Peter Fetterman Gallery : The Power of Photography #35

Il s’agit du trente-cinquième volet de la série en ligne de la Peter Fetterman Gallery intitulée The Power of Photography mettant en évidence l’espoir, la paix et l’amour dans le monde. Nous vous invitons à apprécier et prendre le temps de la réflexion sur ces œuvres.

George A. Tice (United States, b. 1938 -2025)
Petit’s Mobil Station, Cherry Hill, New Jersey, 1979

George Tice est l’un des véritables grands de la photographie américaine, et cette image compte parmi les plus grands classiques de la photographie américaine. Je l’aime depuis mon arrivée aux États-Unis en 1979. Le sujet peut sembler banal : une station-service dans le New Jersey, où la plupart de ses images majeures ont été réalisées, mais elle est saisissante et hantée. George a peu voyagé au cours de sa carrière. Il a trouvé une richesse de sujets juste sur le pas de sa porte. Cette image dégage une atmosphère profonde, des strates de sens, et même une légère mélancolie et un sentiment de solitude, comme les meilleurs tableaux d’Edward Hopper. Tout réside aussi dans la beauté physique du tirage. George a affûté sa maîtrise du laboratoire pendant six décennies, avec une éthique de travail intense comme je n’en ai jamais vu. Comment arrive-t-on à Carnegie Hall ? Comment réalise-t-on un tirage qui rayonne et vous frappe par sa beauté profonde ? Par l’expérience, et par un rare talent — un œil donné par Dieu. C’est un magnifique exemple de la poétique des lieux. À travers l’œuvre de George, j’ai appris à mieux comprendre l’Amérique et à apprécier ses innombrables petits miracles et instants. Merci George pour près de 40 ans d’inspiration et d’amitié.

Kristoffer Albrecht
Small Apples, 1984

Je rendais visite à notre grand ami et artiste, Pentti Sammallahti, à Helsinki, et je lui ai dit nonchalamment : « Peut-être y a-t-il un autre grand photographe en Finlande que je devrais rencontrer ? » Il a passé un coup de fil, et le lendemain il a conduit pendant plus de trois heures, dans un froid glacial, à travers ce qui me sembla alors des forêts sans fin, pour me présenter son élève et protégé préféré, Kristopher. Nous avons passé ensemble quelques heures délicieuses et, tandis que nous parlions et mangions, j’ai aperçu du coin de l’œil ce petit bijou d’image accroché sur un mur discret. Je me suis levé pour l’examiner de plus près. Puis, comme un puissant coup de poing d’Ali, sa force et sa beauté physique m’ont mis KO. Un portrait tendre et amoureux de sa femme. À ce jour, cela reste l’une de mes images préférées de tous les temps.

Jeffrey Conley 1969
Figure and Coastal Mist, Oregon, 2018

« Pour moi, la photographie est une forme de méditation qui élargit ma perception du monde existant et en évolution autour de nous. » ~ Jeffrey Conley

Les paysages de Jeffrey sont brillants. Celui-ci nous stupéfie par un dégradé particulièrement apaisant. En admirant les lignes des falaises et les nuances de gris, nous sommes récompensés en découvrant une silhouette dissimulée dans la brume. Un rappel de notre petitesse dans l’immense étreinte de la nature.

Martin Elkort
Puppy Love, Coney Island Boardwalk, Brooklyn, NY, 1950

« Je poursuis assurément le bonheur avec mon appareil photo. Quand je photographie des enfants, je n’essaie pas de capturer leur mignonnerie ou une beauté naissante. Je cherche à saisir l’essence de l’enfance. Je vois l’enfant comme la chrysalide d’un futur adulte. » ~ Martin Elkort

J’aime beaucoup cette phrase de Marty : « Je vois l’enfant comme la chrysalide d’un futur adulte. » Il a vraiment visé juste. Le langage corporel des deux enfants dit tout. La fillette est un peu nerveuse, et le garçon l’est aussi — on le voit à la façon dont ses jambes sont légèrement tordues, comme un bretzel, malgré son apparente assurance et son sang-froid. Coney Island était un refuge, et l’est encore, pour tant de New-Yorkais qui cherchent à échapper aux pressions de la ville et, l’été, à la chaleur insupportable. Comme dans d’autres quartiers, un véritable esprit de communauté régnait dans les années 1950, lorsque cette image a été prise.

Cig Harvey
Claire dans le forsythia, Rockport, Maine, 2010

Comment forcer les floraisons 1. Reconnaissez à voix haute votre désespoir de voir arriver le printemps. 2. Trouvez des branches chargées de bourgeons. 3. Coupez les tiges en biseau. 4. Disposez-les dans de l’eau tiède. 5. Changez l’eau chaque jour. 6. Placez-les à la lumière indirecte partout dans la maison. 7. Attendez. Avertissement — Forcer un forsythia peut provoquer une aversion temporaire pour le violet, sa couleur opposée sur le cercle chromatique. ~ Cig Harvey

