KANA KAWANISHI GALLERY (Tokyo)
Toshihiro Komatsu (1966) (77-80)
CT (Computed Tomography) est une série où l’artiste décrit une scène comme si l’architecture était scannée, comme un corps humain. Bien que nous acceptions d’abord la scène comme un paysage ordinaire, si vous regardez à nouveau, vous remarquerez que la scène est en fait « impossible » à voir.
Toshihiro Komatsu est né en 1966 à Hamamatsu, dans la préfecture de Shizuoka, au Japon. Après avoir obtenu son M.F.A. à la Tokyo University of the Arts, Graduate School (1993), et son M.S. au Massachusetts Institute of Technology, Department of Architecture (1999), Komatsu a exposé dans des musées tels que le MoMA PS1 (1999, New York) et le Queens Museum (2000-01, New York) après avoir participé à des programmes de résidence à Amsterdam et New York. Il a également participé activement à des festivals d’art internationaux, notamment la Triennale d’art d’Echigo-Tsumari (2012/2015, Niigata, Japon) et la Triennale de Setouchi (2013, Kagawa, Japon).
Yoshiki Hase (81-84)
DESSIN est une série photographiée par une seule pression de l’obturateur sans aucune manipulation numérique. L’artiste a cherché à capturer sa vision instinctive du paysage naturel – y compris le vent et l’atmosphère – avec son appareil photo, comme lorsqu’un peintre dessine. L’artiste explique que les structures abstraites des photographies sont « une collection de lignes ».
Yoshiki Hase a été basé à New York de 1999 à 2006 et réside actuellement à Tokyo. Il a présenté son travailsur des scènes internationales dans le cadre de festivals de photographie, notamment la « Dali International Photography Exhibition » (2019, Dali, Chine) et le « T3 International Photo Festival » (2017, Tokyo). Il a activement organisé des expositions personnelles, notamment « 181° – New Dimensions of Nature Landscapes » (2019, River City Bangkok Gallery, Bangkok, Thaïlande), « DESSIN » (2018, Kana Kawanishi Gallery, Tokyo) et « Refuse to Make Them Happen » (2018, G Gallery, Taipei). Hase a reçu le » LensCulture Emerging Talent Awards » (2018), le » Tokyo International Photography Competition » (2016), entre autres prix internationaux de photographie.
Jinhee Kim (1985) (85-88)
Les motifs de Finger Play sont des mains féminines qui apparaissent sur des imprimés en Corée, c’est-à-dire des descriptions de la façon dont la société coréenne voit les « mains féminines ». Nous pensons souvent aux expressions faciales et verbales lorsque nous parlons de communication, mais les mains ont également des expressions intuitives et inconscientes. Kim joue instinctivement avec les images en insérant sa main ou en appliquant physiquement de la broderie sur les imprimés.
Jinhee Kim est née en 1985 à Busan, en Corée du Sud. Elle a obtenu sa licence à l’Université Chung-Ang (Séoul), département de la photographie, en 2008. En 2010, elle a publié sa première monographie Whisper(ing) (Iannbooks, Corée du Sud). Cette série reflétait sa sympathie pour les douleurs légères et les angoisses de sa génération. Depuis son travail ultérieur, She (2014), Kim a constamment appliqué la broderie à ses impressions pour exprimer davantage l’inconscient féminin. Elle a reçu le prix d’excellence de The Reference Asia : Photo Prize 2019 pour Finger Play.
Masashi Mihotani (1987) (89-92)
Dans cette série, Mihotani utilise des snacks, de la nourriture et des produits de consommation courante qu’il rencontre au supermarché. Il achète et déguste les snacks, et après avoir lavé les emballages, il les place dans le support de film et crée des expressions abstraites uniques en tirant parti de la technique du photogramme. Les emballages, où des « images à des fins d’illustration » sont imprimées bruyamment pour stimuler les appétits et les désirs de la société, réapparaissent d’une manière inattendue.:
Masashi Mihotani est né à Osaka, au Japon, en 1987. Il a présenté ses œuvres dans de multiples festivals de photographie, notamment » 2019 Dali International Photography Exhibition » (2019, Dali, Chine), » YPF exhibition 2019 (2019, Galerie Monstre, Arles, France), et » New Japan Photo 7 Launch Exhibition » (2018, Chi-ka, Dubaï, EAU). Sa dernière exposition personnelle, Images are for illustration purposes, s’est tenue chez Kana Kawanishi Photography, Tokyo, en 2019.
RAVESTIJN GALLERY (Amsterdam)
La galerie Ravestijn est fière de présenter Michael Bailey-Gates (né en 1993, États-Unis), Ferry Van der Nat (né en 1965, Pays-Bas) et K Young (Royaume-Uni) à UNSEEN 2021. Bien que l’approche de chaque artiste soit très différente, ils partagent une base commune : le genre, l’identité et la sexualité. Bien que la société ait traditionnellement cherché à définir ces idées, il y a aujourd’hui une prise de conscience croissante du fait que ce sont ces définitions mêmes qui sont problématiques ; elles marginalisent, censurent et ancrent des choses qui ne peuvent être ancrées.
