Michael Diemar publie le magazine THE CLASSIC, l’article suivant de Mary Pelletier est paru dans le dernier numéro.
« Continuez à chercher : vous venez de commencer ! » C’était une directive que j’ai entendu souvent au cours de la journée que je passais à regarder des photographies avec le marchand et collectionneur Robert Hershkowitz. L’occasion? Je m’étais rendu dans le West Sussex pour voir la sélection de photographies choisies pour sa prochaine exposition à Photo London: The Magic Art of French Calotype. Paper Negative Photography 1846–1860. Par une journée d’hiver venteuse, je me suis retrouvée dans sa grange à la campagne, entourée des plus grands noms de l’histoire de la photographie française.
D’un côté, une photographie de Charles Nègre de 1851 était appuyée contre un mur. Le portrait d’un vendeur ambulant orné de cloches était associé à son négatif papier original, la figure fantomatique éclipsée par des blocs résolument modernes de couleur crème et marron. Un autre cadre abritait un tirage de Gustave Le Gray et Auguste Mestral, qui unissaient occasionnellement leurs forces dans le cadre de leurs Missions Héliographiques. Pour cette collaboration, le sujet était la cathédrale Saint-Front de Périgueux, sur fond de ciel cristallin. (Le négatif, conservé au musée d’Orsay, montre les tons noirs de jais utilisés pour obtenir une atmosphère positive et intacte.) Directement devant moi, un tirage d’André Adolphe-Eugène Disdéri. Une vue générale d’une propriété de campagne française révélait six, puis sept, puis neuf personnes à l’intérieur. « Continue de regarder! » Hershkowitz a insisté. Nous sommes finalement tombés sur le chiffre treize .
« Les premières photographies demandent de la patience, du temps et de l’engagement », m’a-t-il dit. « J’aime partager et quand je montre des photos aux gens, j’apprends toujours des choses que je n’ai même pas vues. » Ci-dessous, il explique sa motivation pour présenter les premières photographies française au public britannique lors de l’édition de Photo London de cette année.
Vous êtes apparu dans le tout premier numéro de The Classic, parlant de l’exposition Roger Fenton que vous avez organisé pour Photo London 2018. Vous travaillez désormais sur une nouvelle exposition pour la foire. Quel est l’objectif cette fois-ci ?
Pour cette édition de Photo London, j’organise une exposition intitulée The Magic Art of French Calotype: Paper Negative Photography 1846–1860. Tout l’intérêt de cette exposition est que les premières photographies françaises sont totalement nouvelles pour le public anglais. La photographie calotype française est presque inexistante dans les institutions britanniques, avec peut-être quelques dizaines d’exemplaires enfouis parmi plusieurs milliers d’exemplaires britanniques. Et ceux-ci ne sont jamais exposés. Comment réagirait le public amateur d’art s’il n’avait aucune connaissance de Manet, Courbet, Delacroix, Ingres, Corot, Millet, etc., et qu’il assistait soudain à une grande exposition de peinture française du milieu du XIXe siècle ? Cela aurait un impact sérieux sur le public amateur d’art. C’est ce que j’espère – je fais du prosélytisme ! Je souhaite présenter ce matériau que j’aime au public amateur d’art britannique qui n’en a peut-être pas conscience.
The Magic Art of French Calotype tire son nom d’une publication marquante dans l’histoire de la photographie – pouvez-vous me parler de l’influence du travail d’André Jammes et d’Eugenia Parry Janis ?
Le titre de l’exposition est un hommage au livre de 1983 d’André Jammes et Eugenia Parry Janis, The Art of French Calotype. Lorsque la recherche et l’acquisition de belles photographies sont devenues la passion commune d’un groupe très mixte d’individus les plus férus d’art et d’institutions américaines et canadiennes à la fin des années 1970, les premières photographies négatives sur papier françaises étaient considérées comme les plus recherchées. Ce sentiment s’est solidifié avec The Art of French Calotype. Ce que j’ai le plus retenu du livre, c’est le sentiment d’Eugenia, son amour du matériau. C’est une historienne, mais on sent l’amour pour ce qu’elle écrit, et c’est très rare pour une historienne de l’art. Pour cette exposition, j’ai ajouté un autre mot au titre : magie.
D’où vient le mot magie ?
