Galerie Bart: Marleen Sleeuwits (images 1-2)
Au cours de Unseen Amsterdam 2022, nous présenterons le plus récent travail de Marleen Sleeuwits dans une présentation solo qui consistera en sept photos, basées sur trois installations in situ qu’elle a réalisées en 2021 : au Kunsthal à Rotterdam, à l’Expo Bart à Nijmegen et a ppr oc he à Paris. Toutes les photos seront présentées en avant-première à Unseen Amsterdam.
L’artiste pluridisciplinaire Sleeuwits (1980, Pays-Bas) a un œil pour la qualité déconcertante des espaces quotidiens apparemment banals. L’examen des environnements impersonnels – des lieux qui pourraient être simultanément partout et nulle part – est au cœur de son travail. La pratique artistique de Marleen a progressivement évolué, passant de la photographie de ces espaces à son intervention. Elle réutilise fréquemment des matériaux spécifiques à un lieu dans ses installations, tels que des panneaux de plafonds suspendus, des dalles de moquette, des tubes fluorescents et de la laine de verre. Elle joue avec les perspectives, les illusions d’optique et l’échelle. Dans ses œuvres récentes, elle brouille de plus en plus la frontière entre sa photo 2D et son art spatial, ce qui a pour effet de remettre en question l’aspect visuel de la réalité.
Pour l’installation « Isomatrix » au Kunsthal, Marleen a été guidée par l’architecture du bâtiment, conçu par Rem Koolhaas, dans lequel elle a découvert des éléments de beauté. En amplifiant certains aspects, elle a délibérément brouillé les frontières entre fiction et réalité. Des fenêtres qui se prolongent jusqu’au plafond ou des détails architecturaux qui se répètent, Sleeuwits transforme l’expérience de l’espace en variant les échelles et en ajoutant des miroirs. Dans les photographies de l’installation présentées à Unseen, les matériaux de l’installation sont réutilisés, ce qui crée à nouveau une confusion : qu’est-ce qui fait partie de la photographie, et qu’est-ce qui est le véritable matériau ?
Galerie Bart
1016 TW Amsterdam
+31 20 320 62 08
[email protected]
www.galeriebart.nl
Galerie Caroline O’Breen: Satijn Panyigay, Jaya Pelupessy & Arjan de Nooy. (images 3-4)
Satijn Panyigay
La galerie O’Breen présente la nouvelle partie de Twilight Zone, un vaste projet photographique pour lequel Satijn Panyigay capture les espaces d’exposition vides des musées d’art contemporain néerlandais. Elle prend ses photos lors d’explorations solitaires et méditatives des espaces temporairement vides des musées – cette fois-ci, au FOAM à Amsterdam. Twilight Zone (FOAM) possède l’esthétique hyperréaliste majestueuse reconnaissable de Panyigay, mais cette série offre une nouvelle tonalité au projet. Les images sont chaleureuses et les murs apparemment blancs du musée se révèlent étonnamment riches en couleurs. Satijn travaille exclusivement avec la lumière disponible sur les lieux, et son approche analogique fait ressortir toute une gamme cachée de couleurs à la surface, ce qui crée une série vivante.
Jaya Pelupessy
Jaya Pelupessy est connu pour analyser et déconstruire les techniques de reproduction historiques et les utiliser d’une manière nouvelle pour créer une image. Il est fasciné par la façon dont l’humanité observe de plus en plus le monde à travers l’objectif d’un appareil photo. Le titre Manufactured Manual fait référence aux images d’archives qui apparaissent dans ce récent projet. Il crée un collage directement sur l’écran de sérigraphie en utilisant des expositions multiples en différentes couches de couleur. De cette manière, l’écran n’est plus un moyen de reproduire des images mais devient l’œuvre d’art elle-même. Cette méthode est typique de la méthode de travail de Pelupessy, dans laquelle le processus créatif est toujours évident dans le produit fini. À UNSEEN 2022, nous présentons une sélection de ses collages les plus récents de la série.
