Musée Rubell
La journée a commencé à pénétrer dans une immense rivière de plus de 700 sphères en acier inoxydable s’étalant dans le hall central de plus de 200 pieds de long du musée Rubell. Le jardin des narcisses de Yayoi Kusama n’a pas déçu, représentant bien notre époque alors que cette quête du selfie parfait grandit de manière inquiétante parmi tant de gens.
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En parcourant les galeries, je suis tombé sur de nombreuses œuvres familières comme l’installation colorée de portraits photographiques de Catherine Opie qu’elle avait capturés de sa communauté dans les années 1990. Il y avait les images appropriées de Richard Prince de cow-boys et de trois femmes regardant dans la même direction.
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L’utilisation de matériaux trouvés figurait également dans le travail de Fiona Tan. Tan’s Facing Forward (1999) utilise des séquences vidéo ethnographiques de l’Asie et de l’Afrique du 20e siècle. « En recadrant et en rééditant des films ethnographiques existants, Tan expose leurs fondements anthropologiques et remet en question les conventions du cinéma. Quelle est la relation entre l’observateur et l’observé ? Comment peut-on jamais connaître l’autre ? Depuis que cette œuvre a été créée en 1999, je peux imaginer à quel point son travail a pu influencer d’autres artistes qui expriment aujourd’hui leur travail dans la même veine.
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Alors que le travail de Yayoi Kusama était tourné sur soi-même, Christian Boltanski le retournait littéralement sur les autres, commémorant ces inconnues perdues à cause de l’Holocauste. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il a été écrit que son père qui était juif s’était caché sous le parquet de l’appartement de sa famille pendant un an et demi. Christian est né au lendemain de la guerre. Son Autel de Lycée Chases (Alter to the Chases High School) capture la fragilité de la mémoire en photographiant des images trouvées dans des documents du quotidien. « Il explore le pouvoir de la photographie de transcender l’identité individuelle et de fonctionner plutôt comme un témoin des collectifs, des rituels et des mémoires culturelles partagées. Boltanski est malheureusement décédé cette année à l’âge de 76 ans.
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De la mort, la vie a germé alors que mes yeux se dirigeaient vers les photographies puissantes et à grande échelle de Reginald O’Neal. Son exposition, AS I AM, reflète l’expérience des Noirs dans son quartier de Miami. O’Neal déclare : « Mon désir est d’embrasser ce qui n’est pas apprécié, défiguré et déformé, ainsi que d’illustrer la vraie beauté au sein de ma communauté… »
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Collection Margulies à l’entrepôt
Ensuite, je suis allée à l’entrepôt pour voir la collection Margulies. Et comme le musée Rubell, il y avait une installation à couper le souffle avec leur installation Arte Povera, l’art italien d’après-guerre.
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En passant cette installation, les photographies envoûtantes d’Andres Serrano de sa série Klan m’ont arrêté net. Andres est un artiste américain né en 1950 et d’origine afro-cubaine. Son travail comprend l’exploration de sujets difficiles qui sont considérés comme transgressifs. « Cet ensemble de photographies d’Andres Serrano appartient à deux séries distinctes : Le Klan, où il a réalisé des portraits de membres du Ku Klux Klan en Géorgie, et L’interprétation des rêves, du nom de la théorie psychanalytique de Sigmund Freud qui a été publiée en 1900 sous forme de livre. »
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De là, je me suis dirigé vers une installation photographique colossale. Trois murs ont été remplis, du sol au plafond, dans le style salon, avec des œuvres de photographes reconnus du monde entier. Ceux-ci comprenaient Taryn Simon, Alec Soth, Richard Misrach, William Christenberry, et la liste est longue. Les portraits de Thomas Ruff ne devaient pas être ignorés. L’ampleur et la qualité du contenu, de l’impression et du cadrage m’ont immédiatement attiré. J’étais également heureuse de voir le travail de Carrie Mae Weems et Tseng Kong Chi.
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Et plus loin, dans un coin tranquille mais joliment aménagé, se trouvaient les œuvres intemporelles de ceux que j’avais étudiés et admirés. Celles-ci comprenaient le travail de Werner Mantz sur l’architecture moderne, les photogrammes ou «rayographes» de Man Ray et les portraits d’August Sander de sa communauté.
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August Sander a été une influence sur mon travail, en particulier avec KYOPO, car il a capturé des gens ordinaires dans sa communauté sans poses scénarisées qui peuvent parfois être une distraction. « En 1929, August Sander a produit le premier volume d’une publication de vingt volumes de photographies intitulée Antiltz der Zeit ou Face of Our Time. Les photographies visaient à faire référence à une variété de professions et étaient une tentative d’égaliser les classes. En ce qui concerne la série, il déclare: «Il n’y a rien que je déteste plus que la photographie glacée avec des gadgets, des poses et des effets fantaisistes. Par conséquent, permettez-moi de dire honnêtement la vérité sur notre âge et notre peuple. » Sander n’a jamais pu continuer parce que le régime nazi l’a désapprouvé, et tous les livres et négatifs créés pour le projet ont été détruits.
