CASPER FAASSEN NL 1975
Depuis son atelier de Leyde, Casper Faassen explore comment les collections des musées occidentaux se sont constituées et comment l’autorité culturelle s’est construite au fil de l’histoire. « Il est difficile de comprendre les récents développements géopolitiques sans un contexte historique plus large. Ces dernières années, on a pris de plus en plus conscience, en Occident, de la façon dont les histoires coloniales, impériales et racistes continuent de façonner le présent.
L’exposition solo à Rotterdam s’inscrit dans le cadre du projet ReCollection, mené depuis longtemps par Faassen. À travers un processus qu’il qualifie de « ReCollecting », Faassen retrace le parcours d’objets dispersés et les retravaille dans son langage caractéristique. Les objets sont présentés comme des souvenirs et regroupés selon de nouveaux ensembles partageant des contextes controversés similaires.
Pendant le salon, Faassen présentera sa propre collection de ces objets, qui occupent chacun leur place dans le débat. Un Ganesha, restitué par le Wereldmuseum à la République d’Indonésie en 2024, représente les objets qui ont depuis été rendus à leurs pays d’origine, tout en continuant à porter en lui la responsabilité des actions passées. Dans d’autres vitrines, on voit des sculptures en marbre qui continuent d’être exposées en bonne place dans les musées européens et font l’objet de controverses. Les marbres du Parthénon, qui restent dans la collection du British Museum malgré des demandes explicites de restitution, en sont peut-être l’exemple le plus célèbre.
JOOST VANDEBRUG NL, 1982
« Not Yet The Image » rassemble de nouvelles œuvres qui explorent la manière dont les images se dessinent à travers la perception, la mémoire et le temps. Construites à partir de multiples photographies prises en modifiant subtilement la distance et le point de vue, puis assemblées sur des cartes, des plaques et divers matériaux, ces œuvres échappent à une reconnaissance immédiate et se composent progressivement à partir de fragments et de vues partielles.
Inspiré par les premières expérimentations photographiques et les études systématiques des plantes menées par Karl Blossfeldt, Vandebrug adopte un regard tout aussi attentif et sériel, mais le tourne vers l’instable, l’entre-deux et le non-encore-nommé. Plutôt que de présenter des représentations figées, les œuvres mettent en scène le regard comme un processus actif : les images se dévoilent lentement, invitant le spectateur à les assembler pièce par pièce, comme s’il rencontrait le monde avant qu’il ne s’installe dans la certitude.
ADAM JEPPESEN DK 1978
Adam Jeppesen est un photographe et artiste visuel danois qui vit et travaille entre Copenhague (Danemark) et Maldonado (Uruguay). Il est connu pour son langage visuel calme et méditatif et sa pratique artistique fortement axée sur la matière. Le travail de Jeppesen évolue avec fluidité entre la photographie, la sculpture et l’installation, souvent créé à travers des processus analogiques lents tels que la photogravure, le cyanotype et l’anthotype. Au cœur de son approche se trouvent les thèmes de l’impermanence, de la trace, du hasard et de la lenteur de la production artistique.
La série « Tanks » marque la poursuite de l’exploration par Jeppesen de la photographie dans l’espace sculptural. Dans ces œuvres, de la soie imprimée par cyanotype est suspendue dans des réservoirs en verre remplis d’huile minérale, créant ainsi des objets délicats et évocateurs. Les réservoirs explorent les notions de préservation
LAURENCE AEGERTER F 1972
L’œuvre très riche de Laurence Aëgerter comprend des séries photographiques, des installations in situ, des projets communautaires et des livres d’artiste, abordant la transformation permanente qui réside dans l’essence même des choses.
Ici encore, l’histoire et la pratique artistique contemporaine se rencontrent. La lithophane a été mise au point au cours de la première moitié du XIXe siècle dans le cadre de la recherche sur l’image. Lors d’une résidence dans une manufacture de porcelaine, Aëgerter a créé une remarquable série de lithophanes qui témoigne de sa maîtrise des panneaux de porcelaine translucide extrêmement fins (6 mm). Lorsqu’elles sont éclairées par l’arrière, par la lumière du jour ou artificielle, les images gravées se révèlent progressivement, apparaissant avec une luminosité subtile, presque spectrale.
Les œuvres s’inspirent des images des Archives de la Planète, projet visionnaire d’Albert Kahn du début du XXe siècle visant à créer un témoignage photographique des cultures du monde entier. Invitée par le musée à s’approprier ces archives extraordinaires, Aëgerter réinterprète ces photographies historiques à travers le médium fragile de la porcelaine. Dans ses lithophanes, la mémoire émerge littéralement à travers la lumière, transformant des documents d’archives en objets intimes et lumineux, suspendus entre le passé et le présent.