Michael Bailey-Gates (1993) (93-96)
Michael Bailey-Gates utilise la photographie pour dissoudre gracieusement les perceptions binaires du genre, de l’identité et de la sexualité. Dans leurs photographies intimes d’eux-mêmes et de leurs amis, les définitions que nous avons été conditionnés à utiliser deviennent futiles. L’homme et la femme, le masculin et le féminin, l’hétéro et l’homo, tout cela perd de sa pertinence. Le genre lui-même semble en quelque sorte immatériel. Les objets, les postures, les relations, les vêtements et les actions sont ici aussi récupérés de manière ludique par n’importe qui. Mais si Bailey-Gates se confronte aux conventions qui continuent de marginaliser tant de personnes aujourd’hui, il le fait sans hostilité. Au contraire, les photographies de Bailey-Gates sont joyeuses, où ceux qui sont devant l’appareil photo sont libres d’imaginer, de jouer et d’exister comme ils le souhaitent. Au cœur de la pratique de Bailey-Gates se trouve le désir de refléter un monde où le genre, l’identité et la sexualité sont des conditions illimitées, toujours en mouvement et en accord avec chaque individu et chaque moment. Les Bailey-Gates savent qu’un tel monde est réel, et en regardant leurs photographies, nous sommes capables d’en avoir un aperçu.
Ferry Van der Nat (1965) (97-99)
Ferry Van der Nat est moins implicite. En fait, le travail de Van der Nat est indéfectiblement explicite. Travaillant avec la Polaroid Land Camera 103 et la Polaroid Big Shot – le même appareil qu’Andy Warhol a utilisé pour nombre de ses images ouvertement sexuelles – Van der Nat examine des corps nus avec un regard candidement gay. Presque tous sont des hommes : torses tronqués, visages, fesses et parties intimes – parfois en érection. Ce sont des images au cadrage serré ; la peau, les cheveux et les membres remplissent l’espace, éclairés par le flash lumineux du polaroid. Cette combinaison de l’extrême proximité et de l’immédiateté du polaroid donne aux photographies de Van der Nat leur charge érotique caractéristique. En tant que spectateur, ces images nous poussent à confronter la sexualité de manière frontale – il n’y a pas d’autre endroit où regarder. Dans une société qui est encore souvent mal à l’aise avec une telle ouverture, les photographies de Van der Nat sont une réponse franche.
K Young (100-103)
K Young crée des collages méticuleux qui révèlent habilement la nature construite du genre et de l’identité. Leur travail commence par des photographies trouvées – provenant pour la plupart de livres et de magazines. Ces sources de matériel sont assez parlantes ; des pages où les identités sont façonnées, renforcées et partagées. Des pages où l’on nous dit ce qui est bien et mal, acceptable et inacceptable. K Young prend ensuite ces images et les découpe, les réorganise, les épisse, les superpose et les rephotographie. Ce qui était autrefois des photographies entières est maintenant une fusion libérée de corps, de meubles, d’intérieurs et de vêtements. Elles sont à la fois tendres et humoristiques, sexuelles et réservées. Si l’œuvre de K Young déconstruit et reconstruit littéralement les identités, elle le fait aussi de manière symbolique. Par l’acte de mélanger et d’assortir librement les identités, elles suggèrent une histoire différente de celle des magazines, mettant de côté la croyance que l’existence est fixe ou singulière. K Young complète cette idée en ne montrant jamais un visage entier. Ce faisant, ils invitent quiconque à être qui il veut.
SPAZIO NUOVO (Roma)
Marco Maria Zanin (Italy, 1983) Soil Kinships (104-107)
Ce nouvel ensemble d’œuvres que Marco Maria Zanin présente – dans son double rôle d’artiste et de chercheur en anthropologie vise à surmonter les asymétries héritées des perspectives eurocentriques et pourtant présentes dans le discours quotidien, en construisant de nouvelles relations entre des objets appartenant à des cultures différentes. Des artefacts divers, mais unis par une relation structurelle avec la culture de la terre et sa logique, son rythme et ses rituels. Pour l’artiste, l’imagination portée par ces objets devient un moyen de développer une biographie des choses qui tisse des souvenirs et des connaissances à travers un jeu d’associations libres et informées, respectueuses de la complexité du débat actuel sur la refonte du rôle des musées dans la gestion du patrimoine ethnographique issu de l’histoire coloniale européenne.
Soil Kinships présente une nouvelle production développée au cours de cette dernière année de pandémie et axée sur la construction de connexions inattendues entre les sujets réels de la recherche de l’artiste, qui vont des outils de la vie rurale dans sa région d’origine, la Vénétie, aux artefacts appartenant aux communautés qu’il a rencontrées lors de ses recherches anthropologiques en Amérique du Sud et au Portugal. Ces associations visuelles et culturelles se transforment en une installation qui occupe tout l’espace de la galerie, formée par une série de photographies, de sculptures en céramique et de plantes spontanées, réunies par l’idée, à la fois littérale et figurative, d’être enraciné dans le sol et par la volonté de l’artiste de générer de nouveaux liens de parenté entre des environnements et des cultures en migration continue.
Les objets analysés par Zanin sont traités comme des activateurs de relations sociales et humaines. Ces nouvelles juxtapositions et mélanges résultent de processus interculturels et ne sont donc plus des produits manufacturés mais de nouveaux corps, héritiers de leur environnement d’origine et désormais en dialogue entre eux.
(D’après un texte de Matteo Lucchetti)
TORCH GALLERY (Amsterdam)
Eddy Posthuma de Boer (1931-1921) (108-110)
Torch présente un hommage au photographe Posthuma de Boer, récemment décédé. Injustement inconnu en dehors des Pays-Bas – pendant plus de 50 ans, Eddy Posthuma de Boer a parcouru le monde, visitant plus de 80 pays pour capturer la vie humaine. Ses photographies ont été publiées dans des journaux et des magazines tels que Het Parool, De Volkskrant, Time-Life, Avenue et Holland Herald, ainsi que dans de nombreux livres de photos compilés par lui-même. En tant que contemporain d’Ed van der Elsken et de Johan van der Keuken, il peut être considéré comme l’un des plus importants représentants de la photographie humaniste aux Pays-Bas.
