Hugh Mangum (1897-1922) était un photographe itinérant américain qui a travaillé dans les États du Sud pendant la montée des lois de l’ère Jim Crow imposant la ségrégation et la discrimination raciales. Sa clientèle était à la fois racialement et économiquement diversifiée.
À travers l’objectif de Mangum, nous assistons à une population diversifiée dont Mangum a capturé les personnalités et les essences uniques, redéfinissant notre sens de l’histoire, du lieu et du temps. Après sa mort prématurée à l’âge de quarante-quatre ans des suites de la grippe, les négatifs sur verre de son Penny Picture Camera gisaient abandonnés et sans protection dans une grange à tabac de la famille, largement oubliée pendant cinquante ans. Dans les années 1970, un promoteur était à deux doigts de raser la grange au bulldozer, et ce n’est que grâce aux efforts concertés des conservateurs locaux qu’ils ont été sauvés, puis donnés à l’Université de Duke.
Une édition limitée de photographies de Hugh Mangum est maintenant disponible, sélectionnée et imprimée pour cette exposition par Alex Harris, photographe, écrivain et fondateur du Centre d’études documentaires de Duke, et Margaret Sartor photographe, écrivain et enseignante au Centre. Cette édition exclusive montre le génie de Mangum, l’alchimie du temps et des éléments, et la vision unique apportée à ce projet par Sartor et Harris.
L’exposition, qui a d’abord été inaugurée au Nasher Museum en Caroline du Nord, suivie d’expositions aux galeries ACA à New York et au Deland Museum, en Floride, est désormais disponible. Elle est accompagnée de la première édition du livre, Where We Find Ourselves, écrit et édité par Sartor et Harris, qui sont interviewés ici.
Contact exposition itinérante : Patricia Lanza ([email protected])
Ventes de livres : Where We Find Ourselves, 2019,
https://www.amazon.com/Where-Find-Ourselves-Photographs-Documentary/dp/1469648318
Tirages en édition limitée : MB Abram
https://www.mbabram.com/hugh-mangum-overview)
Pour une demande email: [email protected]
Lanza : Parlez-nous de Hugh Mangum et comment êtes-vous venu au projet ?
Harris et Sartor : Portraitiste itinérant lors de la montée de la ségrégation Jim Crow, le photographe autodidacte Hugh Mangum accueillait des personnes de tous les horizons dans ses studios temporaires. Après sa mort en 1922, des centaines de ses négatifs sur plaque de verre noir et blanc, avec plus de 12 000 images, sont restés stockés, et largement ignorés, dans une grange de séchage de tabac dans la ferme familiale à Durham, en Caroline du Nord. Destinée à la démolition, la grange a été sauvée au dernier moment, et avec elle ce document inégalé de la vie à une époque mouvementée dans le sud des États-Unis. Nous avons rencontré son travail pour la première fois lorsqu’il a été montré à l’Université de Duke à la fin des années 1980, mais ce n’est que dans les années 2000, à l’aide de la technologie numérique, que nous avons commencé à saisir la véritable portée et l’originalité de l’œuvre artistique de Mangum.
En tant que photographes et spécialistes de la photographie, nous sommes depuis longtemps fascinés par la manière dont le portrait photographique, depuis ses débuts, a servi d’indicateur de l’identité personnelle, du statut social, de la mode, des traditions culturelles, des relations et de l’histoire. La grande variété de portraits réalisés par Hugh Mangum révèle une époque et un lieu que nous, en tant qu’Américains, pensons connaître et sur lesquels nous avons de nombreuses hypothèses – des idées que nous portons avec nous sur la race, la classe et les relations familiales, des idées basées sur des faits mais aussi , dans une certaine mesure, sur la fiction. Ce que véhiculent ces images est à la fois profond et surprenant.
Ce qui surprend peut-être le plus dans le travail de Hugh Mangum, c’est sa fraîcheur artistique. Les portraits rassemblés sur ses plaques de verre à images multiples n’ont jamais été destinées à être vues en groupe mais vues au XXIe siècle, elles permettent de témoigner de ce que le photographe a vécu au quotidien. Les portraits de Mangum révèlent la politique d’ouverture de son studio et la diversité raciale et économique de ses clients. Certains des modèles de Mangum sont marqués par une influence notable, d’autres par la rareté, mais tous sont imprégnés d’un fort sentiment d’individualité et souvent de joie, suggérant que les modèles ont construit leurs propres récits visuels en collaboration avec Hugh Mangum.
En tant qu’éditeurs, nous avons été attirés non seulement par l’originalité des portraits, mais aussi par la façon dont ces portraits avaient été modifiés et avaient survécu, au sens propre comme au sens figuré, au passage du temps. En effet, ces images éblouissantes — rendues encore plus éblouissantes par le travail du temps — sont une célébration de la vie.
Lanza : Quelle est le sens et la signification du titre de la publication : Where We Find Ourselves ?
