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Melvin Sokolsky : Dialogues avec de grands photographes par Holden Luntz Gallery

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Melvin Sokolsky né à New York  n’a jamais été traditionellement formé en tant que photographe; au lieu de cela, il a appris l’art de la photographie par une approche d’essai et d’erreur à un jeune âge en utilisant l’appareil photo de son père et s’est appuyé sur des conversations avec des photographes publicitaires pour son éducation photographique. Ses photographies de personnalités de renommée internationale ont été publiées dans de nombreux grands musées et magazines du monde entier. La photographie de Sokolsky, Bubble on the Seine, représentant un modèle à l’intérieur d’une de ses bulles emblématiques, a été nommée l’une des 100 photographies de mode les plus influentes du XXe siècle par le Victoria & Albert Museum.

 

Interview par Mario Lopez Pisani

Mario Lopez Pisani – Quelle a été votre introduction à la photographie? Comment êtes-vous devenu impliqué dans des campagnes de mode aussi importantes?

Melvin Sokolsky – Quand j’étais petit, environ sept ou huit ans, je m’asseyais à la table de la cuisine en regardant ma mère préparant le repas devant la cuisinière à travers la pièce. À gauche de moi sur la table, se trouvait une salière et une poivrière nichée à côté d’un bouquet de fleurs artificielles. Si ma mère bougeait près de la cuisinière et était obscurcie par le bouquet de fleurs, j’avais soudain une forte envie de bouger car cela me mettait mal à l’aise, ne maîtrisant pas la composition devant moi. En d’autres termes, j’aimais voir le monde d’un point de vue qui me mettait à l’aise.

À ce moment de ma vie, je ne savais pas que j’étais content de voir la réalité comme si je regardais à travers un appareil photo. Je crois que la photographie c’est décider où placer l’appareil photo; car le résultat est satisfaisant et vous excite.

Connaissez-vous les photos d’Irving Penn? Où il met les gens dans les coins?

Pisani – Comme le portrait de Truman Capote?

Sokolsky – Irving Penn a créé un coin, construit en studios. Dans de nombreux cas, il plaçait un objet central comme un tapis  replié pour asseoir ses sujets. Si vous avez étudié son travail, le coin est l’espace signature d’Irving Penn.

À mon avis, le but des angles est de contenir le sujet et de capturer leur réalité physique. Une sorte de barrière ouverte à laquelle le model ne peut pas échapper. Penn laisse ensuite le model se déplacer jusqu’à ce qu’ il ou elle révèle l’esprit de qui il/elle est en termes de gestuelles.

Pisani – Je les vois, car ils sont en quelque sorte dans des positions inconfortables.

Sokolsky – La façon dont on s’ajuste à partir d’une position inconfortable révèle l’esprit du model. Je crois qu’il cherche l’horloge intérieure du model. Penn explore l’esprit de qui est la personne par le geste. Quand les gens me demandent qui est votre photographe préféré? Penn a une vision originale qui reste avec moi. Si je marche dans la rue et que je vois quelqu’un dans l’angle d’une porte, Penn me vient à l’esprit.

Pisani – J’ai lu qu’une peinture de Jérôme Bosch, Le jardin des délices terrestres, a inspiré votre travail.

Sokolsky – Oui! Quand j’ai vu le tableau pour la première fois, j’ai été submergé par son inventivité. Le Jardin des délices terrestres est un tableau que je ne pourrais pas oublier. Mon père et moi étions dans une librairie, où j’ai trouvé un petit livre sur le travail de Jérôme Bosch et je l’ai apporté à la caisse. Le caissier a demandé: «Vous êtes sûr qu’il devrait avoir ça?» Et mon père a regardé le contenu, a souri et a dit: «Bien sûr qu’il peut l’avoir.»

Dans cette peinture, il y a une plante qui ressemble à une bulle qui sort de l’eau. Lorsque vous affichez ce détail de la peinture, il est évident que mes images à bulles ne ressemblent pas au détail de Bosch. Il faut dire que la peinture était l’inspiration de la série des bulles. Beaucoup ont demandé pourquoi avez-vous mis un anneau autour de vos images de bulles pour Harper’s Bazaar?

En plaisantant, je dis que les anneaux de la bulle sont le moteur qui fait tourner les bulles! anneaux qui contiennent les hémisphères à bulles. Ce n’était pas une fille prise dans une bulle. C’était une femme à la barre de son vaisseau spatial.

