L’esthétique du sublime mortel
Avec Vanitas: The Palermo Portraits (Les Portraits de Palerme), Matthew Rolston s’aventure là où peu de photographes contemporains osent s’aventurer : sur le seuil entre les vivants et les morts, dans cet espace ambigu où convergent beauté, décomposition et mémoire. Après avoir passé des décennies à façonner les images des icônes de la culture populaire, Rolston renverse sa propre grammaire visuelle pour aborder son exact contraire : la disparition.
Les sujets, momifiés dans les catacombes des Capucins à Palerme, sont photographiés avec le même soin qu’une star de cinéma : éclairage dramatique, cadrage frontal, tirages monumentaux. Ce décalage volontaire produit une dissonance fascinante. Là où le glamour promet l’éternité de la chair, Rolston confronte le spectateur à l’inévitable défaite du corps. La lumière qui, jadis, glorifiait le vivant, devient ici un scalpel métaphysique : elle révèle, elle découpe, elle questionne.
Ce travail, d’une précision technique presque liturgique, s’inscrit dans la lignée des Vanités baroques, mais il en déplace radicalement le registre. Ce ne sont plus des symboles peints crânes, sabliers, fleurs fanées — mais des visages réels, incarnations tangibles du passage du temps. L’artiste, par la photographie, restitue à ces figures une dignité perdue. Le dispositif n’est pas tant documentaire qu’existentiel : Rolston ne montre pas la mort, il la met en scène, la théâtralise pour mieux l’interroger.
L’esthétique hypercontrôlée de la série triple exposition, chromatisme expressionniste, textures presque picturales pourrait sembler incompatible avec un sujet aussi brut. Mais c’est précisément cette tension qui fait la force du projet : entre la distance du styliste et l’intensité du mystique. Rolston se tient sur une ligne de crête, risquant à chaque image le basculement dans le spectaculaire. Il ne tombe jamais. Sa photographie ne célèbre pas la mort ; elle la regarde droit dans les yeux, avec une lucidité d’artiste et une compassion d’homme.
Dans Vanitas, la beauté n’est plus une promesse, elle devient une question : que reste-t-il de l’image quand le corps s’efface ? La série répond avec une justesse troublante : il reste la lumière, le regard, le temps suspendu. En cela, Rolston dépasse son propre héritage de portraitiste pour atteindre une dimension véritablement philosophique.
À l’heure où l’imagerie contemporaine multiplie les simulacres de perfection, Vanitas agit comme une contre-image. Une méditation visuelle sur l’impermanence, sur la théâtralité du corps, sur la vanité de toute représentation. Un travail à la fois somptueux et dérangeant, où la mort, loin d’être une fin, se révèle l’ultime métamorphose du portrait.
Qu’est-ce qui vous a conduit aux Catacombes des Capucins de Palerme, et qu’avez-vous ressenti lors de votre première rencontre avec ces corps préservés ?
Matthew Rolston : Mon voyage aux Catacombes des Capucins a été motivé par le désir de confronter et de saisir le rapport humain à la mort, source de tension dans la culture occidentale une réaction aux années passées à m’immerger dans la beauté intemporelle et le déni inhérent à la mort, inhérents à mon imagerie glamour hollywoodienne. Je suis arrivé à Palerme, en Sicile, après une odyssée de plusieurs mois pour un sujet à la hauteur de la thématique de cette entreprise.
Je me suis d’abord aventuré en République tchèque, pour voir l’ossuaire de Sedlec une chapelle décorée avec une splendeur macabre grâce aux restes de plus de 40 000 squelettes. Bien que le spectacle est morbide, j’ai trouvé l’« Église des Os » (comme on l’appelle aussi) trop architecturale et impersonnelle, l’humanité perdue dans leur déconstruction.
Interior detail, Sedlec Ossuary, Kutná Hora, Czechia
Cela m’a conduit à rechercher un autre sujet : les célèbres « Squelettes ornés de bijoux » d’Europe centrale, vestiges richement décorés de ce qui avait été prétendument chrétien, envoyés aux églises de toute l’Europe par le Vatican en réaction à la Réforme. Mais ces squelettes magnifiquement décorés, enfermés derrière des cercueils de verre dans des zones inaccessibles des cathédrales et églises, étaient pratiquement impossibles à éclairer comme je l’avais prévu.
