Il s’agit du douzième volet de la série en ligne de la Peter Fetterman Gallery intitulée The Power of Photography mettant en évidence l’espoir, la paix et l’amour dans le monde. Nous vous invitons à apprécier et prendre le temps de la réflexion sur ces œuvres.
George Tice (1938)
Petit’s Mobil Station, Cherry Hill, New Jersey, 1974 (Printed 2007)
© George Tice/Courtesy Peter Fetterman Gallery
George Tice est l’un des vrais grands de la photographie américaine et cette image est l’une des plus belles photographies américaines classiques de tous les temps.
Je l’adore depuis mon arrivée en Amérique en 1979. Le sujet peut paraître banal. Une station-service dans le New Jersey, où la plupart de ses superbes images ont été faites, mais elle est fascinante et obsédante.
George n’a pas beaucoup voyagé dans sa carrière. Il a trouvé une multitude de sujets juste à sa porte. Cette image dégage une grande sensation d’humeur et a des couches de sens et même une légère mélancolie et donne un sentiment de solitude de la même manière que les meilleures peintures d’Edward Hopper vous affectent. C’est dans la beauté physique de l’impression.
George a perfectionné ses compétences en chambre noire au cours de six décennies d’une éthique de travail intense comme personne d’autre. Comment arriver à Carnegie Hall? Comment créer une impression qui brille et vous surprend par sa beauté profonde? Expérience et dans un don de dieu de talent et d’un œil rares.
C’est un bel exemple de la poétique du lieu. Grâce au travail de George, j’ai appris à mieux comprendre l’Amérique et à apprécier toutes ses myriades de petits miracles et moments.
Merci George pour près de 40 ans d’inspiration et d’amitié.
Berenice Abbott (1898-1991)
Frank Lloyd Wright, 1954
© Estate of Berenice Abbott/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Berenice Abbott a été l’une des grandes photographes du XXe siècle. Son ambition initiale était de devenir sculpteur mais après avoir vécu en Europe dans les années 1920 et s’être retrouver à Paris en tant qu’apprentie et protégée du grand Man Ray, elle a découvert son vrai don, celui de la photographie.
Elle est revenue à New York et a produit l’un de ses grands projets «Changing New York», l’un des grands documents architecturaux de l’histoire de la photographie.
Il s’agit d’un «joyau» rare, presque inconnu dans son travail estimé que j’ai rencontré pour la première fois il y a près de 25 ans par accident et que je l’aime depuis. D’une certaine manière, elle était presque destinée à rencontrer probablement le plus grand architecte du XXe siècle Frank Lloyd Wright dans ses dernières années. Compte tenu de son grand don de faire vivre des bâtiments. Le grand homme visitait New York en séjournant au Plaza Hotel pour se préparer à ce qui s’est avéré être son dernier grand projet, le monument à la culture à couper le souffle et innovant et l’un de mes bâtiments préférés à visiter, le musée Guggenheim. Ici, il est presque un grand morceau d’architecture lui-même, grandiose, majestueux mais avec la vulnérabilité que la vieillesse apporte inévitablement.
Il regarde par la fenêtre vers l’endroit où sera son bâtiment avec une touche pathétique qu’Abbott fait ressortir habilement en sachant que ce sera son dernier projet important.
Il mourut en 1959, six mois avant l’ouverture de son dernier chef-d’œuvre, un bel hommage à son génie.
Comme il l’a dit un jour: «Plus je vis, plus la vie devient belle.»
Inconnu
Japanese Women, c. 1870’s
Courtesy Peter Fetterman Gallery
Au début de ma collection, j’avais et je suis toujours passionné par la photographie de voyage du 19e siècle.
J’avais une envie de voyager visuellement et le désir d’en apprendre davantage sur d’autres pays et leurs peuples. Cette porte d’entrée m’a été donnée par un groupe incroyable de photographes qui, non découragés par les difficultés du voyage et souvent accablés par un équipement photographique encombrant, sont partis à travers le monde à la recherche d’aventures et de découvertes qu’ils ont ramenés en Occident.