L’œuvre de Pelupessy est également sélectionnée pour l’exposition Unbound. Vous trouverez de plus amples informations dans la dernière contribution d’aujourd’hui, sous le titre UNBOUND O’Breen.
Arjan de Nooy
Arjan de Nooy présentera sa toute nouvelle œuvre Photology, basée sur le livre éponyme (bientôt publié). Le titre est une fusion de ‘photographie’ et de ‘logique’ (du jeu), mais bien sûr, « logie » fait également référence à l’étude de la photographie. Ce travail se veut un aperçu photographique avec de nouvelles séries et des théories alternatives basées sur l’histoire et la théorie du médium. À UNSEEN 2022, plusieurs collages tirés du projet seront présentés pour la première fois. Tous les travaux sont issus de séquences trouvées, de photos re-photographiées, de cartes postales et d’autres matériaux appropriés. En donnant à ce matériel un autre contexte, une nouvelle signification toujours liée à la photographie elle-même est créée dans le travail de Nooy.
Arjan de Nooy est surtout connu pour ses créations de livres et ses expositions dans des musées, principalement avec sa partenaire Anne Geene. Ensemble, ils ont réalisé plusieurs livres primés
Galerie Caroline O’Breen
Amsterdam, The Netherlands
+31647104484
https://carolineobreen.com
galerie dudokdegroot: Marjolein Blom (1984), Fleur van Dodewaard (1983), Paul Bogaers (1961) & Ilona Plaum (1970) (images 5-6)
Marjolein Blom (1984) est une artiste visuelle qui vit et travaille à Amsterdam (NL). Son travail résulte d’une fascination pour les théories scientifiques sur le fonctionnement interne de notre univers – comme celles de la physique quantique et de la relativité et du désir humain de découvrir les couches les plus profondes de l’existence à travers la science. Elle présentera quelques œuvres de son dernier projet ainsi que son nouveau livre : Failing Forward. Dans cette série, Marjolein Blom aborde l’essence même de ce qui relie l’art, la science et la vie, à savoir que tous sont des exercices incertains aux résultats incertains.
Fleur van Dodewaard (1983) L’artiste dans son atelier avec des matériaux élémentaires bois, papier, argile, ruban adhésif, peinture – Fleur van Dodewaard crée des compositions temporaires qui jouent avec les possibilités de la photographie, de la sculpture et de la peinture. Situé à l’intersection de ces disciplines, son travail utilise la photographie comme résultat final. Les questions relatives à l’objet d’art, les discours sur le processus de création et la fabrication d’images, ainsi que les références à l’histoire de l’art sont fondamentales pour ses recherches. Elles fournissent les termes d’un culbutage et d’une mise en relation continus d’images, d’objets, d’idées et de formes anciennes et nouvelles.
llona Plaum (1970) crée des installations dans lesquelles elle explore l’expérience de l’espace et la traduit en surface plane. En partant de la troisième dimension, elle construit une installation avec des objets naturels dans lesquels le mouvement de la vie organique occupe une position centrale. Ceux-ci sont traités avec de la peinture ou un stylo à dessin, puis photographiés. Un diorama photographique est créé dans lequel la fusion de différentes techniques et perspectives jette un doute sur notre perception. Rien dans son travail n’est photoshoppé, elle laisse des traces de ses actions. Avec une photo, elle isole quelque chose de la mobilité de l’existence dans laquelle tout est changeant.
