Il s’agit du vingt deuxième volet de la série en ligne de la Peter Fetterman Gallery intitulée The Power of Photography mettant en évidence l’espoir, la paix et l’amour dans le monde. Nous vous invitons à apprécier et prendre le temps de la réflexion sur ces œuvres.
Arthur Elgort (b. 1940)
Stella Diving, Watermill, NY, Vogue, 199
© Arthur Elgort/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Eh bien, Arthur a certainement fait une “plaque” ce jour là. C’était un « cadeau » de dernière minute des dieux de la photo. Le shooting était pour Vogue stylisé par la grande Grace Coddington pour des tweeds chauds et lourds. Le monde de la mode a son propre cycle et c’était pour une collection d’hiver mais devait être photographié au plus fort de l’été. C’était une journée incroyablement chaude, la séance était difficile, tout le monde était un peu épuisé à la fin de la journée, notamment la patiente mannequin Stella Tennant. Comme tout le monde était sur le point de l’appeler un jour, Tennant lui a suggéré de plonger dans la piscine avec ses vêtements et ses bottes en caoutchouc pour se rafraîchir. Elgort et Coddington ont immédiatement vu que cela pourrait en effet être une opportunité spéciale imprévue. C’était un pari unique. Stella a plongé et le reste est comme on dit l’histoire de la photographie de mode. Elle est imprégné de la liberté de style et de la « joie de vivre » typiques d’Elgort.
Irving Penn (United States, 1917-2009)
Three Dahomey Girls, 1961, printed 1972
© Estate of Irving Penn/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Pendant une longue et illustre carrière, 1967 a été une année très spéciale pour Irving Penn. C’est l’année où il se rend au Dahomey (aujourd’hui Bénin) pour Vogue. Ce portrait d’enfants du Dahomey est l’un des plus réussis de la série. À l’aide d’un studio portable construit à dessein, Penn a adopté son approche méticuleuse habituelle.
Comme il l’a dit, “Je les ai posés physiquement et j’ai dirigé leur attention par geste. Elles ont été hypnotisées par la caméra. Je les adorais et elles le savaient. Elles se sont présentées à moi et à chaque exposition de film en toute confiance. »
Entre les mains d’un compagnon praticien, ce ne serait qu’un enregistrement photographique mais Penn en fait une œuvre d’art rehaussée par l’utilisation du procédé de tirage au platine dont il était un véritable maître. Il a consacré de nombreuses heures à la production de chaque tirage en plaçant à la main le négatif et le papier couché en émulsion en contact direct l’un avec l’autre. Cela se traduisait par des teintes chaudes. Ensuite, Penn appliquait des produits chimiques directement sur l’image avec un pinceau, ce qui donnait un chef-d’œuvre au ton riche.
Le tirage est incroyablement beau et tendre et très, très émouvant. Digne de son sujet.
Lillian Bassman (1917-2012)
Barbara Mullen, Harper’s Bazaar, New York, c. 1958
© Estate of Lillian Bassman/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Lillian a eu une longue et merveilleuse vie créative. Nous avons travaillé en étroite collaboration pendant plus de 20 ans et j’ai eu l’honneur de présenter sa première exposition sur la côte ouest. Son talent lui a permis de percer le « club des garçons » de la photographie de mode. Elle n’a jamais été une carriériste totale comme Penn ou Avedon, mais elle était tout aussi douée et ils étaient tous amis et collègues, bien que compétitifs. Mais elle était aussi une mère dévouée qui élevait deux jeunes enfants et équilibrait un travail de jour réussi, ce qui n’était pas une mince affaire ni à l’époque, ni aujourd’hui.
Ce qu’elle m’a souvent dit, c’est qu’il y avait toujours une différence lorsqu’une femme photographiait un modèle par rapport à un homme. Fini l’aspect performance du modèle essayant de séduire le photographe et à sa place il y avait cette « connexion » spéciale.
Ses modèles semblent « réels » et détendues au lieu d’être quelque peu objectivées. Lillian leur parlait de leurs maris, petits amis, amants, enfants. Elles se sont ouvertes à elle. Leur beauté est devenue « naturelle » devant son objectif et cela se voit.
Gianni Berengo Gardin (b. 1930)
Florence, 1962
© Gianni Berengo Gardin/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Je peux comprendre les mots simples de Gianni sur la photographie comme étant la façon dont il a vraiment tout appris sur la vie et la culture à travers elle. Cela m’a tellement appris et cela ne cesse de m’apprendre. Chaque rencontre avec une nouvelle grande image est une aventure.
À première vue, cette photographie semble si simple. Une petite fille vêtue de sa robe blanche de communion court à Florence. Mais c’est beaucoup plus que cela. C’est un nouveau départ, un nouveau sentiment de liberté et un nouveau voyage plein d’espoir.
