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Peter Fetterman Gallery : The Power of Photography #19

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Il s’agit du dix-neuvième volet de la série en ligne de la Peter Fetterman Gallery intitulée The Power of Photography mettant en évidence l’espoir, la paix et l’amour dans le monde. Nous vous invitons à apprécier et prendre le temps de la réflexion sur ces œuvres.

 

Sabine Weiss (Switzerland, b. 1924)
Yves Saint Laurent, Premiere Dior Collection, Paris, 1958

© Sabine Weiss/Courtesy Peter Fetterman Gallery

Sabine est l’une de mes photographes préférées. À 96 ans, elle a toujours un tempérament de feu et travaille sur de nouveaux projets et livres. Elle est la dernière de cette grande génération de photographes qui a inspiré ma passion pour le médium.

Voici une perle rare de ses archives. Yves St Laurent était le garçon prodige de la mode française et a été trié sur le volet par Christian Dior pour être son successeur dans sa propre et illustre Maison de mode. Life Magazine a demandé à Sabine de réaliser sa première collection de mode pour le printemps/été 1958. Elle semble être d’une autre époque mais évoque toujours toute l’élégance et la beauté que l’on associe à la Haute Couture. Sabine connaissait déjà bien Dior car au début de sa carrière elle fut l’assistante du photographe Willy Maywald entre 1946-1949 et était présente en 1947 lorsque Dior présenta sa première collection de mode à Paris.

Je peux seulement imaginer que ce n’était pas une séance facile, positionner et coordonner 13 modèles de la maison.

YSL a l’air si jeune. Il n’a que 21 ans à l’époque, il perpétue la tradition Dior mais se l’approprie. Sa grande percée cette année-là était sa version de la robe sans taille, la ligne trapèze basée sur la forme évasée d’un trapèze et se tenant avec désinvolture loin du corps. Comme il l’a dit avec sagesse : “Au fil des ans, j’ai appris que ce qui est important dans une robe, c’est la femme qui la porte.”

 

Nikki Kahn (b. 1967)
Barack Obama, Final Campaign Rally, Des Moines, Iowa, 2012

© Nikki Kahn/Courtesy Peter Fetterman Gallery

Aujourd’hui, c’est le jour de Thanksgiving en Amérique. Nous avons certainement de nombreuses raisons d’être reconnaissants, en particulier ceux d’entre nous qui ont encore la santé. Ce fut une période sans précédent dans l’histoire du monde où l’essence de la démocratie a été mise à l’épreuve et testée jusqu’à ses limites. Il en est toujours ainsi, pas seulement en Amérique, mais dans de nombreux endroits à travers le monde.

Les mémoires présidentiels de Barack Obama « A Promised Land » ont récemment été publiés. Cela ramène le sentiment d’une époque de l’histoire que nous avons tous vécue où il y avait une excitation pour de nouvelles possibilités et changements. Nous avons senti que nous allions dans une direction positive, puis comme « Puff the Magic Dragon » au moment où Obama est monté dans l’hélicoptère pour quitter la Maison Blanche pour la dernière fois, il a semblé s’évaporer en un instant. Beaucoup d’entre nous ont vécu un état constant de désespoir et d’anxiété depuis ce jour.

Nikki Kahn appartient à une nouvelle génération de grands photojournalistes dont les nombreuses années de dévouement à découvrir la vérité à travers son travail exceptionnel pour le Washington Post et d’autres publications ont finalement été reconnues et elle a reçu un prix Pulitzer en 2011 pour son travail en Haïti. Ici, elle capture Barack Obama alors qu’il est réélu pour son deuxième mandat. C’est mon image préférée d’un président très Photographié. C’est un moment d’émotion qui résonne encore en moi et j’en suis sûr bien d’autres.

Ce qui ressort de cette image et de ses écrits dans “A Promised Land”, c’est quelqu’un qui, malgré les revers, les barrages et les frustrations et les forces pour le détruire, parvient toujours à maintenir une croyance en l’humanité. Comme le dit le président Obama,

“Si je garde espoir, c’est parce que j’ai appris à faire confiance à mes concitoyens, notamment ceux de la relève.”

 

Colin Jones (b. 1936)
The Wall of The Tobacco and Alcohol Dock off Wapping High Street, London, 1962

© Colin jones/Courtesy Peter Fetterman Gallery

Je partage quelque chose avec l’un de mes photographes anglais préférés, Colin Jones. Nous sommes tous les deux nés dans l’East End de Londres. Je comprends ses racines et ses aspirations pour un autre genre de vie. Voici une de ses grandes images riche de la tradition de la photographie documentaire sociale classique en noir et blanc.

C’est tellement plus qu’une autre photo d’enfants. Ce n’était pas posé. C’est par hasard que Colin les a découverts courant contre cet énorme mur dans la zone des docks. C’étaient tous des enfants d’un quartier ouvrier difficile qui vivaient à proximité dans un immeuble. Le mur a été construit pour empêcher toute sorte de contrebande, perte de produit, etc. des navires qui déchargeaient des bouteilles de whisky et de cigarettes. Ils ne pouvaient pas être jetés par-dessus un mur aussi énorme pour être récupérés plus tard. On pourrait y voir une métaphore plus sombre selon laquelle les enfants fuient la lumière vers les ténèbres, mais comme moi, j’aimerais espérer qu’ils auront un jour une ‘nouvelle vie’ ailleurs avec un avenir prometteur et meilleur.