Paul Koudonaris, St. Munditia, in the church of St. Peter, Munich, Germany, 2013. From Heavenly Bodies. © PaulKoudonaris
J’ai enfin trouvé ce que je cherchais dans les catacombes de l’église Santa Maria della Pace de Palerme, en Sicile. L’occasion de regarder la mort en face, de scruter les orbites creusées des momies capucines : des membres importants du clergé et de l’élite palermitaine, enfermés dans la crypte depuis près de quatre siècles.
Eugen Poppel, Catacombs of the Capuchins, Palermo, Sicily, Italy, 1927
J’ai découvert les catacombes capucines grâce à une série d’aquarelles quelque peu obscures d’Otto Dix, réalisées là au début des années 1920. En les voyant de mes propres yeux, je les ai découvert, avec leur garde-robe délabrée mais toujours aussi élaborée (certaines ayant été amoureusement remises aux dernières modes par des proches attentionnés des années après leur inhumation), une imitation macabre de la vie ; le parfait réceptacle de mes idées.
Otto Dix, From the Catacombs in Palermo I, 1924
Dans leurs expressions déformées (qui peuvent être interprétées comme de l’émotion, mais sont en réalité le résultat de la gravité et de la décomposition), j’ai eu l’impression de percevoir une personnalité, et peut-être même de la souffrance, de la douleur et de l’angoisse. Je savais que c’était notre impulsion innée, à nous, les vivants, de nous projeter sur des simulacres humains (c’est-à-dire des représentations d’êtres humains ou de choses perçues comme telles). Cet effet est un élément conceptuel important de ce projet. Néanmoins, j’ai été profondément ému par ces figures. Elles constituent des rappels choquants et grotesques de notre vie éphémère sur cette terre. J’ai dû réprimer mes sanglots. Et j’ai su, à cet instant, que j’avais trouvé mon sujet.
Matthew Rolston, Untitled (Crying), Palermo, 2013 From the series Vanitas_ The Palermo Portraits © Matthew Rolston. All rights reserved. Courtesy Fahey Klein Gallery, Los Angeles
Avez-vous conçu ce projet artistique dès le départ, ou l’inspiration est-elle venue plus tard, face à ces figures ?
Matthew Rolston : Commun à tous mes projets artistiques, Vanitas s’inspire d’une dialectique simple appelée « l’unité des contraires » : l’idée que les contradictions sont interconnectées et se définissent mutuellement (par exemple, la lumière ne peut exister sans l’obscurité, et vice versa). Cette inspiration, combinée à une réflexion personnelle sur les questions de sens et d’existence, a été l’étincelle qui a finalement donné naissance à la série Vanitas.
Les portraits hollywoodien de grand standing, qui avaient nourri ma pratique photographique antérieure et à laquelle j’avais consacré une grande partie de ma carrière, exaltent la jeunesse et la beauté, et nient ouvertement la mort et le déclin. Après avoir pris conscience de cela il y a quelques années, je me suis senti de plus en plus attiré par l’opposé de cette dichotomie. Parallèlement, j’ai commencé à lutter contre mon anxiété et ma conscience du vieillissement et de la mortalité.
Contrairement aux personnalités du spectacle et aux mannequins que j’avais passé des années à immortaliser dans toute leur perfection impossible, les momies capucines étaient la preuve inébranlable de la déchéance et des imperfections humaines. Photographier mes sujets morbides et pétrifiés avec le même niveau de beauté et d’élégance stylisée que j’appliquais habituellement aux vivants m’a poussé à explorer les multiples facettes de ces contradictions. L’éclairage était en lui-même conceptuel, une élévation du grotesque à la magnificence. L’espoir était que cette approche extrêmement théâtrale crée une sorte de « dissonance cognitive » dans l’esprit du spectateur. Dans les bonnes conditions, la dissonance cognitive peut susciter un engagement puissant.
Vincent J. Musi, Untitled, Palermo 2008
Donc, pour répondre directement à votre question, les momies capucines n’étaient pas l’inspiration, mais elles étaient la pièce finale du puzzle pour donner vie à Vanitas (ironiquement).