En 1851, Francis Wey disait : « La photographie a atteint le sentiment magique que ni la peinture ni le dessin n’auraient pu atteindre. » La photographie oscille entre la réalité concrète et l’étoffe dont sont faits les rêves. La magie. Le concept selon lequel « la photographie peut apprendre à l’esprit à voir » était une conviction répandue parmi la première génération de photographes. La magie. Les tirages photographiques peuvent être extraordinairement beaux. La magie. La photographie peut dématérialiser ce qu’elle regarde d’une manière ou d’une autre. Et c’est l’une des racines sous-jacentes de la magie. Mais il y a beaucoup de choses qui peuvent faire partie de la magie – une image peut être dure ou douce, elle peut avoir une gamme de sujets, la façon dont les choses sont cadrées – vous pouvez continuer encore et encore sur les éléments individuels qui font la magie. une photographie spéciale, mais quand on rassemble le tout en une seule image, c’est magique en lettres majuscules.
Quand vous est venue l’idée de faire cette exposition ?
Cela m’est venu lentement. J’ai probablement commencé à y réfléchir sérieusement il y a six ou sept ans. J’ai pensé à une ou deux possibilités, mais rien n’a fonctionné – et le temps presse à mon âge ! Ainsi, lorsque nous avons pu organiser l’exposition Fenton avec Photo London moins d’un an après y avoir pensé, et cela a été un succès, une autre exposition avec Candlestar et Photo London s’est imposée comme un choix évident. C’était fantastique de travailler avec eux.
Comment avez-vous procédé pour planifier une grande exposition, en termes d’obtention du matériel ? Quelle part provient de votre propre collection ?
Cela provient essentiellement des ventes aux enchères françaises, ou de marchands français. La plupart des photographies m’appartiennent, certaines sont en possession de longue date, d’autres sont des acquisitions plus récentes. Quelques photos que je possède avec d’autres, et j’en emprunte aussi. Au fil des années, de nombreux marchands et spécialistes français sont devenus de grands collègues et amis, notamment Serge Kakou, Bruno Tartarin et Serge Plantureux. Très tôt, la maison de ventes Beaussant Lefèvre vendit beaucoup de matériel ancien. Marc Pagneux était un incroyable marchand et une grande source, et il faisait les ventes aux enchères à la Galerie de Chartres. Plus récemment, je me suis approvisionné auprès de Christophe Goeury chez Millon, Antoine Romand chez Ader et Austin Farahar chez Chiswick Auctions.
Photo London a tendance à pencher vers le moderne et le contemporain en ce qui concerne les œuvres exposées ; Hans Kraus et vous-même avez apporté ces dernières années des œuvres du XIXe siècle à Somerset House, tant sur les stands que dans l’espace d’exposition public. Pourquoi est-il important de mettre ce matériau à l’honneur lors d’un salon très contemporain ?
De nombreux visiteurs au cours des années passées ont déclaré que notre stand était une oasis, si différente, si intéressante, si belle. De loin le meilleur du spectacle ! Cette année, sur notre stand et dans l’exposition française, nous avons peut-être notre dernière opportunité de toucher un public britannique avec de superbes photographies européennes anciennes. Notre stand, organisé et organisé par Paula, ma femme et co-directrice, présentera des photographies britanniques anciennes, notamment des images de Backhouse, Talbot, Hill & Adamson, Howlett et Cameron.
On m’a informé que l’exposition prévue contenait trop de photos pour servir d’introduction – mais j’ajoute encore des photos à la dernière minute !
Je parie que le novice absolu découvrira au moins dix moments significatifs et l’œil expérimenté un régal nuancé. Mais chaque novice en verra une dizaine différente. Un regard attentif et lent révélera des différences subtiles de couleur, des variétés de finesse dans l’enregistrement des détails et le genre de choses qui ravissent les connaisseurs. J’ai une devise pour le spectacle, et c’est l’amour de regarder, la joie de voir.
Quelles sont certaines des photographies que vous saviez que vous deviez inclure ?
Je devais avoir des paires de tirages négatifs. Ils sont comme des morceaux de la vraie croix, pour utiliser une comparaison lourde de sens, et constituent l’épine dorsale de l’exposition. Rien n’explique ou ne complète plus l’expérience photographique précoce que de voir ces couples. Cette exposition compte neuf paires ; il y a eu une grande exposition de calotypes français, Primitifs de la photographie, à la Bibliothèque Nationale de France en 2010 et il y en avait 12 paires. Les négatifs étaient également exposés individuellement sans les tirages. Eugenia Janis a noté qu’« une grande beauté était attribuée au négatif lui-même », avec son esthétique indépendante, sombre, lumineuse et mystérieuse. Nous avons ici des négatifs de Humbert de Molard, Robert et de Beaucorps. Le processus par lequel un négatif papier est transformé en un tirage positif constitue la magie fondamentale de la photographie.
Le négatif lui-même peut être beau ; l’impression peut aussi être belle. Mais comment l’un devient l’autre – toute cette relation est magique.
Pouvez-vous me dire pourquoi vous avez choisi certaines de ces photos ?