Quand Einstein a dit, la gravité se courbait, ils pensaient qu’il allait mal. Récemment, il a été découvert que la gravité se plie. Ma vision est de se conformer à mère nature, car la nature a tout décidé pour nous et de ce qui va nous arriver. Elle détermine comment une fleur pousse; Elle décide de la météo. “Que vous croyiez ou non au réchauffement climatique.”

Pisani – J’avais également entendu cette histoire selon laquelle vous avez vu quelque chose comme des bulles dans une vitrine de grand magasin, et cela vous a peut-être aussi inspiré?

Sokolsky – L’affichage de Noël de bulles miniatures dans le grand magasin était une source d’informations pour la construction de la bulle, pas une inspiration.

L’inspiration est venue d’une agence de publicité, Doyle Dane & Bernbach, j’avais environ 19-20 ans. Je suis allé à l’agence, et un gars là-bas m’a dit: “J’aime  tes photos revient quand tu veux, je vais te donner quelque chose à faire.” J’ai dit, OK. Je suis revenu quelques semaines plus tard, et il a fouillé sous son bureau et m’a jeté un manteau avec un col en fourrure, et il a dit: “Surprend-moi.” “Tu obtiendra 150 $ pour une photo. Si c’est bon, je te créditerai. “Quand j’ai remis la photo, il a dit. “Sensationnel. C’est merveilleux. “Et à ma grande surprise! J’ai eu droit à un crédit, Mel Sokolsky. »La publicité a été diffusée dans Harper’s Bazaar. Quelques semaines plus tard. J’ai reçu un appel téléphonique d’un gars avec un accent autrichien. «Bonjour, je m’appelle Henry Wolf, je suis le nouveau directeur artistique du Harper’s Bazaar, j’ai vu votre photo et je pensais que c’était bien», et je me suis dit que c’était mon frère Stanley qui plaisantait avec moi, alors j’ai raccroché le téléphone. Le téléphone a sonné à nouveau, il dit: “Je pense que nous avons été déconnectés” et j’ai réalisé que c’était réel. Henry Wolf m’a donné quelques pages à faire et un essai de couverture; Je n’ai pas eu la couverture, mais il a aimé les photos et il a dit: “Tu es plus fort que je ne le pensais.” Comment aimerais tu devenir un élément permanent ici? “Alors, j’ai dit:” Wow, êtes-vous sérieux!? “En un instant, je suis devenu photographe de Harper’s Bazaar.

Pisani – Alors, après le manteau de fourrure?

Sokolsky – Oui, d’une annonce avec le manteau de fourrure. OK, la prochaine chose, donc vous êtes un photographe Harper’s Bazaar. À cette époque, Richard Avedon était le plus grand photographe du Bazar, prenant des photos classiques de la haute société. J’étais nouveau au magazine et j’étais considéré comme l’enfant. En essayant de créer une vision personnelle, j’ai décidé de photographier des femmes montrant de l’émotion dans des endroits que la classe privilégiée ne fréquenterait jamais, par exemple, contre des murs écaillés d’immeubles anciens. La direction du Bazaar a décidé de rejeter mes photos, leurs raisons: « Les lectrices de Bazaar ne reconnaîtrait pas les endroits où vous mettez nos models. »En essayant de les encourager, je leur ai suggéré de considérer les arrière-plans de ma photo comme des textures impressionnistes. La personne qui m’a sauvé était la rédactrice de mode Diana Vreeland. Diana a dit que mes photos étaient comme des peintures impressionnistes et les a amenées à faire quelques pages. Lorsque les photos ont été diffusées, de nombreuses abonnées ont écrit des lettres: «Qui est ce nouveau photographe? “Enfin, j’avais trouvé un public.”

Pisani – Oui, je dirais que vous avez aidé à changer notre perception de la photographie de mode.

Sokolsky – J’ai vu mes photos de bulles à Paris comme si la fille dans la bulle était dans un vaisseau spatial en visite se mêlant aux citadins  à Paris. Les réactions des passants étaient une émotion naturelle. Il n’y avait aucune direction de ma part. Les personnes sur la photo étaient de véritables citadins vaquant à leurs occupations, à l’exception du fait que la présence de la bulle les stimulait.