Aujourd’hui, nous vous proposons une stratégie de survie hivernale — et une vision florale splendide, vue à travers les yeux de l’artiste britannique Cig Harvey. Avec ses propres mots : « La nature éphémère des fleurs est une métaphore parfaite de ce que signifie être humain, de ce que signifie ressentir. Mes images sont souvent des fleurs, mais elles ne parlent pas des fleurs ; elles parlent de vivre et de mourir. Chercher la beauté et en témoigner pour la partager avec les autres est un acte politique. L’expérience que je souhaite que le spectateur fasse avec cette collection de photographies est la même que lorsque je trouve les images une sensation dans le corps, le témoignage de quelque chose de rare dans le monde du quotidien. Faites l’expérience. Ressentez. C’est une invitation à vivre le monde naturel de manière immersive, à trouver et célébrer la beauté dans l’ordinaire. »

Michael Kenna
Cherry Blossoms, Nara, Honshu, 2002

« Je trouve le temps passé au laboratoire fascinant et inspirant. Il façonne et enrichit ma manière de voir et donc de photographier » ~ Michael Kenna

Les photographes comme Michael sont une espèce en voie de disparition. Ils se délectent des subtilités du laboratoire argentique classique, à l’ancienne. Aucun tour de passe-passe numérique. Chaque tirage qu’il réalise est le fruit d’un processus lent et méticuleux, fait de réflexion et de maîtrise. La patience et la lenteur vont de soi. Mais les résultats sont d’une beauté minutieusement travaillée.

William Klein
Atom Bomb Sky, New York City, 1955

« Tout est permis. Pas de règles, pas de limites, aucune retenue. » ~ William Klein

Comment terminer un projet d’un an sur New York ? Eh bien, si vous êtes William Klein, vous terminez en fanfare… L’un des grands iconoclastes de l’histoire de la photographie se doit de finir en beauté. Alors il monte littéralement dans un hélicoptère pour saisir son dernier cliché et l’intitule « Atom Bomb Sky ». Peut-être que vivre au plus fort de la guerre froide a inspiré ce titre, mais l’image se prête assurément à de multiples interprétations. Voici la mienne : je pense que c’est un hommage à l’indestructibilité de cette ville. Quels que soient les épreuves et les tourments qu’elle traverse, elle rebondit toujours. Elle s’est relevée de la faillite, a survécu au 11-Septembre et a surmonter la pandémie. La survie est inscrite dans son ADN ; c’est ce qui en fait un lieu si particulier, et cette image le résume parfaitement. Je la trouve épique.

Pentti Sammallahti (Finland, b. 1950)
Fabiansgatan, 2001

« On ne prend pas une photo, c’est la photo qui se donne à vous »
~ Pentti Sammallahti

Chaque photographie est peut-être un cadeau offert à Pentti par les dieux de la photo, mais ce sont aussi des cadeaux de Pentti à nous tous. Merci, Pentti, d’avoir les yeux ouverts et l’appareil prêt pour ce si beau moment.

John Simmons b. 1950
Archie Shepp Nashville, TN, 1971

« Aujourd’hui, la musique est visuelle » ~ Archie Shepp

John Simmons a saisi le grand Archie Shepp la musique et l’émotion de l’instant dans ce cliché puissant. Mais c’est Johnny : toujours là où ça se passe, et l’appareil prêt ! Il nous offre un passage vers les coulisses, à côté d’un immense saxophoniste de jazz.

Sabine Weiss
L’homme qui court, Paris, 1953

« J’ai très jeune compris que la photographie serait mon moyen d’expression. J’étais plus visuelle qu’intellectuelle. Je n’étais pas très douée pour les études. J’ai quitté le lycée. Je suis partie un jour d’été à bicyclette. » ~ Sabine Weiss

Eh bien, Sabine est partie à bicyclette de sa petite ville suisse vers Genève, et n’est jamais revenue. Elle y a été apprentie chez un photographe pendant quelques années, puis elle a fait preuve d’un cran incroyable : sans connaître personne et sans argent, elle s’est installée à Paris et a été apprentie auprès du photographe de mode Willy Maywald. Après quelques années, lorsqu’elle s’est sentie prête à affronter le monde précaire de la photographie freelance, c’est exactement ce qu’elle a fait ; elle s’est peu à peu imposée et n’a jamais regardé en arrière. Elle a travaillé sans relâche sur commande, avec une intensité féroce, résolvant des problèmes de composition et de technique pour tous les grands magazines et ses clients commerciaux, tout en parvenant à mener son propre travail, autodirigé, et à constituer un corpus d’images humanistes à la hauteur de ses contemporains — Boubat, Doisneau, Ronis, Izis et d’autres.

Quand on s’assoit avec elle, même à 96 ans, l’intensité et l’exigence de perfection sont toujours là, et sa passion est contagieuse. J’aime les images nocturnes, et celle-ci est l’une des meilleures, l’une de ses plus grandes images. Elle a embarqué son mari, le peintre américain Hugo Weiss, pour s’aventurer dans l’air froid de la nuit parisienne, et elle est revenue avec de la magie. On dirait presque un photogramme d’un grand film noir « nouvelle vague » du cinéma français, plein de mystère et de suspense. Fuit-il quelqu’un, ou court-il vers un rendez-vous secret ? Nous ne le saurons peut-être jamais, mais c’est aussi ce qui fait son charme, du moins pour ce spectateur.

Comme Sabine le dit à propos de son travail : « Toutes les photos que je prends sont totalement instantanées. Ce que j’aime, c’est faire une photo instantanée. Même s’il n’y a personne, j’aime le clic, clic, clic. Je n’attends jamais. » J’espère seulement qu’à 96 ans, je serai aussi plein d’énergie et d’esprit que Sabine.