Ces explorateurs intrépides étaient parfois des soldats, des diplomates, des scientifiques et même des missionnaires. Leur première préoccupation était d’enregistrer le paysage, les sites archéologiques et les monuments architecturaux célèbres avant de se tourner vers les peuples autochtones rencontrés.
Ce qui rend cette image spéciale pour moi, c’est que le photographe a pris cette image de dos ajoutant une telle aura de mystère et de beauté à ces femmes.
Marc Riboud (1923-2016)
Antiquary Windows, Beijing, China, 1965
© Estate of Marc Riboud/ Courtesy Peter Fetterman Gallery
Aucun pays au monde n’a plus changé aux XXe et XXIe siècles que la Chine. Cela change chaque jour au fur et à mesure que j’écris ces mots.
Marc Riboud était là avec son grand œil et son talent et son appareil photo lors de multiples voyages pendant quatre décennies. Il a parcouru les rues et les villages de la ville et capturé ses cultures et traditions et son étreinte presque ironique du capitalisme occidental à partir de son idéologie originale.
C’est, je pense, sa plus grande image chinoise. Sa composition est superbe et sophistiquée et ses couches d’histoires profondes. On peut presque dire avec certitude que toute vie humaine est ici peuplée de générations diverses. Son humanité et sa puissance sont universelles, ce qui témoigne de sa grandeur en tant que photographie.
Comme le dit le proverbe chinois, « Préférez le moment fortuit au moment choisi. »
Eugene Robert Richee
Marlene Dietrich, c. 1935/Printed 1935
© Estate of Eugene Robert Richee/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Eugene Robert Richee était un photographe de portrait exceptionnel et a contribué à définir l’ère du glamour hollywoodien de la période glorieuse. Il a dirigé le studio Paramount Pictures Portait pendant 20 ans, puis a déménagé dans le lot Warner Brothers. Il a capturé la beauté et l’attrait d’acteurs classiques tels que Gloria Swanson, Claudette Colbert, Carol Lombard Louise Brooks, Veronica Lake, Anna Mae Wong et Gary Cooper, entre autres. Vraiment un who’s who du vieil Hollywood dont nous admirons et respectons encore les films phares à ce jour.
Marlene Dietrich était une actrice et interprète unique en son genre, de son rôle de Lola-Lola dans « The Blue Angel » à sa performance inoubliable dans « Judgment à Nuremberg » en co-vedette avec Spencer Tracy, Burt Lancaster et Maximillian Schell. J’ai vu de nombreux grands portraits de Dietrich au fil des ans réalisés par des personnalités comme Cecil Beaton, Irving Penn et Alfred Eisenstaedt, mais aucun d’entre eux ne se rapproche de la beauté physique de cetteimage qui est aussi séduisante que toutes les poses de Dietrich.
Comme je l’ai déjà mentionné dans ces articles, la collection est très autobiographique et je suis sûr que c’est l’une des raisons pour lesquelles j’ai acheté cette image. Enfant, grandissant à Londres, j’étais un collectionneur d’autographes obsessionnel. Hé, il ne fallait pas d’argent à part quelques dollars pour un livre. J’ai principalement collectionné les autographes de tous les grands musiciens de jazz qui ont joué dans la ville Ella Fitzgerald, Duke Ellington, Count Basie, Ray Charles. La sécurité était inexistante à l’époque. Un enfant maigre pouvait se glisser dans les coulisses sans trop de problèmes. Un jour, j’ai lu que Marlene Dietrich jouait cette semaine-là lors de sa tournée de chant d’adieu. Je suis parti, j’ai obtenu un billet bon marché au balcon le plus haut. Une performance incroyable même si sa voix s’estompait, l’attrait était toujours là. Je me précipite dans les coulisses. Sécurité serrée inhabituelle. Je ne peux pas me glisser dedans. Une grande foule dehors avec leurs livres d’autographes. Impossible de se rapprocher. Elle signe quelques livres puis est escortée vers sa limousine.
Pour une raison folle, je cours jusqu’à la sortie la plus éloignée où la voiture doit passer, la voiture s’arrête et je m’approche de la voiture, livre en main et vous ne pouvez pas inventer la suite.