Après le shooting, on m’a dit qu’Avedon avait dit que je ne ferais jamais décoller la bulle. À mon arrivée à Paris, j’ai du promettre à la direction que si les choses ne marchaient pas, je shooterai en studio.

Pisani – Savez-vous ce qui vous a donné envie de travailler à l’extérieur? Étiez-vous photographe de studio au début?

Sokolsky – Techniquement, il est plus facile de faire la photo de la bulle à l’extérieur en plein jour. Il faut réaliser que la bulle est une sphère réfléchissante qui reflète tout son environnement. La lumière à Paris en février est magnifique, ce qui en fait une situation idéale pour le shooting. Il faut remarquer que je n’utilisais pas de lumière car les lumières auraient crée des reflets disgracieux dans la sphère.

J’étais à Paris, et je faisait les collections de Paris, et je voulais donner au public un avant-goût de la ville. Plus important encore, je ne voulais pas prendre des images emblématiques habituelles telles que la Tour Eiffel. Je ne voulais pas que mes photos ressemblent à une publicité pour une brochure de voyage à Paris. Je voulais montrer Paris d’une manière plus intime et personnelle.

J’ai vu le shoooting comme un récit, avec un début, un milieu et une fin, à commencer par la couverture du Harper’s Bazaar du 63 mars. Dans cette couverture, nous regardons de l’autre côté du fleuve vers New York; vous voyez l’Empire State Building en arrière-plan.

La bulle atterrit alors à Paris flottant sur la Seine. C’est une histoire narrative qui nous emmène à travers différents quartiers de Paris et des habitants des petites villes voisines, se terminant de nuit au Pont Alexandre III.

Vous m’avez dit avoir vu une bulle dans une vitrine de Noël d’un grand magasin. J’ai remarqué un petit groupe de bulles dans une vitrine de grand magasin. Elles avaient environ 12 pouces de diamètre; il y avait des bulles de plexiglas affichant des chaussures et des sacs à main. Je suis entré dans ce magasin et j’ai demandé a l’étalagiste où il avait fait faire les bulles. Il m’a donné le nom du fabricant à Long Island. Je suis allé chez le fabricant avec un dessin de la bulle, deux hémisphères de six pieds de haut ont coûté 2 500,00 $ chacun en 1963. J’ai fait fabriquer deux hémisphères. Ensuite, j’ai fait fabriquer les anneaux et boulonné chaque anneau à un hémisphère. Entre les deux anneaux, j’avais un câble d’avion 1/8 ″. Mon directeur de studio Eli était mal à l’aise de mettre un modèle dans la bulle et de le suspendre à un câble mince. Je lui ai fait louer une petite grue, du genre qui met des panneaux dans le quartier. J’ai attaché le câble 1/8 ″ autour du pare-chocs d’une vieille voiture et j’ai demandé au grutier de soulever la voiture. La grue a soulevé la voiture sans effort, j’ai ensuite demandé à Eli: “Combien pèse Simone?” sûr qu’il peut ramasser 200 lb, le câble de l’avion a une garantie de test de 8500 lb. Donc, s’ils peuvent lui faire confiance sur les avions, pourquoi avez-vous peur que cela se brise? »Il dit:« Il semble si mince, difficile à croire. Alors, comment va-t-elle sortir? »J’ai dit:« Eli, en bas, nous aurons une autre charnière et une goupille avec une boule de rétraction à la pointe. Vous retirez la goupille attachée à un câble fin et la charnière se détache ». Toute ma vie j’ai été mécaniquement incliné  comme si j’avais fait toutes ces choses dans une autre vie.

Pisani – Wow, il a fallu un peu d’ingénierie pour y arriver.

Sokolsky – Je ne sais même pas comment expliquer mes idées. Je n’étais pas ingénieur.

Pisani – Le musée Victoria et Albert a votre photo de bulle sur la Seine et l’a nommée l’image de mode la plus emblématique des cent dernières années.

Sokolsky – Oui, le Victoria and Albert Museum m’a rendu un hommage particulier. Une affiche avec l’image Bubble on Seine; V&A 100 ans de mode. Je vous enverrai l’affiche. Le musée a organisé un spectacle itinérant de leur collection de 100 ans d’images de mode. L’exposition s’est rendu en Australie, où les conservateurs ont choisi la bulle sur la Seine comme l’ image de mode la plus emblématique.