Comment avez-vous trouvé l’équilibre entre observation anthropologique, curiosité esthétique et responsabilité éthique ?
Matthew Rolston : Je ne suis pas documentariste. La série Vanitas, bien que photographiée avec une haute résolution, d’une précision quasi-légale, se veut un document expressif. Il y a très peu de vérité objective dans la culture humaine, et certainement pas dans une photographie. Je recherche plutôt une vérité expressive. C’est autant le choix du sujet que la manière dont il est représenté qui forgent mon commentaire personnel.
Concernant la question de la responsabilité éthique, il convient de préciser que les momies de Palerme ont été mises à ma disposition avec l’autorisation expresse des Frati Cappuccini (c’est-à-dire les frères de l’Ordre des Capucins de Palerme) pour des raisons artistiques et historiques. Par souci de discrétion, les Frati ont insisté pour que je ne révèle pas le nom des figures photographiées (NB : dans certains cas, elles ne disposent pas de pièces d’identité).
De plus, j’ai fait un don important à l’Église afin d’y avoir accès. Il est intéressant de noter que ce don, si je comprends bien, n’était pas destiné à préserver les momies ou la crypte, mais à servir la mission première de l’Ordre : nourrir, vêtir et apporter une assistance médicale aux membres les plus démunis de leur communauté.
Je perçois une forte influence de Bacon dans cette œuvre. De plus, vos portraits évoquent à la fois la peinture classique et l’expressionnisme moderne. À quelles lignées artistiques ou picturales vous rattachez-vous consciemment ?
Matthew Rolston : Je qualifierais mon approche artistique et photographique de la série Vanitas de « néo-expressionniste » : mon objectif avec ces portraits n’était pas de documenter, mais plutôt de créer une réflexion riche en émotions sur l’angoisse de la fugacité humaine et une interrogation sur la vérité ultime de la mort.
En photographiant les corps tordus et en décomposition des momies capucines inévitablement, grotesquement banales dans leur mortalité hautement théâtrale, j’ai cherché à trouver un sens plus profond dans la dissonance entre le style et le sujet, ainsi que dans toutes les contradictions qu’elles contenaient : la vie et la mort, l’éternité et la fugacité, le terrestre et le divin.
Je me suis inspiré formellement de la série « Cigarettes » du photographe Irving Penn des années 1970 (et de ses autres explorations de la mise en valeur des détritus de rue), où l’élégance de son œil sophistiqué s’appliquait à capturer les déchets. Les portraits ultérieurs du photographe Richard Avedon, notamment les images brutes et impassibles de son père mourant, Jacob Avedon, ont également été pour moi une influence particulière, car ils illustrent comment la décadence et le déni de la mort sont ancrés dans la conscience humaine, en particulier dans la culture occidentale.
Richard Avedon, Jacob Israel Avedon, Sarasota, Florida, 1971
Bien au-delà de la tradition photographique, pour ce projet, je me suis principalement inspiré du langage visuel de la peinture. Je me suis notamment inspiré de la figuration viscérale des expressionnistes viennois et allemands Egon Schiele et Otto Dix, ainsi que du peintre belge pré-expressionniste James Ensor. Je me suis également inspiré de ce que j’appelle les peintres « néo-expressionnistes » du milieu du XXe siècle, dits « École de Londres », notamment des peintres Lucian Freud et comme vous l’avez judicieusement observé Francis Bacon.
Egon Schiele, Self-Portrait with Arm Twisted above Head, 1910
Otto Dix, Old Couple, 1923
James Ensor, Man of Sorrows, 1891
Lucian Freud, Leigh Bowery, 1991
Francis Bacon, Figure with Meat, 1954
De plus, le nom de cette série, Vanitas, est une référence historique à un genre de nature morte hollandaise du XVIIe siècle associé au memento mori – des œuvres symbolisant la vanité et la futilité des désirs terrestres face à la certitude de la mort. Du latin, memento mori qui signifie « souviens-toi que tu dois mourir ». J’ai senti que cela résumait mes intentions artistiques : faire face plutôt qu’éviter, comme dans la tradition de l’imagerie glamour hollywoodienne occidentale à l’angoisse et l’inéluctabilité de la mort.