Je vais à l’arrière de la voiture .. Personne d’autre n’est là. Dietrich est à l’arrière. J’appuie le livre contre la fenêtre avec ce qui a dû être un air suppliant et comme une scène d’un film, elle fait descendre la vitre. Je lui ai donné le livre. Elle l’a signé et le rend. Remonte la vitre et la voiture accélère.
Je suppose qu’une fois un collectionneur, toujours un collectionneur.
Humphrey Spender
Newcastle United Football Club Changing Room, 1939
© Estate of Humphrey Spender/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Humphrey Spender a été formé pour devenir architecte à la prestigieuse école d’architecture de Londres, l’AIA, mais n’a jamais exercé. Au lieu de cela, il est devenu un photographe autodidacte estimé. Il fait partie d’un groupe de créatifs appelé conjointement «Observation de masse» qui se sont regroupés avec la philosophie selon laquelle les gens de la classe ouvrière «normaux» ne savaient rien de leurs voisins d’à côté et ont créé un ensemble impressionnant de travaux pour enregistrer la réalité de la vie quotidienne en Grande-Bretagne. Il devient par la suite photojournaliste pour d’importants journaux anglais comme le Daily Mirror et le Picture Post avant d’abandonner la photographie pour devenir artiste et designer textile.
Son travail est relativement inconnu et rare. Il avait tendance à cacher son petit format 35 mm justifiant sa position d’«observateur non observé». Cette image est une si grande «tranche de vie». Son travail est dans des musées distingués, y compris le Yale Center for British Art à New Haven, CT.
Il y a quelques années, j’ai exposé l’un de ces tirages à la galerie et un homme est venu et a dit: «Mon ami est un collectionneur et j’aimerais l’acheter pour son anniversaire. Je sais qu’il adorera ça.
Il s’est avéré que son ami était Elton John qui, comme nous le savons tous, possède l’une des plus grandes collections privées de photographies au monde.
Je suis tellement content que la photographie ait trouvé une maison aimante.
Andre Kertész (1894-1985)
Pipe and Glasses, Paris, 1926
© Estate of Andre Kertesz/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Kertész aimait Paris et Paris l’aimait en retour en lui offrant autant de cadeaux au quotidien et ce fut sans aucun doute l’une des périodes les plus productives de sa longue carrière.
En termes d’histoire de l’art, «Mondrian’s Pipe and Glasses» serait considérée comme une «nature morte», mais pour moi c’est tout le contraire. C’est en fait plein de vie. Je suis immédiatement transporté dans la vie bohème animée de Paris dans les années 1920 avec toute son énergie et sa créativité quand Kertész était inclus comme une figure de premier plan avec Léger, Chagall, Calder, Brancusi et bien sûr son collègue Mondrian.
C’est une image d’amitié et de respect mutuel de deux des plus grands artistes du XXe siècle. Kertész a distillé l’essence du credo de Mondrian «Simplifier, simplifier, simplifier» en l’une des plus grandes images modernistes de l’histoire du médium.
Son pouvoir réside dans la relation d’un objet à un autre et à travers ce dialogue visuel donne au spectateur une image mentale du propriétaire de ces artefacts et le lien entre le photographe et son sujet réel.
Sabine Weiss (b. 1924)
L’homme qui court, Paris, 1953
© Sabine Weiss/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Eh bien, Sabine est partie à vélo de sa petite ville suisse à Genève et n’est jamais revenue. Elle y a fait son apprentissage chez un photographe pendant quelques années, puis elle a fait un truc courageux sans connaître personne et sans avoir d’argent, elle a déménagé à Paris et a fait son apprentissage chez un photographe de mode, Willy Maywald. Après quelques années là-bas, elle pensait être prête à sortir dans le monde précaire de la photographie indépendante, c’est exactement ce qu’elle a fait elle s’est lentement établie et n’a jamais regardé en arrière. Elle a travaillé sans relâche avec une intensité féroce résolvant des problèmes de composition et de techniques pour tous les grands magazines et ses clients commerciaux, mais elle a quand même réussi à faire son propre travail et a créé un corps d’images humanistes égal à tous ses contemporains comme Boubat, Doisneau, Ronis, Izis et autres.