Dans les œuvres de Paul Bogaers, l’association et la suggestion jouent un rôle important. Bogaers s’est fait connaître comme l’un des précurseurs de l’intérêt des artistes pour la « photographie vernaculaire » et l’intégration d’images trouvées dans leurs œuvres. Comme point de départ, il prenait une image ou un objet dans l’une de ses nombreuses collections, composées d’instantanés trouvés, de cartes postales et d’autres images préexistantes, ainsi que de ses propres photographies. En plaçant différentes images les unes à côté des autres, en les retournant parfois d’un quart ou complètement à l’envers ou en les encadrant de manière particulière, il invitait le spectateur à percevoir de nouveaux liens et significations surprenants. Progressivement, il a commencé à combiner des images avec des objets tridimensionnels qui se transforme de plus en plus en assemblages et en installations.
galerie dudokdegroot
1016 ra amsterdam
00 31 6 15 475 473
[email protected]
www. dudokdegroot.nl
Galerie Écho 119 : Chieko Shiraishi, Elliott Verdier (images 7-8)
Pour cette édition d’Unseen, nous souhaitons présenter deux photographes travaillant sur la mémoire. Même si les deux artistes travaillent sur des sujets et des styles radicalement différents, ils rencontrent des similitudes dans la façon dont ils montrent les souvenirs qui s’estompent et dans leur approche de la photographie comme moyen de travailler avec la mémoire.
Shimakage (Shadow of the Islands), de la photographe japonaise Chieko Shiraishi, est un voyage dans les souvenirs de Shiraishi. Dans ses images, prises dans les petites îles qui entourent le Japon, nous nous trouvons transportés à la frontière de la réalité et du monde des rêves. Ses photographies évoquent le sentiment de souvenirs qui, au fil du temps, s’estompent et deviennent flous. Pour exprimer ce sentiment, Shiraishi utilise le « zokin-Gake », une technique qui consiste à appliquer de la peinture à l’huile sur des impressions analogiques. Ses images nous font passer du monde extérieur au monde intérieur, révélant l’émerveillement, l’obscurité et les doutes qui habitent le photographe.
La série Reaching for Dawn du photographe français Elliott Verdier raconte l’histoire d’un morceau de terre situé sur les côtes de l’Afrique de l’Ouest, où, au XIXe siècle, les États-Unis ont établi leur première colonie, la République du Liberia. De la sanglante guerre civile libérienne (1989-2003) qui a décimé le Liberia, sa population ne parle pas. Aucun mémorial digne de ce nom n’a été construit, aucun jour n’est consacré à la commémoration. Le traumatisme gravé dans la chair de la population est cristallisé dans les faibles fondations de la société et coule sur une nouvelle génération à l’avenir incertain.
La série explore les mécanismes de résilience et les ressorts invisibles des traumatismes psychiques et des souvenirs de guerre.
Galerie Écho 119
75003 Paris, France
[email protected]
+33 (0)9 70 97 59 18
www.galerieecho119.com
Galerie Vriend van Bavink: Kadir van Lohuizen, Natascha Libbert & Stijn Elshuis. (images 9-10)
Nous présentons un nouveau travail de Kadir van Lohuizen sur le fait que les Pays-Bas sont le deuxième exportateur mondial de produits alimentaires. Après des séries sur les conséquences planétaires du niveau des mers et la disparition et la capitalisation du pôle Nord, M. van Lohuizen n’a pas eu à chercher plus loin que son propre jardin pour trouver un monde aussi bizarre que surréaliste, qui s’est ouvert à lui après un lobbying intensif.
Natascha Libbert montre le pouvoir destructeur et résilient de la nature dans une série sur l’éruption du volcan Cumbre Vieja à La Palma. Depuis sa petite maison où les cendres volcaniques pleuvent, elle pénètre dans un environnement cinématographique sinistre où les nuages sombres, les lueurs rouges et les précipitations noires reflètent les contrastes entre la vie et la mort, la couleur et l’adaptabilité de l’homme et de la nature.
Stijn Elshuis présente une nouvelle œuvre photographique sculpturale sur les espèces végétales disparues. Avec ses œuvres, Elshuis veut montrer au spectateur comment l’histoire peut être écrite et réécrite dans un monde en mutation rapide. Combien nous sommes dépendants de la nature et combien nous essayons de lui imposer notre volonté, avec toutes les conséquences que cela implique.