Harris and Sartor : Where We Find Ourselves était un titre que nous avons choisi au début de notre processus parce que c’est à la fois une métaphore convaincante, une question et une déclaration de fait. En regardant les photographies saisissantes de Hugh Mangum créées pendant une période tumultueuse dans le sud des États-Unis, nous nous sommes retrouvés à confronter et à repenser une grande partie de ce que nous avions appris sur le passé et les hypothèses transmises que nous portons encore avec nous. La capacité instinctive de Mangum à se connecter avec ses modèles est palpable même maintenant et les portraits qu’il a réalisés agissent comme une sorte de portail entre le passé et le présent. Ils font allusion à des relations et des histoires inattendues, créent une nouvelle façon de relier le passé connu et imaginaire de la fracture raciale. Vus, compris et vécus maintenant, dans le présent, ils prouvent à quel point le monde créé par le racisme de la suprématie blanche est fantastique, imaginaire – et délirant. Ces photographies contiennent un message implicite que nous devons redéfinir nos façons de nous regarder aujourd’hui.
Lors de l’organisation de l’exposition, nous avons expérimenté l’échelle : agrandir considérablement une sélection de portraits, parfois à taille réelle, pour donner non seulement l’impression de regarder directement les hommes, les femmes et les enfants qui étaient assis devant l’appareil photo de Mangum, mais aussi de ces des personnes qui nous regardent. Et nous sommes convaincus que nos choix concernant les dommages, la couleur et l’échelle sont tout à fait cohérents avec le paradoxe de l’intemporalité et de l’actualité qui rend l’art de Mangum à la fois durable et pertinent.
Lanza : Quelle a été votre vision curatoriale et éditoriale, votre interprétation et votre processus pour l’exposition et le livre ?
Harris et Sartor : Notre approche de ces négatifs centenaires sur plaque de verre était très personnelle. Deux décisions clés ont aidé à définir comment nous avons sélectionné les images et lesquelles. La première était que nous reconnaissions que les numérisations haute résolution nous permettaient de scruter et d’agrandir des portraits individuels à partir des négatifs sur plaque de verre à images multiples. Cela signifiait regarder quelque 10 000 expositions individuelles ou plus, ce qui prenait du temps mais était extrêmement excitant et nous permettait de choisir les portraits spécifiques qui nous touchaient le plus. L’autre choix était d’embrasser non seulement les dons artistiques de Hugh Mangum, mais aussi le fait que les négatifs sur plaque de verre avaient survécu à une histoire qui leur était propre. Nous avons été surpris et émus par la puissance poétique des dommages causés aux négatifs de Mangum au fil du temps et avons décidé de révéler ces dommages lors de l’impression de ses négatifs. Les photographies de cette exposition et de ce livre témoignent de quelque chose d’étonnant – l’alchimie imprévisible qui caractérise souvent le meilleur art et sa capacité au fil du temps à évoluer avec et à absorber la vie et le sens au-delà des intentions ou des attentes de l’artiste.
Where We Find Ourselves parle autant de la nature de l’art que de la vie et de la vision de Hugh Mangum. Ses portraits n’étaient pas très connus de son vivant; ce n’est que maintenant, près d’un siècle après sa mort, qu’ils reçoivent une attention sérieuse. Il en va de même pour d’autres photographes, certains parmi les plus grands praticiens du médium, comme E. J. Bellocq avec ses portraits de Storyville de la Nouvelle-Orléans ; Richard Samuel Roberts et ses portraits magnifiquement travaillés d’Afro-Américains en Caroline du Sud ; les portraits extrêmement réalistes de Mike Disfarmer de Heber Springs, Arkansas ; et le vaste corpus d’œuvres de Vivian Maier réalisé dans les rues de Chicago et de New York.
Lanza : Discutez de la méthodologie de conservation de ces œuvres historiques et de vos choix pour la publication du livre ?
Harris et Sartor : Les tirages de cette exposition ont été réalisés à partir de numérisations numériques de négatifs sur plaques de verre sèche a la gélatine en noir et blanc exposées et traitées par le photographe Hugh Mangum au tournant du XXe siècle. À la mort de Mangum en 1922, les plaques de verre sont restées dans la grange familiale pendant cinq décennies, soumises aux aléas du temps, de la météo et du mépris. Dans les années 1970, elles ont fait surface et ont été données à l’Université de Duke en 1986. Les plaques de verre de Mangum ont ensuite été nettoyées et stabilisées par des professionnels, des restaurateurs hautement qualifiés. Dans les années 2000, elles ont été photographiées en couleur haute résolution avec un appareil photo numérique.
Les négatifs sur plaque de verre sèche de Hugh Mangum ont leur propre histoire gravée dans leur émulsion, une image latente entièrement visible maintenant en raison de notre décision de reproduire son travail en couleur plutôt qu’en tons de gris. Un siècle plus tard, enrichis de sens et rendus plus beaux par les effets du temps qui passe, ils refont surface dans un monde qui a également changé. Les négatifs originaux sur plaque de verre noir et blanc, que l’on voit maintenant avec leurs dommages et leur dégradation pleinement visibles, révèlent des portraits étonnamment vibrants ; les fissures, les empreintes digitales et les changements de couleur délicats qui entourent et recouvrent parfois les visages des modèles leur donnent un nouveau sens.