Sebastião Salgado (b. 1944)
Chemical sprays protect this fire fighter against the extreme flame temperature. Greater Burhan Oil Field, Kuwait, 1999
© Amazonas Images/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Sebastião a encore une fois été témoin pour nous tous au début des années 90 de l’un des actes de destruction les plus dévastateurs jamais vus au 20ème siècle. Il y a des catastrophes naturelles que personne ne peut prévoir ni contrôler, puis il y a des catastrophes humaines préméditées. Celui-ci était le geste d’adieu de Saddam Hussein au monde et à ses ennemis. Il a créé l’enfer sur terre en faisant exploser près de 600 champs de pétrole.
La leçon que nous apprenons est qu’il y a toujours une relation étroite qui existe entre les humains et l’environnement dans tout conflit et nous ferions mieux d’en tenir compte. Tout ce que fait l’homme affectera toujours l’environnement à la fin.
Les images produites par Sebastião sont choquantes et étonnantes comme toutes les autres que j’ai vues. Pour moi, malgré l’horreur dépeinte, il y a une petite affirmation en eux car elles montrent les efforts héroïques d’un groupe de personnes, des pompiers qualifiés principalement du Canada et de Houston, qui ont risqué leur vie pour contenir cette horreur.
Sabine Weiss (b. 1924)
Dior, Paris, 1958
© Sabine Weiss/Courtesy Peter Fetterman Gallery
C’est un moment de l’histoire de la mode, magnifiquement capturé par la jeune Sabine Weiss, 96 ans. Christian Dior était récemment décédé, mais le spectacle doit continuer. Son successeur est Yves Saint Laurent incroyablement jeune et mince a repris le flambeau. Sous beaucoup de pression pour faire sa propre marque, sa créativité se manifeste. Il propose cette brillante idée de la « Ligne Trapeze » basée sur la forme évasée d’un trapèze, se tenant avec désinvolture loin du corps, sa propre version de la robe sans taille mais toujours fermement dans la tradition Dior. elle est bien accueillie par la critique et les acheteuses et devient le véritable « hit » de la saison ce qui l’a fermement établi non seulement comme l’héritier légitime de Dior, mais comme un nouveau talent majeur lui-même. La photographie a été faite devant le siège de la Maison Dior, 30 avenue Montaigne.
Même le chien est magnifiquement habillé ainsi que l’élégant portier sans oublier le glorieux parapluie rouge, une merveilleuse touche supplémentaire. Pure magie des années 50.
Joel Bernstein (b. 1952)
Joni Mitchell, Skating on Lake Mendota, 1976
© Joel Bernstein/Courtesy Peter Fetterman Gallery
J’adore Joni Mitchell et c’est ma chanson préférée. C’est une sensation que beaucoup d’entre nous ressentent en ce moment. Oh, juste pour pouvoir s’éloigner de tous les problèmes actuels auxquels nous sommes tous confrontés.
Joel Bernstein est un brillant photographe et a créé certaines des images musicales les plus emblématiques de musiciens tels que Springsteen, Neil Young et Graham Nash. Il était en quelque sorte un enfant prodige et a photographié Joni pour la première fois à l’âge de 15 ans. Il a entendu Joni pour la première fois interpréter cette chanson « River » lors d’un concert en novembre 1969, quelques jours après sa composition. La puissance des paroles lui a immédiatement suggéré une photo en noir et blanc d’elle vêtue de noir en train de patiner sur une rivière gelée en regardant par-dessus son épaule. C’était un rêve qui ne pouvait pas être réalisé à l’époque.
Flash forward Joel est en tournée avec Joni. La tournée se termine brusquement à Madison, Wisconsin. Ils ont un peu de temps libre après un emploi du temps chargé. Ils sont assis ensemble dans le restaurant de l’hôtel tandis qu’un blizzard tourbillonne sur le lac gelé à l’extérieur. Joel la convainc de réaliser enfin sa vision de « Carpe Diem ». L’histoire de la musique et de la photo est faite. Les images ont été utilisées dans le volet dépliant de son célèbre album « Hejira ».
Les images sont devenues une incarnation de l’esprit de Joni et de la beauté éternelle de sa musique et du pouvoir de la photographie pour évoquer une émotion aussi primitive.
Steve McCurry (b. 1950)
Taj and Train, India, 1983
© Steve McCurry/ Courtesy Peter Fetterman Gallery
C’est une image chargée d’histoire. Elle aurait presque pu être prise au XIXe siècle par l’un des grands pionniers de la photographie de voyage comme Samuel Bourne ou John Murray. C’est en soi un document historique. Ces vieilles locomotives à vapeur ont elles-mêmes aujourd’hui disparu, remplacées par des trains électriques dans la course à la modernisation de l’Inde contemporaine.
Mais il a une vraie grandeur et un témoignage de l’œil magique de Steve alors qu’il juxtapose la majesté du Taj Mahal avec ses courbes blanches chatoyantes dans les tons chauds du soleil levant contre la colossale machine à vapeur noire et rouillée symbolisant la fin d’une époque et le début d’une nouvelle. Et bien sûr le turban rouge complète la composition.
Peter Fetterman Gallery
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