Maintenant : regardez le Dijon ! La star absolue et l’un des points de départ de l’exposition. Une magnifique impression d’une image divertissante et complexe. Le motif des objets « bois-espace-bois » – roues de charrette, échelles, clôtures, grand outil agricole et cage à volailles – est répété dans une douzaine d’instances différentes. L’image est un traitement résolument constructiviste d’une situation agraire. Je vis avec lui depuis plus de quarante ans et je ne me lasse pas de le revisiter.
J’adore quand les gens me disent des choses sur mes photographies que je n’ai jamais vues. Pendant des années, j’ai cru que ce Baldus provenait d’un négatif sur verre. Puis un collectionneur m’a dit : « Regarde ce bord. » C’est à partir d’un négatif papier ! Prise en 1855, c’est un détail du Château St Cloud, détruit en 1871. On dirait un Atget géant. L’impression n’est pas rognée ; on peut lire tout le négatif, qui s’étend au-delà de l’image elle-même. Étonnamment rare.
Vous avez tendance à lire les photographies comme si certaines parties de celles-ci étaient des passages. Vous pouvez lire uniquement cette zone, puis passer à une autre zone et voir comment l’image change entre les passages, comment les formes et les tons sont liés les uns aux autres et comment un passage est contenu dans un autre. Parce que les photographies sont petites, vous pouvez tout faire entre vos mains, devant vous. Vous ne pouvez pas faire cela avec de grands tableaux ; il y a une intimité avec la photographie.
Qui sont les autres personnages clés dans l’exposition?
Humbert de Molard est certainement l’un des personnages clés. J’ai deux de ses combinaisons de négatifs imprimés, il est très précoce. Henri Le Secq en est un autre, tout comme Gustave de Beaucorps. J’ai inclus l’un des tout premiers photographes purement archéologiques, Eugène Piot, qui voulait que ses tirages au sel ressemblent à des lithographies. Reproduit en 2012 dans le catalogue de l’exposition « Le Gray et le modernisme » au Petit Palais, ce tirage d’un temple grec près de Naples est minimaliste, un rectangle superposé. Son imprimé représentant un temple sur l’Acropole – lignes nettes et dures, contraste élevé – suggère un imprimé Bauhaus.
L’une de mes préférées dans l’exposition est une vue de Chartres de Charles Nègre. C’est une des sculptures des saints. Les toits dans le coin inférieur gauche indiquent à quel point Nègre se trouvait lorsqu’il a réalisé cette image – il se trouvait à un point d’observation incroyablement élevé pour réaliser cette image. Tous les Nègres présentés dans l’exposition provenaient de Jammes, le plus grand des collectionneurs/marchands français.
Il y aura donc beaucoup à voir !
Certaines de ces photographies sont si rares que même les personnes ayant des connaissances en photographie n’auront pas entendu parler de certains des photographes de l’exposition. Nous avons une photo signée « Pablo » d’une basilique française en ruine. C’est le surnom du photographe français Paul Emile Mares. Nous avons une autre photographie de lui, prise en Algérie, datant de 1855. C’est le genre d’image qui ne serait pas réalisée par un peintre ; la situation n’attirerait pas l’attention d’un peintre.
Comme je l’ai déjà dit, ce spectacle s’adresse aussi bien aux connaisseurs qu’aux débutants. C’est absolument important : il y a quelque chose dont tout le monde peut apprendre, quelle que soit son expérience dans l’histoire de la photographie. Je suis heureux d’y avoir des photographies anonymes, pour cette raison.
En plus des paires de tirages négatifs, quels sont les autres éléments qui ont été pris en compte dans la sélection ?
Beaucoup de photographies choisies incitent à la rêverie. Ils sont oniriques. Il y a eu une exposition de photographies anciennes au Metropolitan Museum of Art intitulée The Waking Dream, à laquelle je pense en regardant celles-ci – leur qualité onirique. Dans ce Giroux, par exemple, le contrôle et l’enregistrement des détails ne peuvent pas être meilleurs. Il y a une incroyable délicatesse dans les transitions entre les zones d’ombre et de lumière. Giroux est l’un de mes favoris depuis des années.
J’ai également inclus des tirages où le sujet est très décontextualisé ; des images où l’arrière-plan du sujet n’est pas indiqué. Il y a un Le Secq d’un moulage en plâtre d’une tête de sculpture ; un autre est une paire de tirages et de négatifs de Salzmann – une sculpture d’un ange qui semble léviter ; le troisième est un chapiteau roman anonyme, et on ne voit rien qui puisse le soutenir.