Galerie Vriend van Bavink
1012BJ Amsterdam The Netherlands
+31 613193603
[email protected]
http://www.vriendvanbavink.nl
Galerie Younique: Majo Guerrero & Javier Silva Meinel (images 11-12)
» Visions et Cosmos » était une première exposition à la galerie de deux photographes péruviens Majo Guerrero et Javier Silva Meinel en 2021. Comme deux sujets différents, l’idée de présenter leurs œuvres a été traitée comme une proposition universelle : leur vision du cosmos. Majo Guerrero, spécialisée dans les techniques anciennes de photographie révélatrice, et Javier Silva Meinel, avec sa photographie argentique vintage, ont accepté de montrer leur relation avec la nature et l’humanité.
Comme le décrit Alexander von Humboldt dans son livre Cosmos : une esquisse de description physique de l’univers, il s’agit de « l’assemblage de toutes les choses du ciel et de la terre, l’universalité des choses créées constituant le monde perceptible. » Nous soulignons cette fois, la vision subjective de Humboldt de l’ordre de l’univers, par le côté féminin.
Saturne, ses lunes et ses phases observées avec le satellite Cassini-Huygens, révélées dans les empreintes carbone de Guerrero à côté des portraits de différentes femmes que Silva Meinel rencontre dans ses nombreux voyages au Pérou sont un exemple de cette variété et diversité des « étoiles » qui composent leurs visions du cosmos
Galerie YOUNIQUE
75013 Paris, France
+33 6 26 76 36 33
[email protected]
http://www.galerieyounique.com
Galleri Kant: Susanne Wellm, Joakim Eskildsen, Torben Eskerod (images 13-14)
Susanne Wellm (née en 1965) a fait ses études à l’Académie royale danoise des beaux-arts, aux écoles d’architecture, de design et de conservation. Elle vit et travaille à Copenhague, au Danemark.
L’objet principal de mon travail a toujours été de capturer des expériences sensorielles ; les petites choses que je vois et que je touche et qui donnent une structure à ma vie quotidienne, les choses qui frappent l’état d’esprit et apportent des nuances au mode de vie. Dans mon travail, je suis influencée par l’art du cinéma. Dans mes séries de photographies, je cherche à transmettre le sentiment, l’ambiance ou les histoires potentielles que je vois dans les objets, les événements et les personnes qui m’entourent. Je travaille souvent par couches, en mélangeant diverses techniques et différents supports photographiques.
Joakim Eskildsen est un photographe danois formé en Finlande à l’université d’Aalto et l’un des photographes les plus publiés et reconnus de l’école d’Helsinki. Il est surtout connu pour ses monographies de photographies documentaires qui dépeignent de manière très personnelle des communautés en marge de la société. Malgré des accents apparemment mélancoliques, Eskildsen atteint une proximité bouleversante dans son travail, souvent en vivant aux côtés de ses sujets pendant de longues périodes.
Joakim Eskildsen est né à Copenhague en 1971 et vit actuellement en Allemagne. Ses œuvres ont été largement exposées dans le monde entier, tant dans des expositions individuelles que collectives.
Torben Eskerod est diplômé de l’université d’Aalborg (1980-86) et a étudié à l’école d’architecture d’Aarhus et à l’école de photographie Fatamorgana de Copenhague (1988-91). Les projets d’Eskerod trouvent leur point commun dans son intérêt pour la contemplation et la spiritualité. Il est particulièrement connu pour ses portraits) dans des séries comme Equivalence (1995), Cassadaga (2000), Register – Life and Death Masks (2001), Friends and Strangers (2006) et Campo Verano (2008). Son approche des potentiels spirituels de la photographie est approfondie dans les séries Marselis (2012) et Can Lis (2013).
GALERI KANT
1264 COPENHAGEN DENMARK
+45 29 46 63 31
[email protected]
www.GALLERIKANT.DK
