Yoram Roth est le genre de personne que l’on trouve rarement à Berlin. Bien qu’il soit né à Berlin (1968), il a grandi à New York, où il a acquis et perfectionné sa personnalité unique et son charme cosmopolite. Dans la ville qui ne dort jamais, il a terminé ses études de photographie à l’Université Fordham en 1990 et est retourné dans sa ville natale en 2007. C’est alors seulement que Roth a commencé à s’engager dans la photographie d’art. Aujourd’hui, son propre travail photographique est géré par CAMERA WORK et a été montré à l’international. Le père de trois fils partage le reste de son temps entre la création d’une collection de photographies et la direction d’une entreprise dans le monde de l’art photographique.
Pendant le verrouillage corona, j’ai parlé à ce charmant et puissant catalyseur de sa dernière entreprise: le développement mondial de Fotografiska avec ses filiales récentes et à venir. Nous espérons que pendant que vous restez chez vous,vous profitiez de cette interview en profondeur qui révèle «ce qui est nouveau» avec Yoram Roth.
Nadine Dinter : Depuis de nombreuses années, vous êtes profondément impliqué dans la photographie: vous êtes artiste, collectionneur, président du conseil d’administration et propriétaire majoritaire du célèbre musée Fotografiska. Dites-nous un peu plus sur la façon dont vous jonglez avec ces trois rôles et où l’un commence et l’autre se termine.
Yoram Roth : Eh bien, je ne peux pas dire que je réussisse vraiment à jongler. Après des années de travail en tant qu’artiste photographique, j’ai réduit mon travail. J’ai abandonné mon studio à Berlin et je passe la plupart de mon temps à travailler ces jours-ci. Je voyage beaucoup. L’année dernière, j’étais aux États-Unis et en Chine au moins six fois, sans parler du temps passé dans différentes villes européennes. La plupart de cela concerne Fotografiska, mais j’assiste également à toutes les grandes foires. Malheureusement, je ne suis plus aux foires en tant qu’artiste, mais principalement pour rencontrer d’autres artistes ou leurs galieristes et gérants à propos d’expositions dans les musées. Je garde cette idée que je reviendrais vers l’art comme une forme de retraite anticipée, mais cela semble très loin en ce moment.
ND: Grâce à la représentation de votre galerie via Camera Work, votre travail a été montré dans le monde entier. Quel était le pays dans lequel vous étiez le plus vendu? Et quel marché, en revanche, s’est avéré difficile pour la photographie de nu?
YR : Avoir une grande galerie comme CAMERA WORK me soutenant en tant qu’artiste était certainement un avantage et offrait un excellent aperçu du fonctionnement du marché. Mais finalement, c’est décevant. Le monde entier est devenu plus conservateur, et la nudité est mal considérée ces jours-ci. Bien que mon travail porte sur l’abstraction et les aspects éthérés de la figure humaine, il y a un large contingent de personnes qui ne peuvent pas regarder au-delà de la nudité. J’ai été désinvité de Photofair San Francisco l’année dernière. J’ai dû être sélectif dans le travail que j’ai apporté à Photofair Shanghai, et je n’ai même pas pu montrer mon site Web à Dubaï, sans parler de mes créations. Je suis particulièrement fier d’être européen dans ce contexte. Je suis conscient que je suis un homme cisgenre d’âge moyen travaillant plus sur le corps féminin que masculin, ce qui en fait un chemin particulièrement difficile à parcourir. À San Francisco, mon travail était perçu comme politiquement incorrect, alors que dans l’émirat, il était simplement considéré comme du porno. Ce n’est ni l’un ni l’autre, mais les artistes ont rarement l’occasion d’expliquer leur travail.
ND : Ayant étudié la photographie, cela vous permet-il de voir, de percevoir et de juger l’art des collègues photographes d’une manière différente?
YR : Absolument, bien que j’essaie de rester conscient de mes propres préjugés. J’ai étudié avec Larry Fink à New York à la fin des années 80. À l’époque, l’un de ses projets concernait beaucoup les mains, ce qui m’a touché. Comme tout le monde, mes goûts changent avec le temps, influencés par ce que je vois. J’arrive à voir tellement plus que la plupart des gens parce que je suis tellement impliquée dans la photographie. Il y a certainement un large éventail de styles parmi les artistes incroyablement qualifiés, mais je n’aime pas automatiquement simplement parce que c’est bon. Il est important de séparer ses propres goûts de la tâche à accomplir. Ma collection est très ciblée. Quand il s’agit de sélectionner des travaux à montrer à Fotografiska, c’est la responsabilité du comité de conservation, dont les membres viennent d’un large éventail d’expériences et de milieux. Cela crée des conversations animées, mais les décisions ne concernent pas la collection, bien qu’elles soient définitivement influencées par les goûts personnels de chaque membre.
