La célèbre galerie Ravestijn d’Amsterdam présente cinq projets des célèbres photographes de mode Inez van Lamsweerde & Vinoodh Matadin, ainsi que quatre projets balançant entre les arts plastiques et la photographie.
Inez van LAMSWEERDE 1963 & Vinoodh MATADIN 1961 Pays-Bas
Le duo de photographes Inez & Vinoodh est connu pour ses photographies intrépides et aventureuses qui oscillent entre art et haute couture. Ces artistes néerlandais, basés à New York, sont des partenaires et des collaborateurs dont la pratique se déplace entre les genres et les médias, la culture pop, la mode et l’art.
Le duo explore et repousse les limites de la photographie d’art et de mode depuis plus de trois décennies. Au début des années 1990, ils étaient à l’avant-garde de l’utilisation des nouveaux développements de la technologie numérique pour la photographie. Associés à une sensibilité esthétique audacieuse, ils ont créé un style caractéristique qui allait devenir une marque mondialement connue : Inez & Vinoodh.
Dans leur travail, les artistes ne semblent pas faire de distinction a priori entre la mode et l’art, mais l’ensemble de leur travail s’inscrit dans leur vision créative globale : des images (ou des vidéos) qui séduisent par leur perfection esthétique, et attirent le spectateur pour l’entraîner dans un monde où un récit familier peut être bouleversé et devenir provocateur. Dans une interview, Inez et Vinoodh soulignent les pouvoirs en jeu dans leurs images : « Pour nous, il y a toujours ce sentiment de dualité, il y a toujours une tension entre le beau et le grotesque, le spirituel et le banal, la haute et la basse couture, le masculin et le féminin. »
Bien que toujours sophistiqués, leurs images critiquent les normes sociales relatives au genre et à la sexualité, sapant ces conventions ainsi que les préjugés qu’elles engendrent. Les artistes utilisent la technique du collage pour abstraire la célèbre star et la transformer en une muse éthérée méconnaissable.
Ce mélange de techniques et leur maîtrise de la manipulation numérique ont eu un tel retentissement dans la photographie qu’ils sont devenus omniprésents, au point que l’on en oublierait presque l’audace et l’avant-gardisme avec lesquels le duo a exploré les limites de la photographie depuis ses premiers travaux.
Les mouvements apparemment sans effort des artistes entre les éditoriaux, les vidéos, les expositions, les montages expérimentaux et les assemblages, sont une chose rare en effet, et constituent la base de la vigueur de la marque Inez & Vinoodh, fermement établie. Ils ont d’ailleurs créé des éditoriaux révolutionnaires pour des publications telles que Vogue, V Magazine, Visionaire, The New York Times Magazine, pour n’en citer que quelques-unes.
Michel LAMOLLER 1984 Allemagne
Michel Lamoller 1984 travaille avec la photographie d’une manière sculpturale et expérimentale. Il a étudié à l’Académie des Beaux-Arts de Hambourg et est maintenant un artiste indépendant. Certaines de ses sculptures photographiques servent de modèles pour une photo qui devient l’œuvre finale. Il utilise la photographie comme matériau pour créer des sculptures à plusieurs niveaux, à la frontière entre l’objet et l’image. En aliénant l’utilisation originale de la photographie, Lamoller revisite la représentation, principalement parce qu’il parvient ainsi à révéler sa capacité à repousser les limites de l’image, et il le fait en étant ludique, conceptuel, et en suscitant en même temps un sentiment de surprise et de perplexité – en revenant aux bases des expériences esthétiques.
Avec ses œuvres, Lamoller crée des interventions, souvent spécifiques à un lieu, dans l’espace d’exposition qui vont de pair avec l’acte imaginaire attendu du spectateur. Les limites de l’image sont étirées dans différentes directions, faisant allusion à l’effet esthétique que le spectateur peut ressentir à partir d’autres médias, par exemple, lorsqu’il rencontre une sculpture, ou même lorsqu’il est engagé dans un morceau d’image en mouvement. Lamoller expérimente de nouveaux médias pour trouver de nouvelles possibilités et opportunités, mais il se réfère clairement à la tradition de la photographie pour documenter la réalité – simplement, son processus artistique unique n’aboutit pas à une image de la réalité mais à des objets qui renouent avec le monde haptique des choses.
