Dans le cadre de la Photobiennale-2020, le Multimedia Art Museum, Moscou présente l’exposition Certain Disorder. Œuvres de la collection Antoine de Galbert.
Antoine de Galbert est un grand collectionneur et philanthrope français, fondateur du légendaire centre d’art parisien Maison Rouge, où se sont déroulées pendant plus de 15 ans certaines des expositions les plus intéressantes, allant au-delà des paradigmes acceptés de la démarche curatoriale. C’était un lieu qui exposait l’art contemporain et l’art brut, où les classiques étaient exposés et de nouveaux noms découverts. Les activités d’exposition de la Maison Rouge s’appuyaient sur la vaste collection d’Antoine de Galbert et d’autres collectionneurs privés, ainsi que sur des collections de musée. Au cours des 15 années de son existence, la Maison Rouge est devenue l’un des pôles les plus importants, concentrant l’énergie intellectuelle de Paris.
L’exposition ‘Certain Disorder. Œuvres de la collection Antoine de Galbert »est une continuation du programme« Collections privées du musée »au MAMM. Le choix des objets exposés et la structure expliquent les mécanismes psychologiques complexes et subtils qui déterminent le processus sélectif du collectionneur pour inclure une œuvre particulière dans la collection.
Cette exposition basée sur la section photographie de la collection d’Antoine de Galbert a été spécialement préparée pour la «Photobiennale-2020» de Moscou. Elle présente des images des photographes et des artistes les plus influents qui utilisent la photographie comme médium dans leur travail, ainsi que des images d’auteurs inconnus et de jeunes artistes qui entrent tout juste dans le monde de l’art.
L’exposition comprend des images d’auteurs tels que Man Ray, Brassaï, Constantin Brancusi, Josef Sudek, Mario Giacomelli, Miroslav Tichý, Roman Opalka, Dieter Appelt, Hilla Becher, Abbas, Joel-Peter Witkin, Hiroshi Sugimoto, Annie Leibovitz, Gilbert & George , Anders Petersen, Gunther Brüs, Agnès Geoffray, Mikhael Subotzky et bien d’autres.
«Depuis plus de 30 ans, je collectionne des œuvres de différents genres: art brut, art populaire, primitivisme, modernisme, art contemporain», écrit Antoine de Galbert. «Beaucoup ont été exposés dans les salles d’expositions de ma fondation La Maison Rouge ou dans d’autres expositions en France et à l’étranger. Les œuvres de ma collection ont également été présentées comme des projets de musée indépendants. Leurs titres tels que «So Be It» (Ainsi soit-il), «Voyage in My Head» (Voyage dans ma tête), «My Paris» (Mon Paris), «A Hundred Portraits» (Cent portraits), «Memories of a Journey »(Souvenirs de voyage) ou« Coiffures du monde entier » (Le monde en tête) sont une expression de la collection comme mode de vie, voyage passionnant et aventure.
L’idée de créer et de présenter le projet «Certain Disorder» au MAMM est venue d’Olga Sviblova. Elle a suggéré que l’exposition se concentre exclusivement sur des œuvres photographiques, même si ma collection comprend des images de types d’art et de médias très différents. N’étant pas un expert professionnel, j’ai tendance à acheter des photographies en fonction de leur message ou de leur pertinence par rapport aux sujets qui me concernent avant tout. Des critères tels que le caractère unique d’un tirage photo ou son rôle dans l’histoire de la photographie sont pour moi secondaires.
Les expositions sont agencées selon différents thèmes et sujets: nuits étoilées, visages, vues, folie, corps, mort … Elles soulèvent toutes des interrogations sur l’avenir de l’homme, le sort de l’homme et sa place dans le monde. Et ils se réfèrent à la complexité et à l’ambiguïté de l’existence humaine, révélant les aspects les plus sombres, les plus grandes contradictions.
La date de ces œuvres couvre une période de temps importante: de l’époque de l’invention de la photographie (Guillaume Duchenne de Boulogne, 1856) à nos jours (Mari Katayama et bien d’autres). Il y a des auteurs célèbres et aussi ceux dont les noms seront une révélation pour beaucoup. Tout cela est une conséquence du fait que j’achète les œuvres que j’aime vraiment, pas celles que j’ai «besoin» d’acheter.
Pour les collectionneurs privés, trouver des pièces qui reflètent leurs rêves, leurs fantasmes ou leurs peurs implique toujours un voyage, à la fois mental et géographique. Cela se déroule sur un territoire si infini qu’une rencontre avec «votre» œuvre devient une question de hasard et de chance.
Si le collectionneur ne court pas après la mode et les sujets d’actualité, sa collection sera une combinaison des rares trouvailles réussies avec des lacunes des réunions ratées qui se produisent si souvent dans la vie. Une collection est un assemblage chaotique des souvenirs rapportés de vos voyages.
