter Fetterman Gallery

Le film et la comédie musicale de «Billy Elliott» auraient pu être basés sur la vie de Colin Jones. Colin est issu d’une classe ouvrière londonienne difficile, d’un milieu turbulent et a trouvé une sorte de stabilité en étant inscrit à l’école de formation du Royal Ballet, puis invité au Royal Ballet proprement dit et a parcouru le monde en tant que danseur avec cette compagnie distinguée très respectée. Au cours de ses voyages, il a découvert la photographie et a découvert qu’il avait un talent naturel pour cela et a commencé à travailler avec le journal The Observer en tant que photojournaliste apprécié en 1962. Il était un conteur naturel et était particulièrement attiré par les histoires sur les communautés ouvrières du nord de l’Angleterre. Il savait qu’il vivait la période de changement que traversait l’Angleterre et que nombre de ces communautés ne survivraient plus à l’assaut de la modernisation.

C’est mon image préférée qui ne porte pas de jugement mais qui a un sens profond de l’humanité et un moment de joie universelle. La scène pourrait provenir d’un roman de DH Lawrence ou de George Orwell ou de tous ces merveilleux films anglais des années 60 avec lesquels ma génération a grandi, «Room at the Top», «This Sporting Life», « La solitude du coureur de fond »et« Samedi soir et Dimanche matin ».

 

Peter Fetterman Gallery
2525 Michigan Ave, #A1
Santa Monica, CA 90404

http://www.peterfetterman.com

 

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