Lorsque vous vous asseyez avec elle, même à l’âge de 96 ans, l’intensité et le désir de perfection sont toujours là et sa passion est contagieuse.
J’adore l’imagerie nocturne et c’est l’une des meilleures et l’une de ses plus belles images. Elle a enrôlé son mari, le peintre américain Hugo Weiss, pour s’aventurer dans l’air froid de la nuit parisienne et elle est revenue avec un peu de magie. C’est presque comme une image d’un grand film noir « nouvelle vague » du cinéma français, plein de mystère et de suspense. Fuit-il quelqu’un ou se dirige-t-il vers une mission spéciale? On ne le saura peut-être jamais mais cela fait surtout partie de son attrait.
Comme le dit Sabine à propos de son travail, «Toutes les photos que je prends sont entièrement instantanées. Ce que j’aime, c’est faire une photo instantanée. Même s’il n’y a personne, j’aime le clic, le clic, le clic. Je n’attends jamais.
J’espère seulement que lorsque j’aurai 96 ans, je serai aussi plein d’énergie et d’esprit que Sabine.
Evelyn Hofer (Germany, b. 1922-2009)
Proprietor of the ‘Caracoles’ Restaurant, Barcelona, 1963
© Estate of Evelyn Hofer/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Evelyn Hofer était l’une des grandes héroïnes discrètes et méconnues de la photographie de portrait. Elle était une protégée du grand Alexey Brodovitch qui savait une chose ou deux sur la sélection des grands photographes. Elle a mené une vie très productive en collaborant avec des écrivains distingués fournissant des images perspicaces pour éclairer leurs textes comme Mary McCarthy «Les pierres de Florence», VS Pritchett «London Perceived» et «La présence de l’Espagne» de Jan Morris.
Elle a produit son propre grand corpus d’œuvres qui me rappelle August Sander. Le critique d’art new-yorkais très respecté Hilton Kramer a un jour plaisanté en disant qu’Evelyn était «la photographe inconnue la plus célèbre d’Amérique».
J’adore cette image. Cela me fait sourire chaque fois que je la regarde, surtout si vous êtes un «gourmet». Juste une joie humaine simple. Je n’étais jamais allé à Barcelone jusqu’à il y a quelques années, j’ai eu l’occasion de travailler avec des photographes espagnols. Je suis tombé amoureux de la ville et j’ai eu du mal à partir.
George Hurrell
Dolores del Rio, c. 1940s
© Estate of George Hurrell/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Je ne suis pas sûr de croire tout à fait ce que dit George. Si cela avait été aussi simple, il y aurait eu un bus rempli de Hurrells dominant le terrain, mais il n’y en avait pas. Il était à peu près dans une classe à part, comme en témoigne ce portrait extraordinaire de Dolores Del Rio, la pionnière du crossover Hollywood Latina Actress Actrice de cinéma dont son amie Marlene Dietrich a dit un jour qu’elle était «La plus belle femme à avoir jamais mis les pieds Hollywood. » Elle avait un statut presque mythique et a été peinte par Diego Rivera et photographiée par de nombreux grands photographes, dont Edward Steichen, mais c’est certainement la plus belle image d’elle que j’ai vue. Cela a une résonance particulière pour moi car j’ai eu la chance de visiter il y a quelques années l’étonnante maison qui a été conçue pour elle et son mari, concepteur de production, Cedric Gibbons, par Douglas Honnold et George Vernon Russell à Santa Monica Canyon en 1929. Je n’avait jamais vu une maison comme ça.
Il est difficile d’imaginer que dans les années 30 et 40, il n’y avait pas de télévision, pas d’Internet, pas d’instagram ou de médias sociaux, pas de streaming et que les gens se précipitaient vers les films et lisaient des magazines pour trouver leur divertissement. Et les images produites par Hurrell et ses contemporains étaient la façon dont les gens ont découvert ce qu’était «Au Courant».
Un temps plus simple en effet.
Peter Fetterman Gallery
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Santa Monica, CA 90404