DANIELLE KWAAITAAL NL 1964
Danielle Kwaaitaal est une photographe et artiste visuelle basée à Amsterdam dont le travail explore les possibilités de transformation de l’image photographique. Pionnière de la photographie manipulée numériquement depuis le début des années 1990, Kwaaitaal considère l’appareil photo comme un outil permettant de construire des images plutôt que de documenter la réalité. La pratique de Kwaaitaal s’est développée parallèlement à l’émergence de la photographie numérique à la fin des années 1980 et au début des années 1990, lorsqu’elle a commencé à expérimenter les premières technologies de traitement d’image telles que Paintbox. Plutôt que d’utiliser les techniques numériques pour perfectionner les images, elle s’en sert pour réinterpréter la réalité.
Au cours de la dernière décennie, la pratique artistique de Danielle Kwaaitaal s’est entièrement déroulée sous la surface de l’eau. Avec sa nouvelle série Silverlining, Kwaaitaal remonte des profondeurs pour revenir au paysage terrestre. Cette œuvre marque un moment de transformation – un élargissement de sa recherche artistique et un pas vers un terrain inconnu. Ce changement est à la fois symbolique et profondément personnel : l’artiste retrace son chemin vers les paysages qui lui offraient autrefois un réconfort dans sa jeunesse, tout en explorant comment la mémoire et la perception se font écho, se déforment et se remodèlent mutuellement.
PAUL CUPIDO NL 1972
L’affinité de Paul Cupido pour le monde naturel est née d’une enfance passée sur l’île néerlandaise de Terschelling, où le flux et le reflux des marées et les cycles de la lune reflètent le caractère éphémère de la vie.
Le travail de Cupido s’inspire également de la photographie japonaise ainsi que de ses voyages dans ce pays. Les principes philosophiques japonais, et en particulier celui du « Mu », imprègnent sa pratique créative. Le « Mu » pourrait être traduit librement par « absence » ou « vide », bien qu’il recèle un potentiel. Son économie de forme et ses compositions lyriques, qui englobent le paysage, le portrait et la nature morte, invitent à regarder au-delà du visible, tandis qu’il fait preuve d’une attention rigoureuse à la qualité de l’impression et au choix du papier. Il photographie abondamment lors de ses voyages et réfléchit aux résultats ensuite ; après une période de contemplation, cela se traduit par un nouveau voyage de découverte, au cours duquel le montage intuitif d’images apparemment sans rapport les unes avec les autres conduit à des combinaisons fortuites.
ANGEL ALBARRAN (E 1969 ) ET ANNA CABRERA (E 1969)
Angel Albarrán et Anna Cabrera travaillent en collaboration en tant que photographes d’art depuis 1996. Une riche philosophie intérieure sur la mémoire et l’expérience ainsi qu’une curiosité particulière pour la chimie photographique guident leur pratique esthétique. Influencés par des penseurs et des artistes tant occidentaux qu’orientaux, leurs photographies remettent en question nos a priori sur le temps, le lieu et l’identité afin de stimuler une nouvelle compréhension de notre propre expérience et de notre propre perception.
Albarrán Cabrera s’intéresse à des thèmes très intéressants tels que le temps, la réalité, l’existence, l’identité et l’empathie, mais ce qui les fascine le plus, c’est la relation entre ces éléments. Ces relations sont difficiles à expliquer avec des mots, c’est pourquoi ils s’appuient sur l’image. Albarrán Cabrera considère ses photographies comme des objets à part entière : ils réalisent eux-même les tirages à la main dans leur studio, en utilisant un large éventail de procédés et de matériaux. En mêlant des éléments de la tradition artistique orientale à la lumière, aux couleurs et aux ambiances de la peinture occidentale, ils parviennent à créer un équilibre entre les deux dans leurs tirages.
MARGRET LANSINK NL 1961
En période de bouleversements, la clarté ne vient pas d’une réaction plus rapide, mais d’un retour au calme. Le silence aiguise la perception. Il ralentit notre sentiment d’urgence et permet à ce qui se déroule de devenir visible dans le monde qui nous entoure et en nous-mêmes. À partir de ce calme attentif, la compréhension commence à prendre forme.
La superposition est au cœur de la pratique de Lansink. En s’appuyant sur ses propres images photographiques, Lansink construit et retravaille des représentations de paysages et de surfaces matérielles à l’aide de méthodes lentes et axées sur le processus. Les étapes antérieures ne sont pas effacées mais restent enfouies sous la surface, permettant à chaque œuvre de conserver les traces de sa propre genèse. Sa pratique aborde la mémoire, la perception et la transformation au fil du temps. Elle s’inspire d’artistes tels que Gerhard Richter et Lorna Simpson, ainsi que de réflexions philosophiques et littéraires. Travaillant à la fois avec la photographie et les techniques mixtes, Lansink met l’accent sur la présence matérielle et l’intensité tranquille du temps qui passe.
Maintenant à Zurich: RENATURE – INKA & NICLAS, JOOST VANDEBRUG, ADAM JEPPESEN AND DOUGLAS MANDRY ZURICH 21 March – 23 May 2026
Maintenant à Amsterdam : JOOST VANDEBRUG – NOT YET THE IMAGE AMSTERDAM 13 March – 30 May 2026
John Devos
johndevos.photo (a) gmail.com