Pourquoi avoir choisi des couleurs aussi saturées et dramatiques, parfois éloignées de la matérialité brute des corps ?
Matthew Rolston : J’ai cherché à créer une collision visuelle et thématique entre le beau et l’épouvantable – et par extension, le profane et le divin, la vie et la mort, etc, afin d’inviter le spectateur à puiser du sens dans l’observation de l’ironie picturale.
J’ai abordé les momies capucines avec la même attention stylisée que j’accorderais à un sujet vivant. J’ai utilisé une technique d’éclairage que j’appelle « expressionniste », combinant trois longueurs d’onde distinctes pour créer un effet pictural. Le résultat était un spectre de tons bleus, de verts maladifs, de violets profonds et de magentas sombres une palette évoquant des ecchymoses, suggérant une pulsation de vie sous la surface de la décomposition.
Matthew Rolston, Untitled (Rainbow), Palermo, 2013
Au-delà de la pertinence dévotionnelle de la couleur pour l’iconographie catholique, la lueur cyan-blush projetée par mon éclairage sur les murs craquelés recouverts de chaux de la crypte a également été inspirée par le halo d’un néon derrière une statue de la Vierge Marie dans une chapelle troglodyte le sanctuaire de Santa Rosalia (la sainte patronne de Palerme) sur le Monte Pellegrino, un autre site sacré associé à la mort et au souvenir.
Berthold Werner, Interior, Sanctuary of Santa Rosalia, Palermo, Sicily, 2012
En combinant ces deux éléments, l’immersion de mes sujets sans vie dans un éclairage saturé et théâtral leur conférant une beauté stylisée a servi à renforcer visuellement les dichotomies que j’avais entrepris d’explorer.
Vos tirages sont conçus comme des pièces uniques, allant à l’encontre de la reproductibilité de la photographie : pourquoi ce choix radical ?
Matthew Rolston : Mon approche de la présentation de cette série s’écarte volontairement de la tradition photographique.
Traiter ces œuvres comme uniques – en faire des pièces singulières, à l’image des peintures, plutôt que reproductibles selon le mode de présentation habituel des photographies s’inscrit dans la continuité de ma stratégie formelle et de mes influences.
Ce style de présentation me permet d’approfondir les thèmes de la série. L’être humain tente de gérer sa terreur face à la mort et à l’insignifiance banale d’une vie éphémère en cherchant du sens à travers la culture symbolique et souvent la création d’objets d’art.
En créant ces images, je participais et offrais un contrepoids à cette pulsion humaine particulière, que l’anthropologue culturel Ernest Becker qualifiait de « projet d’immortalité » : une tentative de nier la mort en s’attribuant une permanence et un sens au-delà de la chair.
Mais agir ainsi, comme l’a observé Becker, est une entreprise intrinsèquement vaine ; c’est la vanité ultime le désir de tromper la mort : une impossibilité. C’est aussi un acte fondamentalement humain, accompli en raison et au mépris de notre angoisse collective de la mort, un acte auquel je participe assurément. Les artistes créent des objets pour survivre après leur mort. N’est-ce pas là un désir de tromper la mort ? Je suis donc aussi coupable que les autres représentants de la culture occidentale et de son déni coutumier de la mort.
Comme mes portraits de ces momies, suspendus à jamais dans une imitation macabre d’un geste réaliste, tentent de le montrer, ni le symbolisme ni la création d’objets d’art ne peuvent arrêter la mort. Il n’y a pas d’immortalité, seulement l’éternité. De même, nier à mes images elles-mêmes une forme d’immortalité par la reproduction renforce l’idée futile de rechercher la permanence symbolique nier la mort à travers des objets matériels.
Enfin, ce style de présentation et l’œuvre elle-même sont ce qui me rapproche le plus, en tant que photographe, de la création d’une peinture par la lumière.
Quel rôle joue le cadre doré dans la perception de l’œuvre : simple ornement ou partie intégrante du discours ?
Matthew Rolston : J’ai choisi de présenter les Vanités monumentales, aux couleurs riches, encadrées de feuilles d’or patinées, évoquant et rendant hommage aux peintures de Francis Bacon. Le cadre doré lui-même agit comme une sorte d’« arc de scène », accentuant le caractère hautement théâtral du style photographique.
