À l’approche du mois de mai, tous les regards se tournent vers Toronto qui, pendant un mois, sera le rendez-vous mondial de la photographie. À l’occasion du Scotiabank CONTACT Photography Festival, nous nous sommes entretenus avec son directeur général, Darcy Killeen.
La 27e édition du festival de photographie CONTACT de la Banque Scotia débute le 28 avril et se poursuit jusqu’au 31 mai. Au cours de toutes ces années, quelles sont les évolutions majeures rencontrées par le festival ?
C’est notre 27e édition et le festival continue de grandir et de prendre une ampleur considérable, avec plus de 180 expositions qui ouvrent simultanément dans tous les grands musées, galeries, centres d’artistes autogérés et espaces extérieurs et publics. Nous exposons les œuvres de plus de 450 artistes et notre objectif, constant d’une année à l’autre, est de soutenir les artistes, d’accompagner leur carrière, de leur offrir une plateforme et de les soutenir de toutes les manières possibles. Une autre de nos priorités est de mettre en avant les artistes marginalisés. Ce qui forme une constante du festival et qui nous rend réellement uniques c’est que nous réunissons les plus grands noms de la photographie, que ce soit Wolfgang Tillmans ou l’artiste canadienne Lynne Cohen, comme de nombreuses personnes qui exposent pour la première fois. Bon nombre de promotions d’étudiants en photographie des collèges et universités de la région de Toronto exposent ; des photographes amateurs, émergents et établis exposent, et nous les réunissons tous pour cette grande célébration de la photographie. Avec plus de 180 réceptions d’ouverture, ils peuvent souvent rencontrer leurs collègues artistes et les conservateurs, et ils ont également de nombreuses occasions de participer à notre gamme de programmes publics gratuits et d’offres éducatives, qu’il s’agisse d’un exposé d’artiste, d’une conférence, d’une projection, d’un atelier ou d’un autre programme unique.
Vos programmes sont ouverts et couvrent toute la ville avec des centaines d’expositions dans des galeries, des musées et des espaces publics.
CONTACT est tout à fait unique – si nous avons construit ce vaste réseau d’artistes et de conservateurs, c’est parce que nous sommes une organisation populaire, fondée il y a 27 ans dans le but de soutenir la photographie de manière démocratique, en s’associant à un grand nombre de partenaires institutionnels et communautaires incroyables pour faire du festival ce qu’il est. Le festival est structuré comme suit : Le programme principal d’expositions et d’installations en plein air présente des artistes nord-américains et internationaux reconnus, présentés par des musées, des galeries et des centres d’artistes autogérés. Les expositions ouvertes d’artistes émergents comme établis sont le fruit d’un appel public à candidatures et sont présentées dans des galeries, des cafés, des vitrines de magasins et des lieux alternatifs dans toute la ville.
Le festival compte 6 employés, et nous avons des commissaires dans l’organisation. Nous produisons chaque année des expositions à la galerie CONTACT, ainsi qu’un programme d’installations extérieures dans le cadre du festival. Cette année, nous présentons une exposition solo et deux installations extérieures de l’artiste Maggie Groat, sous la direction de Tara Smith, notre directrice générale. Les projets Core Outdoor de CONTACT sont historiquement organisés en interne, mais cette année, nous avons également invité un certain nombre de conservateurs à programmer des artistes locaux et internationaux engagés dans des dialogues critiques, le festival de cette année présentant 21 installations uniques à travers la ville. Nombre d’entre elles nous sont proposées par différents partenaires, comme The Bentway ou Critical Distance Centre for Curators, qui sélectionnent leurs artistes. C’est la raison pour laquelle nous disposons d’un large éventail de commissaires, soit environ un éventail de 50 commissaires avec lesquels nous travaillons.
Ils sont donc tous libres de choisir ce qu’ils veulent présenter ?
Oui, absolument. Historiquement, nous avions un thème et nous souhaitions que les partenaires s’en inspirent, mais tandis que le festival grandissait, c’est devenu impossible. Avec une équipe de six personnes seulement, nous nous réinventons très rapidement, si bien que nous n’avons pas la possibilité de dire à nos partenaires – institutions, galeries et autres – qu’il s’agit là de nos thèmes pour les cinq prochaines années. Nous nous appuyons sur les relations que nous entretenons avec eux et sur le fait qu’ils sont des conservateurs de haut niveau. Le fait que Wolfgang Tillmans, par exemple, fasse partie de l’édition actuelle repose sur notre collaboration avec le Musée des beaux-arts de l’Ontario. Cela fonctionne ainsi
CONTACT est là pour amplifier ce que font les artistes et les conservateurs, qu’ils soient émergents ou établis, pour leur donner l’attention des médias et construire un public. L’année dernière, nous avons accueilli 650 000 visiteurs, nous incitons donc notre public à aller voir et à découvrir ces expositions. Les expositions ouvertes ne sont pas soumises à un jury. Ainsi, si un photographe documente X, Y, Z depuis 5 ans et qu’il doit présenter une exposition dans un espace particulier, il est invité à la soumettre gratuitement pour participer au festival. Ils sont ensuite inclus dans le programme, le catalogue et le site web du festival, aux côtés d’une série d’artistes bien établis, et nous en sommes très fiers.
Les questions environnementales et écologiques sont une composante majeure de votre programme cette année, notamment avec l’exposition personnelle de Maggie Groat, qui interroge les notions de durabilité et de récupération des matériaux à travers ses collages photographiques. Face à l’urgence climatique, est-ce un sujet incontournable ?