ND : Dans votre propre monde photographique, vous avez cherché et trouvé l’inspiration dans le monde de l’histoire de l’art. Avec des séries comme «Personal Disclosure», «Brutalism» et «Spatial Concepts», vous avez fait référence au baroque espagnol, à l’architecture de Berlin est, ou à des spatialistes italiens comme Scheggi, Bonalumi et Fontana. Qu’est-ce qui vous a attiré vers ces sujets particuliers?
YR : Ces idées mettent du temps à se développer. Je sais comment je suis arrivé sur chaque projet, et pourquoi j’ai choisi de suivre une idée jusqu’à sa conclusion logique. Il y a beaucoup d’autres idées qui n’ont pas fonctionné, ou que je garde pour de futurs projets. Il me faudrait des heures pour chaque projet pour l’expliquer, donc la version courte devra faire l’affaire. La «divulgation personnelle» concernait essentiellement le caractère sacré du corps humain, et il était logique d’emprunter le langage visuel de ce qui était en grande partie une iconographie religieuse. Le «brutalisme» concernait la persévérance de soi au sein d’un système chargé de placer le bien collectif au-dessus de celui de l’individu. «Concepts spatiaux» consistait à capturer la lumière dans le cadre physique de l’œuvre finale et à faire passer l’impression réelle. De cette façon, c’était exactement comme ce que faisaient ces artistes dans les années 1960, sauf que je l’ai construit autour de la photographie plutôt que de la peinture. Tout mon travail est composé de pièces uniques, je ne fais pas d’éditions. Chaque pièce est composée de plusieurs couches de papier photographique, d’acier et d’acrylique. Allez voir mon site Web si vous voulez mieux comprendre cela.
ND : En plus de votre propre création artistique, vous collectionnez la photographie depuis de nombreuses années. Quel travail fait partie de votre collection?
YR : L’accent de la collection est mis sur le travail qui a pour origine la photographie, mais qui a ensuite un certain degré d’exécution physique. C’est à peu près la même approche que je recherche dans mon propre travail: je collectionne des pièces uniques qui vont au-delà de l’image imprimée. Il y a tellement de grands artistes qui travaillent de cette façon: Peter Beard, Douglas Gordon, Mickalene Thomas, Kyle Meyer, Annegret Soltau, Ulla Jokisalo, Cooper & Gorfer, Christiane Feser, Tawny Chatmon, Tina Berning … c’est une collection assez spécifique. Je collectionne également des photographies mises en scène, y compris des œuvres d’artistes établis comme David LaChapelle, Marilyn Minter ou Sandy Skoglund, mais aussi des talents émergents comme Julie Blackmon, Maisie Cousin ou Anja Niemi.
ND : De plus, vous avez soutenu des institutions photographiques / artistiques telles que C / O Berlin en tant que mécène majeur. Avez-vous appris l’importance de la philanthropie à New York, où vous avez grandi? Que pensez-vous du manque de mécénat de bienfaisance en Allemagne par rapport aux États-Unis?
YR : Je suis très actif dans la charité, bien que la plupart se soit concentrée sur les questions d’inclusion des immigrants, pas tellement sur l’art. En fait, je pense que nous devons trouver une nouvelle façon de penser la culture en Europe. L’idée de travailler pour le profit est considérée par certaines personnes comme une sorte de preuve que vous n’êtes pas sérieux au sujet de l’art. Cette attitude est fastidieuse et destructrice. En Allemagne, et plus précisément à Berlin, cela signifie que les mêmes endroits obtiennent tous les financements, souvent liés à leur capacité à réseauter sans relâche avec certains responsables de la ville culturelle, tandis que leur offre est très précieuse dans une sorte de regard nombriliste. Ce que je respecte tant à propos de C / O Berlin, c’est qu’ils essaient de trouver un moyen qui tient debout. Les expositions sont super, et cela aide à attirer un large et curieux public. En général, on s’attend à ce que le gouvernement finance les activités culturelles, alors qu’aux États-Unis, la participation des particuliers qui soutiennent les arts est beaucoup plus importante. C’est largement absent en Europe, et c’est dommage. Une déduction fiscale plus importante pour les dons de bienfaisance déclencherait toute une vague de bons efforts.
ND : Vous avez consacré la majeure partie de votre temps à la constitution du réseau mondial du musée Fotografiska très respecté, avec des ouvertures récentes à New York et à Tallinn. Fondé en 2010 à Stockholm, ce concept de musée innovant et vivant a ravi son public depuis son ouverture. Quel est le secret de son succès et comment fonctionnent-ils par rapport aux autres musées?