Matthew Rolston, Triptych in the Style of an Altarpiece, Palermo, 2013. Installation view, ArtCenter College of Design, Mullin Transportation Design Center, Pasadena, California, 2025
Comment vos photographies transforment-elles ces reliques mortuaires en icônes contemporaines ?
Matthew Rolston : Comme évoqué précédemment, l’être humain entretient une relation complexe avec la terreur existentielle. La théorie de la gestion de la terreur propose qu’un conflit psychologique fondamental résulte d’un instinct de conservation, associé à la conscience que la mort est inévitable et, dans une certaine mesure, imprévisible.
Dans la culture occidentale, ce conflit peut engendrer des sentiments extrêmement inconfortables, que nous tentons de gérer par l’évasion, le déni et des croyances culturelles contraires à la réalité biologique. L’imagerie glamour hollywoodienne est particulièrement suspecte, et c’est ce point qui a constitué l’objet principal de cet exercice.
Au-delà de la culture glamour hollywoodienne, les exemples les plus évidents de valeurs culturelles apaisant l’angoisse de la mort sont celles qui prétendent offrir une immortalité littérale (par exemple, la croyance en l’au-delà à travers les religions et les philosophies).
Conceptuellement, la série Vanitas explore la manière dont nous projetons notre force vitale dans des simulacres humains. Ce phénomène est commun aux représentations religieuses figuratives, au culte des idoles et à l’imagerie glamour hollywoodienne.
La série s’attache également à aborder les récits entremêlés de l’existence humaine, la dichotomie entre la beauté et le grotesque, et le pouvoir de l’art de se connecter à l’au-delà.
Pensez-vous que cette œuvre confronte davantage le spectateur à la mort… ou à la beauté de la vie ?
Matthew Rolston : Ce projet est à la fois une confrontation avec la mort et un rappel de la beauté de la vie. La série Vanitas tente de souligner la futilité et la vacuité de notre obsession pour la matière. Les objets matériels finissent par disparaître. Être obsédé par les biens matériels, les ornements superflus, la quête du statut social et de la richesse excessive, c’est être obsédé par ce vide. On dit : « On ne peut pas l’emporter avec soi. » Mais que peut-on emporter de ce monde terrestre ? Son âme, si tant est qu’elle existe.
Calcedonio Reina, Love and Death, 1881
Debout comme s’ils étaient déjà ressuscités, certains vêtus des vestiges décrépits de leurs richesses terrestres, et se croyant les premiers à ressusciter au Jour du Jugement, les moines, chefs religieux, aristocrates et personnes fortunées qui bordent la crypte des Capucins demeurent, pour moi, des vestiges troublants des visions romantiques de l’immortalité de l’humanité.
Les portraits de Vanité tentent de dépeindre l’obstination de l’humanité à toucher l’éternel et ainsi à atteindre cette immortalité, façonnés ici littéralement comme des portraits d’os, de soie et de coton en décomposition, s’accrochant à l’existence malgré un esprit depuis longtemps disparu.
Aujourd’hui, laissées à l’abandon, réduites en lambeaux de leur gloire passée, ces momies restent à la fois tordues et éternellement posées, à mes yeux aussi maniérées que les aquarelles de chair torturée de Schiele.
Egon Schiele, Fighter, 1913
Avez-vous cherché à recréer une forme de rituel ou de spiritualité dans la mise en scène de ces portraits ?
Matthew Rolston : Mon processus créatif, qu’il s’agisse de mes œuvres commerciales ou artistiques, est en soi une forme de rituel. La recherche et l’idéation, puis le choix des sujets et les décisions formelles de mise en scène, incluant la couleur, l’éclairage, l’objectif et les angles, sont autant de rites artistiques soigneusement étudiés.
Il est donc logique que mon processus ritualisé soit appliqué à une forme de négociation avec ce que l’on pourrait appeler des questions spirituelles, ou du moins existentielles, et des allusions à l’iconographie religieuse.