Nico KRIJNO 1981 Afrique du Sud
Avec une formation au théâtre et en vidéo expérimentale, Nico Krijno (né en 1981 en Afrique du Sud) travaille à l’intersection floue de la photographie, du collage, de la peinture, de la sculpture et de la performance. Sondant les seuils de chacun d’entre eux, son travail se matérialise par un flot d’abstractions uniques et colorées qui agissent non seulement comme des pièces d’art autonomes, mais qui, lorsqu’elles sont considérées comme une collection, révèlent l’obsession et l’intrigue constante de Krijno pour la perception des photographies.
Travaillant souvent avec des matériaux de rebut trouvés dans son environnement immédiat, il les interprète et les réimagine pour trouver des structures alternatives à la manière dont le sens et la matière sont construits et perçus. La photographie de ces structures éphémères, comme il se décrit lui-même, est une performance privée et physique, l’appareil photo étant le public. Il est important de noter que l’acte de photographier ces scènes théâtrales n’est qu’une partie du travail de Krijno. Grâce à une panoplie d’outils numériques, il réimagine ensuite les matériaux, les couleurs et les formes un nombre incalculable de fois, jusqu’à ce que notre compréhension de chaque photographie soit constamment remise en question, sans jamais rester immobile.
Maurice SCHELTENS 1972 & Liesbeth ABBENES 1970 Pays-Bas
Maurice Scheltens (1972) et Liesbeth Abbenes (1970) sont la somme d’un photographe de natures mortes et du savoir-faire créatif d’une artiste. La perfection technique s’ajoute à l’artisanat individuel, à une forte clarté picturale et à des décors sur mesure. Ils expérimentent la conversion des dimensions spatiales en surfaces planes et explorent le potentiel de la photographie à créer des illusions. L’élément essentiel de leur travail est leur studio, qui ressemble à un laboratoire, où ils construisent leurs décors avec une attitude de conceptualisation et de réflexion axée sur les solutions, qu’ils soient en train d’éditer ou de s’attaquer à des travaux artistiques en commandes ou indépendants.
Au lieu de présenter les objets comme de simples produits vendables, ils les manipulent et les utilisent souvent comme des éléments de base pour de nouvelles compositions. La qualité artistique autonome de la photographie doit toujours prévaloir. Scheltens & Abbenes choisissent délibérément d’opérer à la fois dans le domaine de l’art appliqué et dans celui de l’art autonome, et de les utiliser comme un terrain fertile l’un pour l’autre. Cette approche a permis de montrer leurs projets dans des institutions culturelles telles que le musée de la mode Galliera à Paris, Foam Amsterdam, Huis Marseille Amsterdam, The Kunsthal à Rotterdam et The Art Institute of Chicago.
THEIS WENDT 1981 Danemark.
Diplômé de l’Académie royale des beaux-arts du Danemark, l’artiste visuel Theis Wendt (né en 1981, DK) vit et travaille à Copenhague. Utilisant un large éventail de matériaux – tant organiques que synthétiques – le processus créatif de Wendt combine la sculpture, l’installation et la post-photographie dans des œuvres illusoires qui exigent un examen attentif de la part du spectateur. Ici, les matériaux semblent en imiter d’autres, et de faibles impressions de la nature sont évoquées par des moyens numériques. Comme pour toute image, regardée au premier coup d’œil, les choses sont rarement telles qu’elles apparaissent.
Au cœur de la pratique de Wendt se trouvent les questions séculaires d’authenticité ; ses œuvres affirment que notre relation au monde – et notre compréhension de la réalité – a été considérablement modifiée par un changement sismique des outils avec lesquels nous y accédons. Le motif du cadre, ou de la fenêtre, devient alors un rappel récurrent des structures étouffantes à travers lesquelles nous continuons à penser et à voir. Mais au-delà des défis dystopiques auxquels nous sommes confrontés, de la dégradation écologique à l’emprise incessante du capitalisme, les œuvres de Wendt conservent une qualité romantique, pointant vers quelque chose d’autre à l’horizon – quelque chose de meilleur, peut-être, si nous pouvons trouver les outils pour l’imaginer.
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