Pisani – Je voulais vous demander, vos photographies sont considérées comme étant très emblématiques, ce qui fait de vous une forme d’inspiration pour les photographes de mode aujourd’hui. Selon vous, quelles sont vos plus grandes influences dans la mode ou la photographie de mode en général?

Sokolsky – J’ai aimé les photos d’Irving Penn parce qu’il a créé des images qui étaient ce que je considérais comme sa palette de signature. À la fois dans la conception et l’éclairage.

Pisani – Diriez-vous que Irving Penn est peut-être l’une de vos plus grandes influences?

Sokolsky – Je dirais que j’ai beaucoup de respect pour Penn, mais je ne pense pas qu’il m’ait influencé. J’ai un grand respect pour sa vision personnelle. Ma plus grande influence est celle des peintres. Les peintres créent des palettes et des idées distinctives. Si vous regardez Van Gogh, c’est une palette entièrement différente de Renoir. Je veux que mes photos reflètent mes idées et mon éclairage. Pour être si unique que lorsque vous dites Sokolsky, des images viennent à l’esprit qui n’auraient pu être prises que par moi.

Pisani – Oui bien sûr.

Sokolsky – Aujourd’hui, nous avons l’iPhone, la même palette pour tout le monde. L’iPhone est un merveilleux outil. S’il n’est pas géré par quelqu’un qui a une vision, l’iPhone capture simplement une image banale. Si quelqu’un a une vision, on pourrait faire une collection Paris sur iPhone; Je créerais une palette de signatures pour mon iPhone dans Photoshop.

Pisani – Comment vos images ont-elles été reçues lors de leur première sortie? Je me souviens que vous m’avez raconté une anecdote la dernière fois que nous avons parlé que vous avez entendu quelqu’un qui regardait votre photo de bulle sur  la Seine en disant: “ce gars est vraiment bon à Photoshop mais comment?” Et je pense que c’est ainsi que les gens comprennent les images qui utilisent l’illusion comme la vôtre dans le monde d’aujourd’hui.

Sokolsky – Oui. Eh bien, si vous regardez cette image d’une bulle, la fille dans la bulle, et que vous ne croyez pas qu’elle a été shootée en direct, vous pensez que le gars l’a passée par Photoshop parce que Photoshop est un merveilleux outil.

Pisani – Parce que maintenant nous savons que Photoshop existe, mais en 1963, comment les gens ont-ils réagi à vos images?

Sokolsky – Au début, les gens pensaient qu’elles étaient merveilleuses, puis il y avait des gens qui disaient: “Que va-t-il faire pour se surpasser la prochaine fois?” L’histoire les a rendues plus emblématiques au fil du temps, car elles ont été exposées dans les musées internationalement.

Pisani – Vos photos sont très organiques; il y a une notion dans vos photos du poids, de la physicalité du modèle, de la bulle; il y a un sentiment de réalité.

Sokolsky – Eh bien, je veux qu’elles vivent dans un espace qui n’est pas tout à fait réel mais qui m’intéresse. J’ai créé des espaces imaginaires tout au long de ma carrière. Je construis mes décors pour refléter des mondes que j’ai imaginés. Lorsque l’espace et le modèle s’équilibrent, nous voyons le surréalisme comme une réalité.

Pisani – Je voulais vous demander, vous avez fait la série Bubbles en 63 ‘, puis vous avez fait la série Fly en 65 ′, quelle était la différence entre celles-ci? Pensez-vous que votre série bubble a inspiré la série Fly? Vouliez-vous aller plus loin?

 Sokolsky – Quand je pense à ma vie de photographe, le désir le plus important que j’ai est de créer des images qui donnent au spectateur un sentiment d’espoir et de joie. Je veux que le spectateur regarde mes photos et se sente bien. Pensez à vous réveiller et à regarder une de mes photos, et ça vous lance pour une belle journée. Je pensais que la série Fly donnerait une bonne sensation et serait également unique si je pouvais réaliser la vision que j’avais dans mon esprit.

Pisani – J’avais une question concernant Martin Munkacsi pour vous, mais je peux vous la poser après avoir terminé.