Mon objectif principal pour ce projet examiner et confronter la manière dont les humains affrontent et tentent de nier l’angoisse de la mort, souvent à travers la culture symbolique m’a naturellement attiré vers les sites religieux et l’iconographie, car la religion est le moyen le plus omniprésent par lequel l’homme gère sa peur de la mortalité et de l’inconnu. Il n’est donc pas surprenant que ma quête du sujet parfait m’ait conduit à visiter de nombreux sites religieux, et finalement les catacombes des Capucins de Palerme. C’est là que j’ai trouvé et choisi étape clé de mon rituel photographique le sujet qui m’a le plus ému et touché.
Le décor et le sujet ont influencé nombre de mes choix formels de mise en scène. Dans la crypte de l’église Santa Maria della Pace, entouré des dépouilles mortelles des fidèles, j’ai réfléchi à la manière de trouver beauté et sens dans un sujet aussi atypique. Les allusions religieuses se prêtaient naturellement à mon approche. Pour le choix des couleurs, comme mentionné précédemment, j’ai opté pour des teintes aussi vives et évocatrices que celles d’un vitrail. Mon choix de tons bleus dominants – en particulier une nuance appelée « bleu marial », qui revêt une signification particulière dans le dogme et l’affichage catholiques traditionnels visait à imprégner les images d’une qualité évoquant à la fois la mélancolie et la transcendance. Pour moi, c’est une beauté exquise, mais qui a perturbé de nombreux spectateurs.
Palais de la Cité, Sainte-Chapelle, upper level interior, Paris, France
Ces personnages ne peuvent évidemment pas bouger, mais par des choix d’éclairage, d’objectif et d’angle de prise de vue, j’ai tenté de créer l’illusion du geste et du mouvement. Mon choix de cette mise en scène photographique quelque peu théâtrale, et les photographies qui en résultent, ont peut-être offert à ces personnages une forme de résurrection différente de celle qu’ils étaient censés recevoir à l’origine.
Pourquoi avoir opté pour une « mostra diffusa » répartie sur quatre lieux à Los Angeles, plutôt qu’une exposition monolithique ?
Matthew Rolston : J’ai choisi d’exposer Vanitas sur quatre lieux pour plusieurs raisons. Tout d’abord, c’était un choix artistique : ces images sont de grande taille, très dramatiques (pour ne pas dire théâtrales) et, pour certains spectateurs, plutôt interpellantes, voire dérangeantes. Personnellement, je n’aimerais pas voir dix de ces images dans une seule salle. C’est tout simplement trop. Il est préférable de les voir avec parcimonie. C’est aussi un clin d’œil aux traditions de l’histoire de l’art où les œuvres singulières étaient présentées de manière isolée.
C’est pourquoi nous avons décidé d’adopter une approche multi-lieux, ce que l’on appelle en italien « mostra diffusa ». Le lieu d’ouverture de notre programme d’exposition de plusieurs semaines, l’ArtCenter College of Design de Pasadena, en Californie, est le plus ambitieux : une installation murale d’un triptyque.
En plus d’être mon alma mater, ArtCenter jouit d’une forte présence au sein de la communauté artistique de Los Angeles et possède plusieurs galeries sur le campus. Cette exposition est organisée par Julie Joyce, directrice des expositions du collège.
Comment pensez-vous que la perception du projet variera selon le contexte de chaque lieu (galerie, école d’art, musée, galerie Leica) ?
Matthew Rolston : J’ai conçu l’approche « mostra diffusa » pour exposer Vanitas afin d’offrir une gamme d’expériences perceptuelles à des spectateurs aussi divers que les lieux eux-mêmes.
L’ArtCenter College of Design présente un triptyque de l’œuvre Vanitas, une installation murale dans un espace de son « Mullin Transportation Design Center », l’Oculus. Cet espace voûté spectaculaire est situé dans une ancienne soufflerie. Le mur d’exposition, haut de cinq mètres, est incurvé, rappelant la qualité des espaces d’exposition du musée Guggenheim de New York. Sa surface peinte en noir, métaphore de l’obscurité de l’inconnu, est une métaphore de l’obscurité de l’inconnu. Le triptyque est composé de deux images d’enfants momifiés flanquant une image d’un adulte âgé. Accrochées ensemble à la manière d’un retable, j’ai conçu cette présentation comme une collision visuelle et symbolique entre le sacré et le banal, la jeunesse et la vieillesse, la beauté et le grotesque. Ce lieu permet à l’œuvre d’être vue dans un cadre institutionnel.