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MOAD à la tour de la liberté
Une exposition soigneusement organisée pouvait être vue au Museum of Art & Design Miami Dade College (MOAD). Qui est situé dans l’historique Freedom Tower, un bâtiment qui a servi de centre d’assistance cubain de 1962 à 1974. Ce centre a aidé des centaines de milliers de réfugiés cubains qui ont aidé Miami à devenir la ville qu’elle est aujourd’hui.
C’est ici que j’ai rencontré pour la première fois l’œuvre poétique de Hreinn Fridfinnsson dans Hreinn Fridfinnsson : For the Time Being. J’ai été surprise d’apprendre qu’il s’agissait de sa première exposition dans un musée américain, car il a réalisé un travail conceptuel s’étalant sur six décennies. Et son travail, pour moi, a été l’un des plus forts que j’ai vu pendant la Miami Art Week. Il utilise “des gestes minimaux pour transformer les matériaux du quotidien en œuvres d’art poétiques, allusives et révélatrices. Né et élevé en Islande, Fridfinnsson est devenu un artiste majeur dans les années 1960. Il a déménagé à Amsterdam en 1971 et a commencé à exposer son travail dans des musées et des galeries à travers l’Europe. Ses premières œuvres s’alignent sur les mouvements artistiques de pointe contemporains, tels que le land art et le photoconceptualisme, mais suggèrent toujours la sensibilité typiquement romantique, lyrique et ironique qui continuerait à définir sa pratique. Five Gates for the South Wind, 1971-72, par exemple, quatorze photographies encadrées accompagnées d’un texte dactylographié, documentent un ensemble de portes autoportantes que l’artiste a construites dans un coin reculé d’Islande, conçues pour s’ouvrir uniquement lorsqu’une brise du sud , proverbialement chaude, souffle.”
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Parmi les autres œuvres photographiques, citons Attending, 1973, qui a attiré l’attention sur le ciel et la terre, suggérant des correspondances entre les deux en tant qu’éléments classiques et à travers des royaumes métaphoriques. La répétition a été trouvée dans Seven Times, 1978-79.Qui montre l’artiste regardant à travers une fenêtre. « Avec leur cadrage d’une scène et des vitres plates, les fenêtres servent d’analogies avec les plans d’images d’œuvres d’art, en particulier les photographies, et la représentation séquentielle d’une action répétée constitue une caractéristique du conceptualisme photo des années 1960 et 1970. Fridfinnsson utilise tous ces tropes familiers pour thématiser l’acte de se regarder – à la fois lui même et nous sans jamais révéler l’objet de sa vision.
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Mais c’est le projet I Collected Personal Secrets de Hreinn (1972-2015) qui m’a amené dans une pièce qui ressemblait tellement à quelques pièces que j’avais créées en janvier 2019. Il s’agissait de deux rectangles fabriqués à partir de photos déchiquetées (doublons de photos que j’avais faites sur plusieurs années) intitulé Deconstructed Portrait 01 et 02. Sa pièce était un carré de secrets déchiquetés fait à partir d’années de collecte de correspondance écrite qui lui ont été envoyées par la poste. Il n’a jamais ouvert les enveloppes, mais les a conservées dans un coffre-fort de banque, puis les a déchiquetées pour créer cette pièce.
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En repensant à la semaine, une grande partie des œuvres photographiques que j’ai vues pendant la Miami Art Week parlaient de ce qui nous rend humains à une époque où beaucoup d’entre nous avaient besoin de se le rappeler. Ces œuvres qui partageaient nos histoires et nos identités semblaient être une réponse urgente à tout ce qui s’est passé, en particulier au cours des deux dernières années. Et ce désir de partager nos réalités s’est renforcé, surtout à une époque où la matière photographique prolifère et alimente une haine inutile. La photographie continue de reconnaître nos vérités, nos réalités et nos paradoxes, servant, espérons-le, davantage à l’éducation et à la connection à l’approche de 2022, car il y a toujours une histoire à partager et une histoire à apprendre, afin que nous puissions nous voir à travers un objectif clair.
Texte de CYJO
CYJO est une artiste coréenne américaine basée à Miami qui travaille principalement avec la photographie. Depuis 2004, elle explore l’évolution de l’identité, remet en question les notions de catégorisation et approfondit l’examen de nos constructions humaines dans son travail. Le travail de CYJO a été exposé à l’échelle nationale et internationale dans des lieux tels que la National Portrait Gallery (Smithsonian Institution), l’Asia Society Texas Center, la Biennale d’architecture de Venise et le Three Shadows Photography Art Centre. Sa dernière exposition solo a eu lieu au Kimmel Windows de NYU | Art dans les lieux publics (2019-2020). Elle est co-fondatrice de Creative Destruction, une collaboration d’art contemporain fondée avec Timothy Archambault en 2016. www.cyjostudio.com @cyjostudio.