YR : Fotografiska est tout au sujet de l’inclusion. De nombreux musées et autres institutions artistiques insistent sur un certain air d’importance. En tant que visiteur, vous avez le sentiment que vous devriez être surpris par des tons calmes et étouffés, et toutes les questions que vous pourriez avoir sur l’art sont la preuve que vous ne comprenez pas et que vous n’appartenez pas vraiment. Nous rendons l’art accessible. La photographie n’est pas intimidante, tout le monde se sent à l’aise d’avoir une opinion. De plus, les gens apprécient vraiment une bonne photographie de nos jours. Lorsque les téléphones intelligents avec appareils photo sont devenus omniprésents il y a dix ans, tout le monde a déclaré la mort de la photographie. Cela a certainement eu un effet sur le photojournalisme, mais en général, il y a une bien plus grande appréciation pour une bonne image, en partie parce que tout le monde a maintenant des milliers de photos merdiques sur son appareil photo numérique. Les gens se sont rendu compte qu’il fallait plus qu’une combinaison intelligente de boutons pour faire une bonne photo. L’artiste doit avoir des compétences, un point de vue et une approche unique.
Nous avons bâti notre entreprise sur la base de la photographie et de la confiance de la communauté créative. Nous présentons les plus grands photographes, qu’il s’agisse juste d’artistes émergents ou déjà de renommée internationale. Fotografiska montre tout, des beaux-arts à la culture pop, aux paysages, aux gens, à la mise en scène ou à la photographie de mode. Nos expositions sont développées directement avec les artistes, ou organisées autour d’un thème central. Nous exploitons de grands espaces d’exposition modernes, proposant plusieurs expositions de photographie simultanément, ce qui signifie que nous avons généralement quatre ou cinq expositions différentes en vue par musée. Mais nous ne sommes pas un musée de collection, ni une galerie. Cela signifie que nous n’achetons pas l’art et que nous ne le vendons pas. Au lieu de cela, nous travaillons directement avec les artistes, les galeries, les domaines et les collections privées. Nous avons organisé plus de 200 expositions à succès au cours des dix dernières années.
L’expérience autour de la photographie est tout aussi importante. Nous offrons à notre communauté de membres une énorme quantité de programmation, des conférences d’artistes et des ateliers aux soirées DJ et concerts intimes. Il se passe quelque chose de spécial chaque jour. Un musée Fotografiska a un grand restaurant et un bar, car c’est toujours au cœur de la façon dont nous passons du temps avec nos amis et nos proches. Nos musées sont ouverts jusqu’à 23 h ou plus tard tous les jours, et vous pouvez parcourir nos expositions avec un verre de vin à la main, ou tout simplement vous amuser dans nos espaces événementiels. L’objectif simple mais difficile est de réinventer le musée pour la prochaine génération. Ce ne peut pas être seulement des murs blancs avec des tableaux suspendus et de petits panneaux d’information, ce n’est tout simplement plus suffisant.
ND : Quelles sont les prochaines villes à l’ordre du jour?
YR : Nous avons beaucoup de conversations passionnantes, mais ce ne sont pas des pop-ups du jour au lendemain. Cela prend au moins deux ans de l’introduction à l’ouverture. Nous évaluons les opportunités à Berlin et Copenhague, mais aussi à Lisbonne, Toronto, Shanghai, Pékin et Istanbul. Il y a tellement de villes où une Fotografiska pourrait fonctionner, mais nous ne pouvons pas toutes les faire. En tant qu’entreprise artistique, nous devons progresser plus lentement que certaines entreprises normales.
ND : Covid-19 a-t-il affecté Fotografiska?
YR : Bien sûr. Les entreprises culturelles sont probablement les plus durement touchées. Nous ne sommes pas une grande industrie que le monde de la finance considère comme essentielle à sa mission. Il n’y a pas beaucoup de soutien dans la plupart des pays pour l’entrepreneuriat culturel. Ça a été extrêmement difficile. Nous avons dû prendre des mesures drastiques pour conserver les liquidités, garantissant ainsi notre capacité à redémarrer dès que nous y sommes autorisés. Mais au moins, nous avons une communauté solide qui nous fait confiance, nous avons donc lancé un certain nombre de projets de photos de refuges à domicile. Jetez un œil à notre flux Instagram de New York Fotografiska ou au hashtag #fotophoto. J’espère que dans un an, nous regarderons tous avec étonnement ce que nous avons dû endurer.
ND : Des conseils pour d’autres personnes qui souhaiteraient investir dans la photographie / les arts et qui n’ont pas encore d’expérience?
YR : Regardez autant d’art et de photographie que possible; votre œil, votre compréhension et votre goût se développeront au fil du temps et de l’exposition et de l’expérience. Ne l’approchez pas comme une sorte d’entreprise. En fin de compte, vous devez vivre avec, alors assurez-vous que vous aimez ce que vous collectez. Essayez de connaître les artistes et de les soutenir ainsi que leurs galeries à mesure qu’ils grandissent. Les artistes et leurs œuvres ont un point de vue; pensez à ce que la collection dit dans son ensemble. Collectionner, c’est faire partie d’une communauté et communiquer. L’art est important et l’art nous oblige tous à participer.
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