Matthew Rolston, Triptych in the Style of an Altarpiece, Palermo, 2013. Installation view, ArtCenter College of Design, Mullin Transportation Design Center, Pasadena, California, 2025
Fahey/Klein Gallery, l’un des espaces d’exposition photographique les plus anciens de Los Angeles et ma galerie d’accueil depuis mes débuts, propose une présentation plus complète : quatre autres œuvres individuelles, chacune offrant une expérience singulière, isolée sur un pan de mur. Cette présentation inclut l’image de couverture de la monographie sous forme de tirage d’art grand format. Fahey/Klein est un lieu familier pour les collectionneurs de photographie avertis et est considérée par beaucoup comme la galerie de référence du genre à Los Angeles.
Matthew Rolston’s Vanitas, The Palermo Portraits, exhibition. Installation rendering, Fahey_Klein Gallery, Los Angeles, 2025
Enfin, deux tirages supplémentaires sont exposés séparément : l’un lors de l’inauguration du nouveau musée de la Daido Moriyama Photo Foundation à Los Angeles, et l’autre à la galerie Leica, également à Los Angeles.
L’« Espace Daido Star » de la Fondation photo Daido Moriyama est le plus intime des deux petits espaces, accessible uniquement sur rendez-vous. L’exposition a débuté par un lancement privé du livre et une séance de dédicaces, présentés par l’éditeur Chris Pichler de la maison d’édition de photographie d’art Nazraeli Press, et animés par le célèbre libraire de Los Angeles Lee Kaplan d’Arcana Books on the Arts. Cette présentation thématique fait écho à la volonté de la fondation de présenter les œuvres d’autres artistes photographes en dialogue avec l’esthétique de son fondateur, le photographe Daido Moriyama.
Matthew Rolston’s Vanitas, The Palermo Portraits, exhibition. Installation view, Daido Moriyama Museum _ Daido Star Space, Los Angeles, 2025
Notre dernier lieu, la galerie Leica de Los Angeles, dirigée par Paris Chong, conservatrice et directrice de la galerie, a été choisi pour sa photographie de célébration et l’accès à des expositions captivantes. Premier du genre pour Leica Camera, cet espace sert principalement de lieu de rencontre pour les photographes et les fidèles de Leica, offrant ainsi aux passionnés de photographie d’art et aux photographes de Los Angeles des occasions d’échanger. Ce lieu a également été choisi pour son ancrage dans les traditions techniques et matérielles de la photographie ; il a été le théâtre d’une conférence avec l’artiste et d’une séance de dédicaces mettant en lumière les aspects picturaux et artisanaux du projet Vanitas.
Webpage announcement, Matthew Rolston’s Vanitas, The Palermo Portraits, artist talk. Leica Gallery, Los Angeles, October 2025
Quelle place accordez-vous à la médiation avec le public : souhaitez-vous provoquer un choc, une méditation ou une reconnaissance intime ?
Matthew Rolston : La mortalité est la condition humaine la plus universelle et la plus intime. La naissance, la vie et la mort sont des expériences que nous vivons tous, avec le grand mystère de ce qui vient après, qui a nourri l’imagination d’innombrables générations, créant des mythologies, des philosophies et des religions élaborées pour nous protéger de la peur de l’inconnu.
Aucun artiste ne sait jamais comment le public réagira à ses œuvres. Vanitas cherche à susciter le questionnement, à susciter une méditation spirituelle partagée et à inviter à une reconnaissance intime et personnelle. C’est un reflet de notre expérience commune, l’objectif étant de démontrer de manière spectaculaire que nous sommes plus semblables que différents. Nous allons tous au même endroit, mais aucun de nous ne sait vraiment où cela se trouve.
