Vincent Peters (né en 1969, Brême, Allemagne) est aujourd’hui l’un des photographes les plus renommé et les plus éstimé au monde. À l’âge de 20 ans, il s’installe à New York afin de travailler comme assistant photographe; en 1999, Peters a rejoint l’agence de Giovanni Testino. Peu de temps après, sa carrière a commencé à décoller avec les marques de luxe Bottega Veneta, Hugo Boss, Emporium Armani et Lancôme parmi ses clients, et des magazines comme GQ, Vogue et Esquire publiant son travail.
Le travail de Peters a été exposé dans toute l’Allemagne ainsi qu’à l’étranger, avec une exposition solo extrêmement réussie à Fotografiska Stockholm en 2019 et plusieurs expositions prévues pour les prochains mois à la galerie 29artsinprogress (Milan) et à Saint-Pétersbourg, Venise et Berlin.
Dans la perspective de ses expositions à venir et de ses nouvelles œuvres en préparation, nous nous sommes récemment assis avec lui et avons discuté de Quoi de Neuf.
Nadine Dinter: Ibiza, New York, Paris, Berlin. Quelle ville vous a le plus inspiré et laquelle représente quelle étape de votre vie et de votre carrière?
Vincent Peters: Vous avez oublié Londres – c’était là avec des magazines comme Dazed et The Face où ma carrière a commencé. C’est aussi là que j’ai fait les premières couvertures de Vogue. Cela me surprend encore à quel point le caractère de chaque ville est particulier et à quel point les influences sont différentes même si nous semblons si connectés. Je pense beaucoup aux ambiances cinématographiques: NYC est pour moi French Connection ou Taxi Driver. Paris est À bout de souffle ou L’Ascenseur pour l’Échafaud. Les deux ont du jazz mais les humeurs sont si différentes quand on analyse leur influence. Vous devez être ouvert au mystère du lieu et ne pas essayer de l’expliquer.
ND: Au cours des derniers mois, vous avez vécu et travaillé à Berlin. Comment la ville vous traite-t-elle? Avant et pendant les périodes de coronavirus?
VP: Berlin a été difficile pour moi, je dois l’admettre. Peut-être à cause de ce moment spécial de la vie – mais je ne trouve rien de poétique ou d’inspirant entre les bâtiments et les lieux en béton. C’est comme un gars battu avec un nez cassé qui était joli et qui est fatigué maintenant de ce qui lui est arrivé.
ND: Berlin est connue pour ses VIP qui traînent dans des endroits tels que le restaurant Borchardt, etc. Pour quelqu’un comme vous, ayant travaillé avec d’innombrables stars internationales, que pensez-vous de cette «scène»? Est-ce un groupe auquel appartenir?
VP: Je souhaite que l’Allemagne n’agisse pas de façon inférieure envers des endroits comme NYC, Paris, etc.
Mes préférés sont les Allemands qui sont obligés de se parler anglais (avec un fort accent allemand) à Soho House!?! Je ne peux pas imaginer un endroit qui essaierait d’être « international » et forcerait les gens à parler allemand à New York – tout cela semble très désespéré. Il a cette saveur du complexe de l’après-guerre de 1950 où tout ce qui était bon venait de l’extérieur. On dirait que le complexe qui a conduit à Peter Kraus en tant que « Elvis Allemand» ou Horst Buchholz en tant que « James Dean Allemand» n’a jamais disparu.
ND: Depuis plus de 30 ans, vous travaillez en tant que photographe et avez acquis une renommée internationale grâce à votre façon unique de représenter le Who’s Who – de Monica Bellucci, Charlize Theron et Emma Watson à Alexander McQueen, John Malkovich et Michael Fassbender. Parlez-nous un peu de votre façon particulière de travailler.
VP: Je pourrais parler de technique mais c’est tellement hors de propos. L’image elle-même n’est qu’une feuille de route, un rétroviseur, où vous découvrez votre propre désir. Nous, les professionnels, créons le monde que nous aimons voir, nous espérons le trouver. La nostalgie et la photographie sont toujours liées. Une bonne interprétation de la nostalgie est un besoin de choses que vous n’avez jamais ressenties. La photographie – rester dans la langue – est un positif qui est une impression – et les besoins et les déficits du photographe sont le négatif d’où elle vient; le conscient rencontre l’inconscient, le silence la parole. Quelque chose d’inachevé vous pousse à travailler et à créer ce que vous n’avez jamais eu, à certains égards.