 

Neil Leifer (United States, b. 1942)
Muhammad Ali knocks out Cleveland Williams at the Astrodome, Houston, 1966

© Neil Leifer/Courtesy Peter Fetterman Gallery

Certains genres en photographie ont dû lutter un peu plus pour obtenir l’acceptation critique et curatoriale pour être classés comme « art ». Tel a été le cas avec la photographie de mode et de sport, deux des domaines les plus difficiles pour créer des images vraiment remarquables. Mais cette image doit sûrement être élevée au rang d’art. Elle a la qualité d’une grande peinture abstraite.

Elle a été prise dans un tout nouvel auditorium ultramoderne en 1966, l’Astrodome de Houston. Ce n’est pas une image qui aurait pu être prise à l’improviste. Cela a nécessité un temps de préparation intense de la part de Neil. Capturé à partir d’une caméra suspendue à 80 pieds au-dessus du ring, il a correctement estimé la probabilité accrue de capturer une photo du ring depuis cette hauteur avec son Hasselblad motorisé télécommandé et grâce à l’éclairage des puissantes lumières stroboscopiques aériennes, l’image est d’une telle qualité. .

Neil était connu tout au long de sa longue carrière pour prendre des risques et pour ses techniques révolutionnaires.

Il a certainement remporté le prix ce soir-là. Pas mal pour un enfant qui a commencé sa vie dans un lotissement et a été encouragé par les cours gratuits de photographie de la Henry Street Settlement House pour les enfants pauvres de ce quartier et il est devenu l’une des “stars” de Sports Illustrated. Comme Neil me l’a toujours dit : « Ce que fait le bon photographe sportif, c’est quand ça arrive et que tu es au bon endroit, tu ne le manques pas. Que ce soit par instinct ou par chance, je ne sais pas.

Je pense que c’est du talent.

 

Ansel Adams (1902-1984)
Church at Ranchos de Taos, New Mexico, 1930

© Ansel Adams Publishing Rights Trust/Courtesy Peter Fetterman Gallery

Il semble que ces mots auraient pu être écrits hier et qu’ils soient plus pertinents que jamais pour l’époque d’aujourd’hui. Ceux qui ont été eu l’occasion de visiter cette église ne pourront jamais l’oublier. Son pouvoir et sa spiritualité transcendent toutes les religions. Elle émane juste de l’humanité. C’est l’un des plus beaux bâtiments d’Amérique construit par les premiers Espagnols vers 1800. Elle a attiré et séduit de nombreux grands artistes de Paul Strand à Georgia O’Keefe, mais personne n’a mieux capturé sa magnificence qu’Ansel dans cette image. Il lui a donné l’apparence d’une Mesa massive, d’une pyramide américaine ou d’un autel. Son génie était de se concentrer sur l’élévation arrière qui définit le bâtiment… cela semble immense alors qu’en réalité ce n’est pas le cas mais sa puissance est indéniable.

Comme Ansel Adams l’a écrit sur le choix d’un sujet à photographier,

“Demandez-vous : est-ce que ce sujet me pousse à ressentir, à penser et à rêver ? “

Eh bien, il a certainement pris la bonne décision ce jour-là. Il fait toutes ces choses et bien plus encore.

 

Manuel Alvarez Bravo (Mexico, b. 1902-2002)
“Portrait of the Eternal” / Retrato de lo eterno, 1935

© Estate of Manuel Alvarez Bravo/Courtesy Peter Fetterman Gallery

Don Manuel n’était pas seulement le plus grand photographe du Mexique, mais était certainement l’un des plus grands artistes du médium de tous les temps. À la suggestion de Tina Modotti, il a envoyé à Edward Weston une boîte de ses photos à examiner. Weston a répondu le 30 avril 1929: “Ce n’est pas souvent que je suis stimulé et l’enthousiasmé par un groupe de photographies.”

Cela a certainement renforcé la confiance en soi de Manuel et il s’est lancé dans sa nouvelle carrière à temps plein avec sérieux. Il était au centre de la vie culturelle mexicaine et était proche du grand réalisateur russe Sergueï Eisenstein qui était au Mexique pour tourner son film “Que Viva Mexico”. C’est sur le tournage de ce film inachevé qu’il rencontre la célèbre poétesse, sculptrice, graveuse Isabel Villasenor et a fait son portrait. La composition et l’ambiance de cette image sont sublimes. Elle est assise dans la pénombre. Un prisme de lumière pénètre à travers une fenêtre invisible dont la forme fait écho en expansion à son profil. Elle regarde dans un miroir de poche. C’est vraiment au spectateur de se forger le sens de cette photographie magique pour lui-même.