À moins que l’on ne parle d’une collection de samovars, une collection privée donne toujours l’impression d’un certain désordre. Mais il y a aussi un sentiment d’unité, manifesté à l’image du collectionneur lui-même et reflété de manière invisible dans sa collection. »
La section sur le côté irrationnel de la nature humaine s’ouvre sur des portraits photographiques d’Antonin Artaud par Man Ray (1926) et Denise Colomb (1947). Artaud était un écrivain, poète, dramaturge, acteur, metteur en scène et théoricien du théâtre français qui a consacré sa vie et son œuvre à la question d’une nouvelle justification de l’art, de sa place dans le monde et du droit d’exister. Artaud a développé son propre concept de théâtre, le théâtre de la cruauté. Son théâtre a sorti le public de son équilibre émotionnel quotidien pour pénétrer le subconscient, révélant la cruauté primordiale de l’existence humaine. Les états qui dépassent les frontières du rationnel sont explorés dans les travaux d’Eugene Smith, Agnès Geoffray, Anders Petersen, Boris Mikhailov et Christian Fogarolli, dont la série photographique est basée sur les archives d’une clinique psychiatrique italienne.
Tout comme un individu essaie de percevoir les profondeurs de son subconscient, il cherche également à comprendre l’Univers. La partie « cosmique » de l’exposition comprend à la fois la photographie scientifique et des projets artistiques, allant de « l’Atlas de la Voie lactée du Nord » (1934) de l’astronome américain Frank Elmore Ross, après qui des milliers de corps célestes sont nommés, au projet ‘ Les etoiles pures » de l’artiste française Juliette Agnel, dont les œuvres figurent parmi les découvertes les plus marquantes des Rencontres d’Arles International Photography Festival en 2017.
Un choc entre le sublime et le grave est une technique utilisée par les deux autres artistes présentés dans cette section. Pour créer le projet «Blind Gestures», la société belge Nicolás Lamas a scanné l’écran mort d’un iPad, «révélant» des rayures, des empreintes digitales et de la poussière sur la surface, qui formaient un semblant de paysage astronomique sur un fond noir profond. L’artiste conceptuel espagnol Joan Fontcuberta fournit à chaque œuvre du projet «Constellations» tous les attributs de la photographie astronomique scientifique (coordonnées, heure exacte). Mais en fait, cela représentent des insectes et de la saleté collés au pare-brise de la voiture de l’artiste. Ce projet ironique, dans lequel le rêve de l’espace se brise comme des insectes sur un pare-brise, remet en cause la crédibilité de la photographie comme document indéniablement véridique et problématise le rapport entre l’apparence et la réalité.
En plus de la connaissance du monde environnant, l’homme lui-même, par son acte créateur, crée un paysage artificiel qui devient partie intégrante de son environnement et objet de recherche photographique. Cette section comprend le travail photographique du grand sculpteur Constantin Brancusi, qui considérait la photographie comme le moyen idéal de transmettre l’aspect dynamique «vivant» de ses sculptures. Le célèbre artiste japonais Hiroshi Sugimoto est représenté par l’œuvre «Cambrian Period» de sa légendaire série «Dioramas». L’artiste a souvent répété que toute sa vie il n’avait jamais cru ses yeux, ne sachant pas que ce qu’il avait vu existait vraiment: « J’ai passé ma vie à faire la navette entre les rêves et la réalité comme ça, forçant une sorte d’accommodement entre les deux états. » Analysant sa série «Dioramas», il écrit: «Ma caméra pouvait arrêter le temps dans les dioramas – où le temps avait déjà été arrêté une fois – pour la deuxième fois. Tuer quelque chose qui était déjà mort pourrait-il le ramener à la vie? … Quand je crée une photographie «Diaroma», je ne suis pas un simple spectateur; Je fais partie du monde irréel du diorama. » New York dans la photographie de Walker Evans, le convoyeur de charbon du convoyeur de Hilla Becher et les plans d’architecture de Dora Maar et Otto Wols développent le thème des paysages artificiels créés par l’homme.
La section d’exposition consacrée au thème de l’auto-identification par la corporéité s’ouvre sur un portrait d’Henri Toulouse-Lautrec (1892). Cette partie comprend des œuvres d’artistes tels qu’Erwin Wurm, Guillaume Treppoz, Istvàn Szirànyi, Gunther Brüs, Annie Leibovitz, Mari Katayama et d’autres, démontrant comment différentes approches du sujet de la corporéité ont été actualisées dans différentes sphères de la photographie, qu’elle soit scientifique, appliquée ou artistique. L’intérêt pour ce sujet réapparaît dans l’art après la Seconde Guerre mondiale, et surtout chez les actionnistes viennois, dont Gunther Brüs faisait également partie. L’artiste conceptuel autrichien Erwin Wurm «équipe» le corps humain d’appareils fantastiques pour augmenter sa fonctionnalité. Mari Katayama, participante au projet principal de la 58e Biennale de Venise, rassemble les lignes centrales du discours artistique moderne lié à la corporéité dans ses œuvres de performance.
En Russie, le processus de collecte sérieuse de photographies n’a commencé que dans les dernières décennies. Nous espérons que cette exposition intéressera tous ceux qui aiment l’art de la photographie et ceux qui réfléchissent aux principes qui peuvent être utilisés pour constituer une collection privée.
Photobiennale-2020 Moscou: certains troubles. Œuvres de la collection Antoine de Galbert
Commissaire: Antoine de Galbert
Avec le soutien de l’Ambassade de France en Fédération de Russie et de l’Institut français en Russie
5 septembre 2020-22 novembre 2020
Multimedia Art Museum, Moscow
Ostozhenka, 16