C’est un sujet dont nous discutons depuis de nombreuses années. C’est quelque chose qui est très important pour nous, pour beaucoup d’artistes, donc il y a beaucoup d’expositions liées à cela. Même si nous n’avons plus de thème annuel, les préoccupations environnementales sont un sujet essentiel que les artistes explorent de plus en plus, et elles restent donc au cœur de notre programme, qui s’articule autour de discours photographiques contemporains. Comme vous l’avez mentionné, la pratique réfléchie de Maggie Groat est centrée sur cette éthique de réduction des impacts nocifs sur la terre tout en générant de nouvelles façons de voir et d’incorporer la photographie. En outre, nous menons des recherches internes et planifions des moyens de réduire l’impact environnemental de CONTACT en produisant nos propres expositions et installations en plein air à l’avenir.
L’un de vos engagements est également de promouvoir les voix indigènes et le nécessaire dialogue entre indigènes et colons au Canada par le biais de la photographie. Les expositions de Robert Kautuk, Jake Kimble ou l’exposition collective Materialized au Critical Distance Centre for Curators pourraient en être des exemples. Pourriez-vous nous en dire plus sur cet engagement ?
Il a toujours existé dans le festival depuis le début. Nous avons récemment accueilli une exposition en deux parties organisée par l’Inuit Art Foundation (IAF) – avec des œuvres de plus de 40 artistes indigènes présentées à la galerie CONTACT et dans une installation extérieure connexe sur King Street West – conjointement avec la conférence annuelle de l’IAF et dans le cadre de Nuit Blanche Toronto. Il s’agissait d’une exposition et d’une célébration exceptionnelles de l’art indigène.
La célèbre artiste autochtone Meryl McMaster a été présentée au festival à plusieurs reprises au cours de la dernière décennie et, cette année, elle fait l’objet d’une importante rétrospective à la Collection McMichael d’art canadien. La première fois que j’ai vu le travail de Meryl, c’était dans une exposition collective de huit artistes au Musée d’art contemporain canadien (aujourd’hui MOCA Toronto), il y a 12 ou 15 ans, et il a été extraordinaire de voir sa carrière se développer depuis lors. Pendant tout ce temps, nous avons été là pour la soutenir et essayer de créer une plateforme internationale pour son travail, puisque nous avons un public important qui vient de l’extérieur du Canada pour voir le festival. Avant Covid, nous avions un public de plus de 1,5 million de personnes, dont près de 400 000 touristes et des dizaines de milliers de personnes venant des États-Unis et d’Europe.
Le festival pourrait-il un jour s’installer dans une autre ville d’Amérique du Nord ? Ou en Europe ?
C’est une chose à laquelle nous avons pensé, en créant différents satellites, en particulier au Canada, peut-être à Vancouver ou à Montréal. En conclusion, nous voulons inciter le monde entier à venir à Toronto. Les festivals les plus importants du monde, qu’il s’agisse d’Arles, de Madrid, de Paris Photo ou de Houston, sont inscrits au calendrier culturel et les gens s’y rendent chaque année. C’est ce que nous voulons à Toronto. Nous voulons que le monde entier vienne ici et contribue à renforcer la réputation de Toronto en tant que centre culturel.
C’est là que nous en sommes, et nous envisageons maintenant d’internationaliser davantage le festival. L’année dernière, par exemple, nous nous sommes associés pour la première fois au festival Photo 2022 de Melbourne, qui se poursuivra sous la forme d’un échange semestriel. Pour son installation publique à Melbourne pendant Photo 2022, CONTACT a choisi de présenter le travail de l’artiste indigène Dana Claxton, et à Toronto, nous avons présenté le travail de l’artiste Atong Atem, originaire du Sud-Soudan, basé à Narm/Melbourne, dans le cadre du festival CONTACT. Cette année, nous faisons la même chose avec le festival Capture à Vancouver, qui fête sa onzième année. Vancouver est une ville très importante pour la photographie au Canada. Dans le cadre de l’échange de cette année, nous présentons le travail de Jake Kimble, un jeune artiste autochtone du nord de la Colombie-Britannique, sur une immense fresque murale ici, dans le centre-ville de Toronto. Telles sont nos aspirations : nous voulons nous internationaliser de cette manière, non pas en créant des festivals satellites, mais en développant et en renforçant nos partenariats. À l’avenir, j’aimerais faire quelque chose avec Arles, Paris Photo ou Madrid. Cette année, nous travaillons avec 85 partenaires et c’est ce qui fait avancer le festival.
Selon vous, quelles sont les nouvelles tendances en matière de photographie ?
Cette année, nous voyons beaucoup plus de vidéos et d’images en mouvement, ainsi que des formats numériques alternatifs tels que les .gifs, les hologrammes, les applications web et l’IA. Ces éléments ont déjà radicalement modifié le paysage de la photographie contemporaine dans les années passées, et sont sur le point de le faire. Nous assistons également à une prise de conscience accrue sur l’environnement et, comme je l’ai dit, nous nous intéressons non seulement à ce que font les artistes, mais aussi à ce que nous faisons sur le plan de la production. Nous réalisons plus de 20 installations massives en plein air, dont certaines atteignent 140 x 45 pieds, et nous essayons donc de trouver des moyens de créer des installations temporaires plus respectueuses de l’éthique. Maggie Groat est une source d’inspiration car elle utilise, par exemple, des matériaux totalement durables ; tout est recyclé ou recyclable, et elle ne travaille avec rien de nouveau qui sera jeté par la suite. Ce sont des tendances importantes que nous observons, non seulement en ce qui concerne l’apparence de l’œuvre d’art, mais aussi en ce qui concerne la prise en compte de sa durée de vie complète, de la production à l’impact sur l’environnement.
Marie Pellicier
12 avril 2023