S’agit-il de la fragilité de la beauté qui ne dure pas éternellement ou s’agit-il de la mémoire qui est éternelle comme le laisse entendre Manuel ? Quelle que soit l’interprétation de chacun, sa puissance et sa beauté ne peuvent être niées.

 

Pentti Sammallahti (b. 1950)
Cilento, Italy, 1999

© Pentti Sammallahti/Courtesy Peter Fetterman Gallery

Il est dans une ligue à part et a été déclaré artiste national par le gouvernement finlandais, l’équivalent d’un « Génie Award ». La bourse qu’il a reçu lui donné la liberté de construire une grande partie de son œuvre extraordinaire, un honneur rare.

Cela est évident dans son image “Cilento”, l’un de ses chefs-d’œuvre majeurs. Il est difficile de trouver dans l’histoire de la photographie un arrangement plus élégamment équilibré de lignes et de surfaces centrées sur la forme du chien qui se présente comme une métaphore du pouvoir de la nature de nous transformer et de nous émouvoir dans sa beauté.

 

Nikki Kahn (b. 1967)
Ruth Bader Ginsburg, U.S. Supreme Court, 2013

© Nikki Kahn/ Courtesy Peter Fetterman Gallery

L’année 2020 restera dans l’histoire comme l’une des années les plus difficiles à traverser pour la plupart d’entre nous, ce qui est toujours en cours. C’est aussi l’année où nous avons perdu l’une des figures les plus inspirantes des temps modernes, la juge Ruth Bader Ginsberg.

Dire que sa vie ferait un film incroyable est bien sûr redondant car il n’y a pas eu un mais deux films tournés à son sujet. Le fantastique documentaire “RBG”, et qui pourra jamais oublier les scènes où elle s’entraîne avec son entraîneur et “On The Basis of Sex” avec Felicity Jones dans le rôle de Ruth. Elle a changé à jamais la façon dont le monde est pour les femmes et elle l’a fait avant même de devenir juge à la Cour suprême.

Je l’ai brièvement rencontrée il y a trois ans au Lotos Club à New York où je logeais et à ma grande surprise un matin alors que je sortais de ma chambre, elle est sortie de la chambre d’à côté. Alors que nous partagions l’ascenseur avec son assistante en descendant vers le petit-déjeuner, je l’ai remerciée pour tout ce qu’elle a fait pour l’humanité. Elle a souri gracieusement et m’a permis de lui serrer la main. Je ne pouvais pas croire à quel point elle était petite, 1,50m à peine presque espiègle, mais on se souviendra certainement d’elle comme d’une géante juridique et d’une combattante pour ce qui est juste dans ce monde.

 

Willy Ronis (1910-2009)
Pluie, Place Vendôme, Paris, 1947

© Estate of Willy Ronis/Courtesy Peter Fetterman Gallery

Arbitre du goût en photographie et possesseur d’un grand œil et d’une grande connaissance de l’histoire de l’art, Edward Steichen a béni Willy Ronis en l’incluant non seulement dans son importante exposition “Cinq photographes français” en 1951 avec Henri Cartier-Bresson, Robert Doisneau , Izis et Brassaï au Museum of Modern Art de New York, mais l’a également inclus dans son exposition phare “The Family of Man” quatre ans plus tard également dans le même lieu qui a ensuite voyagé dans le monde entier pendant des années.

J’ai demandé une fois à Willy comment cette image est née. La place Vendôme est dans l’un des quartiers vraiment chics de Paris à proximité de toutes les grandes maisons de mode. Willy s’y retrouverait souvent car ce n’était pas trop loin de l’agence Rapho dont il était un membre important. À l’heure du déjeuner, les mannequins de la maison sortaient souvent et mangeaient leurs sandwichs entre les séances. Il a vu une femme enjamber la flaque d’eau et a remarqué que la colonne Vendôme s’y reflétait. D’autres feraient la même chose et il s’enfuit, ses planches-contacts lui montrant plus tard que celle-ci était le cadre le plus réussi. C’est devenu l’une de ses images les plus demandées au cours de notre longue collaboration. Facile de voir pourquoi. Une combinaison de géométrie et son habileté à la pré-visualisation et son œil vif équivaut à une image d’une véritable élégance.

 

Elliott Erwitt (b. 1928)
California Kiss, 1956

© Elliott Erwitt/Magnum Photos/Courtesy Peter Fetterman Gallery

C’est l’une des photos les plus tendres, romantiques et réelles jamais prises. C’est réel parce que c’est Elliott sur la photo avec sa femme. Il prend la photo avec son bras par la fenêtre de la voiture en 1955, on pourrait presque dire qu’il s’agit du premier selfie célébré dans l’histoire de la photographie.

Elliott, à sa manière typique d’autodérision, dirait que ce n’est qu’un « clic » mais nous savons tous que c’est bien plus que cela dans l’émotion et les souvenirs qu’il évoque pour nous tous.

 

Peter Fetterman Gallery
2525 Michigan Ave, #A1
Santa Monica, CA 90404

http://www.peterfetterman.com

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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