ND: Une anecdote spéciale d’une séance photo que vous pourriez partager avec nous?
VP: Je ne les partage pas sur les photos? Oui, j’ai plein d’histoires, mais j’écrirais trop et trop longtemps. Pas plus tard qu’hier, j’étais assis dans un café et deux filles échangeaient des histoires d’actrices, comme si elles les connaissaient. Nous pensons tous que nous connaissons ces «célébrités» parce qu’elles ne sont que des miroirs de nous-mêmes, des projections.
ND: Au cours des 10 dernières années, tout, de la scène de la mode au monde des magazines en passant par la photographie, s’est accéléré et est devenu extrêmement axé sur la technologie. Comment vous voyez-vous dans ce contexte et comment cela a-t-il affecté votre façon de travailler?
VP: Il y a beaucoup à écrire sur notre besoin d’accélérer tout dans la vie et comment nous nous retrouvons toujours avec moins de temps. C’est une obsession culturelle profondément liée à la photographie. La première photo a pris huit heures; aujourd’hui, nous prenons plus de photos en deux heures que pendant les 150 années de photographie réunies. Nous voulons que tout soit disponible – mais nous perdons le lien avec ce que nous faisons. Je pense que Joseph von Eichendorff a écrit « il y a une chanson qui dort en toutes choses » – mais quand le monde que nous photographions se calme, nous utilisons des effets et des filtres pour tromper cela. Max Weber l’appelle le «désenchantement»: le monde perd la magie qu’il avait quand nous étions enfants…
C’est cette magie de l’inconnu qui reste avec nous – pas les 400 images iPhone nettes du même moment que nous essayons de garder. Quelqu’un qui pense qu’une image est technique, c’est comme demander à un écrivain quel stylo et papier il utilise. Ce n’est pas l’image qui compte mais le sentiment que vous gardez quand il est parti. Je suis déçu quand les gens essaient de montrer leurs compétences techniques. Tu veux m’impressionner? Faites ensuite une image sincère, honnête et véridique plutôt que de vous cacher derrière un ensemble de compétences.
ND: Après vous être concentré sur le portrait humain, vous avez également commencé à aborder d’autres sujets récemment. Veuillez partager quelques idées et exemples.
VP: J’aime toujours, quand les gens peuvent exprimer la complexité et l’unicité de leur vision dans tout, pas seulement dans un sujet. Si c’est complexe et montre un monde dans leur esprit. J’ai donc voulu voir comment c’est quand je photographie des animaux et ce qui se passe quand j’utilise la lumière de la même manière que celle que j’utilise avec les actrices hollywoodiennes. Lorsque nous photographions des choses, nous pouvons confirmer leur signification – ou changer complètement leur signification.
ND: En ce moment, vous discutez d’un nouveau mégaprojet avec Balmain, l’une des maisons de couture parisiennes les plus réputées. Pouvez-vous nous en dire plus?
VP: Oui, j’ai eu l’idée de photographier certains des vêtements les plus emblématiques des images de mode classiques des années 1950 et 1960. Il est difficile d’y accéder. Ce sont des pièces photographiées par Avedon, Penn, etc. Je voulais voir comment je procéderais, bien que je ne puisse pas photographier les mêmes modèles. Je pense que ce sera une expérience intéressante et j’espère en tirer des leçons.
ND: Jusqu’à présent, il semble que vous vous en tenez toujours à la photographie analogique, principalement en noir et blanc. Vous n’avez jamais été tenté de passer à la couleur?
VP: Je ne le fais pas toujours. J’ai fait environ 70% de couleurs lorsque je travaillais comme photographe de mode. Une fois, j’ai dû m’excuser personnellement auprès du rédacteur en chef de Vogue France parce que j’ai fait une histoire en noir et blanc sans autorisation. Il s’est avéré un jour que les photos en noir et blanc que je fais sont plus honnêtes et personnelles pour moi, et c’est ce que je voulais que mon travail soit. Le noir et blanc ou la couleur ne sont qu’un moyen de parvenir à une fin, de trouver un moyen de vous retrouver dans votre travail de la manière la plus claire.
ND: Des conseils aux photographes en herbe de la prochaine génération?
VP: Vous avez une relation à la vie définissez le sentiment de base qui vous relie au monde et utilisez-le comme point de départ. Ne vous perdez pas dans une boutique en essayant de déterminer quel appareil photo ou programme acheter ou utiliser. Définissez votre travail émotionnellement de la manière la plus personnelle.
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