Un Collectif Déterminé
Écrit par Taylor Hall
Tirant son titre de l’Uluru Statement of the Heart, «From All Points of the Southern Sky» (De Tous les Points du Ciel Austral), organisée par Ashley Lumb, puise dans l’élan et la passion des 13 artistes inclus dans l’exposition et leur détermination en tant que collectif. La déclaration invoque le concept Yolngu de «Makarrata», qui se traduit par le rassemblement après une lutte. Ce sentiment est au cœur du mouvement visant à reconnaître les Australiens autochtones dans la constitution du pays et sert de point d’ancrage pour les treize artistes réunis dans l’exposition. Chaque œuvre présentée dans «From All Points of the Southern Sky» est un cri distinctif pour une action collective et une responsabilité partagée.
Au centre de l’exposition se trouve la quête des droits autochtones et leur lien intrinsèque avec le pays. La lutte mentionnée par la Déclaration d’Uluru du cœur est la lutte pour les droits et les réparations des autochtones, qui, malgré de nombreuses tentatives timides et mal orientées du gouvernement australien, est loin d’être terminée. L’exposition met en évidence l’importance des liens culturels intrinsèques entre les peuples autochtones et leur pays, faisant référence à une lutte plus large menée au sein de l’exposition qui est entièrement environnementale.
Présentée au Southeast Museum of Photography de Daytona, en Floride, l’exposition met en lumière la photographie d’Australie et d’Océanie, reflétant largement les problèmes sociopolitiques contemporains de la région. Cela témoigne d’une ère de connectivité internationale pour que le public américain en Floride (ainsi que le public mondial plus large) puissent comprendre les circonstances uniques du changement climatique mondial et les impacts actuels de la néo-colonisation. Par conséquent, malgré l’exploration de questions profondément pertinentes pour l’Australie, «De tous les points du ciel austral» agit comme un appel universel à s’unir face à l’adversité.
Au premier plan de la discussion de l’exposition sur les droits civils autochtones se trouve le besoin urgent de s’attaquer de manière critique à la dévastation causée par l’objectif de la caméra au XIXe siècle. En retrouvant et en retravaillant les images d’archives, des artistes comme Leah King Smith imprègnent une voix autochtone dans un document à l’origine colonial. Artiste australien d’origine bigambul et britannique, King Smith combine des photomontages à exposition unique avec des photographies du XIXe siècle d’Autochtones prises par des photographes européens. L’artiste superpose ensuite ses propres photographies du paysage, peignant parfois des parties et les rephotographiant. L’inclusion de la série Patterns of Connection (1992) de King Smith dans la State Library of Victoria Picture Collection interrompt donc les mécanismes impérialistes d’historicisation. Pour King Smith, la dualité de ces photographies du XIXe siècle sert à la fois de témoin de la réalité de la brutalité passée et de preuve de la capacité des archives à réviser et recontextualiser le regard photographique. Bien qu’ils soient lus dans le présent, les photomontages de King Smith tirent sur les fils d’une pléthore de «temps», incitant à voir l’objet photographique comme vivant et plein de possibilités.
De même, Peta Clancy, une descendante du peuple Bangerang du sud-est de l’Australie, retravaille les récits coloniaux du passé pour offrir une approche authentique et éthique de la réparation. Le travail de Clancy Undercurrent (2019) a été déclenché par ses recherches sur son héritage Bangerang et une carte de massacre victorienne, montrant les lieux de massacres connus de personnes des Premières Nations par des colonisateurs européens entre 1836 et 1853. Clancy a visité des sites de massacre dans le pays du Dja Dja Wurrung et collaboré avec les propriétaires traditionnels du Dja Dja Wurrung et la communauté, prenant des photographies du paysage au fil du temps. Clancy a coupé dans les images physiques, superposant une vue du paysage avec une autre, chaque perspective différant par ses distorsions et ses tons de rose sourds. Dans sa série, les sites de massacre agissent comme une archive stratifiée du deuil. Malgré l’environnement changeant (la rive du fleuve devient submergée), ce qui se trouve sous la surface du site et est maîtrisé par Clancy, ce sont les atrocités «rappelées» par le paysage physique. L’acte de Clancy de démembrer les photographies prises sur le site expose les blessures et le chagrin intériorisé détenus dans la psyché autochtone ainsi que dans la terre.
La vision de Undercurrent sur la terre en tant que témoin et corps actif soumis aux parties «laides» de l’histoire se reflète dans la série Fire (2020) de Stephen Dupont. Les images évocatrices de Dupont documentent la saison des incendies la plus catastrophique d’Australie, «L’été noir» de 2019 et 2020. Pour de nombreux Australiens, les colorations intenses orange, rouge et noir carbonisé qui consomment la flore et la faune australiennes inspirent un profond sentiment de perte, de chagrin et de peine pour l’environnement. Il est important de noter qu’il n’y a pas d’équivalence entre le chagrin ancestral et collectif des Australiens autochtones et les émotions provoquées chez de nombreux Australiens par la perte de paysages et de moyens de subsistance provoquée pendant l’été noir en Australie. Pendant plus de 240 jours, les incendies ont brûlé 46 millions d’acres de terre et tué un milliard d’animaux. L’été noir a été le bouillonnement de décennies de destruction de l’environnement, de négligence du gouvernement et de preuves de notre réalité anthropocène. Alors que la poussière retombe et que les Australiens émergent de ce qui semblait être une réaction environnementale interminable, nous sommes confrontés à une nation en deuil et à sa terre.
Une part importante de ce chagrin peut être tirée de la culpabilité que ces incendies, et plus largement, le changement climatique, sont une conséquence de l’exploitation du monde naturel par la civilisation moderne. Pour la première fois, les humains sont devenus la principale cause de changement environnemental. En dépit d’être le catalyseur du changement, nous avons maintenant un manque horrible de contrôle sur l’avenir de notre impitoyable pays brulé par le soleil. Ce sont des images comme celle de Dupont qui témoignent de la destruction subie par notre pays et son peuple, nous unissant effectivement tous pour reconnaître le poids de cette perte.
Adoptant une approche différente de la «vérité», Anne Zahalka défie les représentations stéréotypées du paysage australien sur carte postale. Zahalka explore le dossier photographique souvent anglocentrique en coloriant à la main et en embellissant numériquement des photos d’archives de dioramas muséologiques. Le résultat est une collision bizarre et satirique entre le paysage pittoresque commercialisé et les réalités de la crise climatique naissante. En adoptant une approche de style pastiche, l’utilisation par Zahalka d’animaux de taxidermie et d’un paysage sursaturé se prête à une vision de l’étrange vallée. Cette méthode est appropriée lorsque nous considérons notre réalité environnementale insondable actuelle. La perte pure et simple de la flore, de la faune, des habitations et des vies, sans parler des impacts environnementaux que les futurs incendies pourraient entraîner, semble exister dans le domaine de l’incroyable.
Les treize artistes de «From All Points of the Southern Sky» se rendent compte que la terre, ainsi que ses habitants, sont dans un cycle similaire et constant de dommages et de réparations. Ce qui est au cœur de l’exposition, c’est la dure réalité à laquelle nous sommes confrontés à la fois dans la bataille pour les droits civils autochtones et le changement climatique mondial, ainsi que notre besoin urgent d’action collective pour panser les blessures du passé. «From All Points of the Southern Sky» nous demande de témoigner de cette douleur et de cette agitation afin de nous rassembler et de nous unir pour cette lutte et celles qui se profilent à l’horizon.