Ayant travaillé pendant de nombreuses années avec des oeuvres britanniques et françaises, quelles sont les différences majeures que vous voyez dans les motivations de ces premiers photographes des deux côtés de la Manche ?
J’ai du mal à me mettre à la place des photographes, sachant exactement pourquoi ils ont pris telle ou telle photo. Mais il y a une sensibilité britannique et une sensibilité française dans les premières années. Vous constaterez que certains sujets qui apparaissent dans la photographie française n’apparaissent pas dans la photographie britannique. On trouve beaucoup plus de scènes de rue avec des gens dans la photographie française ; Fenton est le seul photographe britannique à placer des personnages dans des scènes de rue.
Il y a des scènes de fermes dans la photographie française, comme chez Le Secq, Dijon et Giroux. Étonnamment, on ne trouve pas le même type d’images dans la photographie britannique sur papier négatif. On sent une différence dans la façon dont ils abordent un sujet. Si un photographe britannique et un photographe français faisaient une photo archéologique, le photographe français serait plus proche du sujet que le photographe britannique. C’est un phénomène répété. Ils semblaient avoir des façons de voir différentes.
Avez-vous une idée de l’état des connaisseurs dans le domaine ?
Une photographie est à la fois un objet physique et une image ; c’est à l’interface entre ces deux aspects que se découvre le cœur parfois énigmatique de la photographie. En voyant une photographie française pour la première fois, ma première réponse est celle de ses propriétés physiques : état général, taille du tirage (est-il rogné ou recadré ?), couleur en général, couleur des rehauts, type négatif (papier ou verre), tirage. type (sel, albumine, charbon, encre), revêtement (albumine, cire, vernis épais ou léger). Il y a trente ans, je me flattais de pouvoir dater un tirage à deux ans près par simple inspection visuelle.
Quant au côté image de l’équation, je considère les motifs et leur distribution, le sujet (apparemment), la structure de la lumière, les caractéristiques de composition, en accordant une attention particulière à tout ce qui est idiosyncrasique. Les moments les plus gratifiants viennent de l’association du bon nom à une photographie, dont l’identité a échappé aux conservateurs et aux chercheurs, sur la base d’une intuition nourrie par l’expérience. Je pense que le temps du connaisseur est révolu. L’expérience collective consistant à trier des piles lors de ventes aux enchères et des dizaines de photographies chez des marchands, en portant des jugements de valeur à chaque étape, ne sera plus jamais revue. L’uniformité des tirages dans des éditions uniformes atténue le caractère connaisseur, tout comme les images en apesanteur et désincarnées à l’écran.
Comment avez-vous vu évoluer les collectionneurs de photographies du XIXe siècle au cours de votre carrière de marchand ? Comment les goûts ont-ils changé ?
Les collectionneurs et les institutions changent. Je pense qu’après cette première ruée vers la fin des années 70 et au début des années 80, les institutions américaines ont acheté beaucoup de photographies anciennes. Et puis quelque chose s’est produit avec la culture – les choses ont changé et Internet a pris de plus en plus d’emprise sur la vie des gens. Les premières photographies se sont un peu perdues dans le changement. Il faut tellement de temps pour tout extraire d’une photo, et les gens n’ont plus ce temps aujourd’hui. Les gens ont moins de capacité à rester assis et à réfléchir pendant longtemps. Mais c’est l’une de mes activités préférées.
Dans quelques années, en 2039, ce sera le 200e anniversaire de la naissance de la photographie. Et je pense que c’est peut-être à ce moment-là que les gens commenceront à revisiter sérieusement ces premiers éléments.
Envisagez-vous de prendre votre retraite après près de 50 ans de métier ?
Je vieillis et ma fille Kate commence à travailler avec moi. Après avoir travaillé pendant des années auprès d’associations caritatives, elle souhaite s’impliquer et lance sa propre entreprise de vente de matériel. Elle crée également un site Web pour nous, ce que nous n’avons jamais eu. Je suis probablement le seul revendeur au monde sans site Internet ! Côté retraite – j’allais prendre ma retraite à la naissance de mon premier petit-enfant – elle a aujourd’hui 11 ans. Je ne peux pas lâcher prise ! C’est trop important pour moi. Cela me permet de continuer. Et je découvre encore de nouvelles choses que j’aime ! Cela ne s’arrête pas. Je devrais vous montrer d’autres choses que j’ai achetés en novembre à Paris…
Texte et interview par Mary Pelletier
The Magic Art of French Calotype.
Paper Negative Photography 1846–1860.
15-19 mai 2024
Photo London Somerset House
London WC2R 1LA
www.photolondon.org
Article publié pour la première fois dans THE CLASSIC Numéro 11.
Le magazine est disponible à télécharger sur : https://theclassicphotomag.com/