Vincent Laurensz van der Vinne the Elder, A Vanitas Still Life with a Skull, Crown, Scepter, Flute, Bellows, Hourglass, Carnations in a Glass Vase, Scroll, Book and an Engraved Portrait of Charles I, c. 17th century
Le genre de natures mortes memento mori, qui a donné son nom à la série Vanitas, semble à première vue annoncer la mort. Les œuvres qualifiées de « vanités » utilisent une imagerie symbolique pour inviter à la contemplation – et peut-être à la réconciliation – de la vie et de la mort. À nos yeux modernes, les représentations de crânes, de fleurs fanées et de richesses matérielles du genre hollandais peuvent paraître aléatoires, mais ces objets sont profondément chargés de sens. Chaque objet symbolise la fugacité des plaisirs terrestres – la fragilité et l’éphémère de la vie. Dans le contexte d’une « vanité », méditer sur la mortalité est un exercice de croissance spirituelle : vivre une vie plus digne.
Mon intention avec la série Vanitas n’était pas différente. Pour comprendre notre monde et ses nombreux conflits, les êtres humains se divisent au sein de systèmes de croyances spirituelles distincts, aux frontières parfois très contestées. Vanitas cherche à transcender ces frontières conflictuelles, celles qui peuvent limiter notre perception du monde, de la relation entre les vivants et les morts, et de la subjectivité de notre rapport au temps.
Vanitas tente de démontrer que l’expérience humaine s’inscrit dans une continuité longue, fragile mais miraculeuse, sans frontières et unifiée. Ce faisant, l’objectif est d’inviter le spectateur à questionner et à remettre en question les conceptions occidentales de la vie, de la mort et d’un au-delà imaginaire.
Le livre est publié en édition limitée et luxueuse, presque comme un reliquaire. Le considérez-vous comme un prolongement des expositions ou comme une œuvre à part entière ?
Matthew Rolston : Les images de Vanitas sont destinées à être vues à l’échelle de tableaux de grande taille. De toute évidence, très peu de personnes auront l’occasion de voir les dix œuvres sélectionnées pour être présentées sous cette forme, d’autant plus que les tirages exposés sont uniques.
Vanitas The Palermo Portraits by Matthew Rolston, Nazraeli Press, 2025. Monograph, front cover
La monographie surdimensionnée, présentée par Nazraeli Press, remplit une fonction différente, mais connexe. Contrairement à l’exposition, le livre présente les œuvres sous la forme d’une série étendue de cinquante images, dont les dix sélectionnées pour l’exposition.
L’ouvrage contient divers essais et textes, dont mon propre journal intime, rédigé lors de la création de la série ; une introduction de Philip Gefter, critique de photographie et auteur reconnu du New York Times ; une préface extraite de l’ouvrage fondateur de l’anthropologue culturel Ernest Becker, The Denial of Death, paru en 1973 ; ainsi que ma propre postface. Outre les images de la série, l’ouvrage inclut un ensemble de photographies et d’œuvres d’art de référence qui replacent Vanitas dans un contexte historique de l’art.
En recevant le Lifetime Achievement Award, comment percevez-vous le fait que ce projet, ancré dans la mort, soit célébré comme une étape majeure de votre vie d’artiste ?
Matthew Rolston : En tant qu’artiste et personne plus proche de la fin de ma carrière que de son commencement, il me semble pertinent de présenter un projet qui médite sur la mortalité à un moment où je suis reconnu par mon alma mater, l’ArtCenter College of Design, et célébré pour l’étendue de ma carrière photographique – du glamour hollywoodien à l’exploration de diverses théories de l’art dans mes projets artistiques en cours.
Vanitas est sans conteste mon projet le plus élaboré et le plus personnel à ce jour. Après plus de dix ans de travail, il s’agit d’une sorte de projet final, un corpus d’œuvres culminant qui tente de démontrer les connaissances, les compétences et la vision créative que j’ai développées au cours de ma carrière. Vanitas est l’occasion de questionner mes valeurs et celles de la société, d’explorer en profondeur un thème profondément personnel et de le présenter comme une œuvre cohérente. Au-delà des photographies, l’expérience vécue de la création du projet Vanitas a été pour moi plus importante que le résultat final ou la réception de ces photographies par le public.
Cela dit, il est important de se rappeler que la création d’une œuvre d’art en tant qu’objet (dans ce cas, une série de tirages uniques à grande échelle et une monographie surdimensionnée) est la vanité d’un artiste, reconnaissant que la vie des objets est beaucoup plus longue et variée que celle de leurs créateurs.
Entretien avec Matthew Rolston par Carole Schmitz
PROJECT WEBSITE: https://www.vanitasproject.com
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