Sokolsky – J’ai répondu à une annonce dans le journal sur le partage d’un studio à New York. J’étais avec ma copine de l’époque; nous avions tous les deux une vingtaine d’années. C’était un vieil immeuble sur la quatrième avenue dans le bas de Manhattan. Nous avons été accueillis par un homme au fort accent européen. Il s’est présenté à nous, Martin Munkcasi. Son nom ne s’est pas inscrit dans mon esprit comme celui d’un photographe important. Il s’est immédiatement intéressé à ma copine, qui était plutôt belle et mannequin. Il m’a dit de regarder autour pour voir si l’espace fonctionnait pour moi. Il a ensuite demandé s’il pouvait photographier ma petite amie. Pensant qu’il était un vieux pervert, j’ai dit: “Pourquoi ne lui demandez-vous pas?”

Il a commencé à photographier ma petite amie pendant que je regardais autour du studio. Des tas de photographies mélangées s’appuyaient contre les murs tout autour de la pièce. J’ai été choqué de voir que chaque photo me paraissait aussi belle. J’ai appelé Munkacsi. “Ce sont vos photos?” Il m’a crié. “Pourquoi aurais-je des photos de quelqu’un d’autre dans mon studio?” J’ai été vraiment impressionné. Nous sommes revenus quelques jours plus tard pour voir les résultats des photos de ma copine. Elles ont été prises avec une caméra 8 × 10. Les images étaient assez belles. Munkacsi m’a regardé et m’a dit. “Quelque chose te tracasse?” Je souris et dis. “Bien, mais pourquoi ne vous êtes pas rapproché d’elle?” Il a souri et dit. «Je ne voulais pas déformer son joli nez.» Il a ensuite ramassé des ciseaux et coupé le tirage 8 × 10 en 4 × 5, sa tête remplissant le cadre, il a souri et a dit: «Vous aimez mieux ça?» Une grande leçon que je n’oublierai jamais.

Pisani – Comment avez-vous pu combiner vos aspirations artistiques particulières avec ce que Harper’s Bazaar attendait de vous?

 Sokolsky – J’ai eu beaucoup de problèmes au Bazar, mais j’avais aussi des gens qui m’ont soutenu. Certains des problèmes que j’avais étaient qu’ils pensaient que les photos étaient trop étranges. Laissez moi vous donner un exemple; J’ai fait toute une série de photos dans le métro de New York. Ils ne voulaient pas les publier.

Pisani – Pourquoi ça?

Sokolsky – Parce que la direction ne voyait pas ses abonnées prendre le métro.

Pisani – Alors, Vous avez dû lutter contre ça?

 Sokolsky – C’était ardu mais j’avais le soutien de Diana Vreeland et Henry Wolf. Tout a changé pour le mieux après avoir pris les photos de bulles.

OK, mais tout d’un coup, de nombreuses lettres sont arrivés et demandaient, qui est ce merveilleux nouveau photographe? C’est rafraîchissant de voir de nouvelles photos avec de nouvelles idées. Melvin passe du gars que vous vouliez renvoyer à «nous ferions mieux de le garder parce que les abonnées adorent ça.» Tout est question d’argent.

Tout ce que je dis, c’est qu’il y a certains besoins humains, et ces besoins humains doivent être satisfaits. Lorsque vous êtes photographe, il y a des besoins visuels qui doivent être satisfaits en fonction de ce que vous ressentez et pensez et voyez, et si vous les rencontrez à un niveau qui vous satisfait, cela vous plaît et vous obtenez une audience, vous arrivez au succès. Sinon, vous perdez ce succès.

Pisani – Historiquement, les visages des marques de mode étaient ses créateurs. On pourrait dire que ce sont les designers emblématiques qui représentaient les marques de mode, pensez-vous que c’est toujours la même chose aujourd’hui? La photographie de mode reflète-t-elle la culture de ce qui se passe en ce moment?

 Sokolsky – C’est censé l’être. Internet a beaucoup réduit cela.

Pisani – Selon vous, quelles seront les futures innovations? Selon vous, quel sera l’avenir de la photographie de mode?

Sokolsky – C’est comme me demander s’il y a un élan sur la lune.

Pisani – Vous n’auriez pas d’opinion?

Sokolsky – Non, non, vous ne pouvez pas prédire l’avenir. Je crois que le temps guérit tout. Les musées voient quelque chose de spécial dans les images vintage. Le prix dans les galeries augmente. Une image qui s’est vendue à quelques milliers de dollars se vend maintenant à des centaines de milliers. Le plus important pour moi est que les images donnent de grandes sensations au spectateur.

Pisani – Si vous aviez un pouvoir spécial pour faire quoi que ce soit, quel serait-il?

Sokolsky – Je voudrais être invisible chaque fois que je veux l’être et avoir un appareil photo invisible avec moi.

Pisani –Wow, pourquoi cela en particulier?

Sokolsky – Si je pouvais me rendre invisible avec un appareil photo invisible. Je pourrais aller n’importe où et voir la vérité. Je n’aurais pas besoin de voir le monde comme il me parvient via Internet et les actualités. Je crois que les faits sont des faits. Il existe de grandes sources d’informations qui sont politiquement déformées. L’invisible Melvin Sokolsky peut rechercher et observer la vérité. Plus important encore, si vous ne travaillez pas et que vous n’avez pas d’imagination, vous n’allez pas arriver. Les gens se mettent en colère contre moi quand je le dis. Il n’y a pas d’application, il n’y a pas d’outil, il n’y a rien. Les outils n’ont pas de cervelle; les outils n’ont aucune idée. Les outils sont destinés à quelqu’un qui a une idée.

Pisani – Permettez-moi de vous demander alors, comment cela fonctionnait-il avec une équipe de production? Parce que quand j’ai lu le livre sur Paris, ça disait que vous aviez le modèle, vous aviez tout le monde qui était impliqué, et c’était probablement une équipe de 5-7 personnes peut-être plus.

Sokolsky – Mon studio était comme un studio de la Renaissance du passé. Nous avons tout construit, de la matière première au produit fini. Nous avons construit les décors en interne; Peint et décoré, développé et tiré les images, le client a obtenu le produit fini. Le studio était composé de personnes que j’ai formées.

Si vous tentiez de réaliser la bulle de Paris 1963, cela coûterait des centaines de milliers de dollars aujourd’hui; sans parler du coût exorbitant de l’assurance. Nous avons expédié tous les éléments de la bulle et l’équipe de mon studio à Paris.

Pisani – Diriez-vous que le modèle fait partie de l’équipe? Quelle est l’importance du modèle pour le shooting? Quelle est la signification de la relation entre le photographe et les modèles?

Sokolsky – Le talent du modèle est le plus important. J’ai testé des modèles dans la bulle pour voir qui était la plus à l’aise au dessus du sol. Simone était plus à l’aise dans la bulle que si elle était la pilote d’un vaisseau spatial.

Pisani – J’ai lu dans votre livre que vous aviez une très bonne relation avec elle (Simone) que vous pouviez vous comprendre simplement en utilisant des gestes.

Sokolsky – Oui, en d’autres termes, nous avons shooté beaucoup de choses ensemble; nous étions amis. Après un certain temps, nous avons établi un raccourci de mes gestes pour communiquer quand elle posait, ce qui était utile lorsqu’elle était dans la bulle. Je n’avais aucune relation personnelle avec Simone; en fait, elle était amie avec ma femme. Une certaine distance avec le modèle crée une dynamique de possibilités plus gratifiantes.

Pisani – Et les photos de vol avec Dorothea McGowan?

 Sokolsky – J’ai demandé à Dorothea si elle ferait les images volantes pour les collections de Paris en 1965, et elle a dit OK. Je l’ai montée dans le gréement et les tests ont été formidables. Puis une semaine avant notre départ pour Paris, son père est décédé. Pendant quelques jours, nous étions dans les limbes. Après mûre réflexion, elle a décidé de faire le shooting. Quand je regarde certaines photos aujourd’hui. Je trouve que Dorothea est si spéciale dans les images volantes en termes de geste; ça me donne envie de pleurer.

Pisani – Je voulais vous demander de terminer, cependant, nous pouvons continuer à parler, vous avez remporté un prix Lucy, vous avez remporté d’importants prix pour des publicités télévisées, vous avez la bulle et les photos en vol en tant que photographies de mode emblématiques. Que pourriez-vous tirer de votre carrière, quelle pourrait être la prochaine? Ou comment pensez-vous que vous serez vu à l’avenir?

Sokolsky – Après mûre réflexion, je me rends compte que tous les prix et récompenses ne sont pas aussi gratifiants que vous le pensez. Le plus important pour moi, c’est que les gens qui voient mes photos, puissent ressentir la joie et le sens de l’image. J’aimerais que mes photographies soient «Eye Music» (“Musique de l’Oeil”).

 

Holden Luntz Gallery

332 Worth Avenue Palm Beach, FL 33480

www.holdenluntz.com

 

 

 

 

 

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