Il s’agit du vingtième volet de la série en ligne de la Peter Fetterman Gallery intitulée The Power of Photography mettant en évidence l’espoir, la paix et l’amour dans le monde. Nous vous invitons à apprécier et prendre le temps de la réflexion sur ces œuvres.
William Klein (b. 1928)
Fellini Drinking Coffee, 1956
© William Klein/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Si vous aimez Rome, vous aimez les films de Fellini et qui n’aime pas ? Et si vous aimez le café, cela pourrait être l’image parfaite pour vous transporter.
William Klein est l’un des grands photographes iconoclastes du XXe siècle. Il est unique en son genre et il n’y en aura jamais un autre comme lui. Fellini c’est pareil. Qui d’autre pourrait créer un cinéma aussi inoubliable que « La Strada », « 8 I/2 », « La Dolce Vita », « Juliette des esprits », « Roma », « Et Vogue le Navire » et tant d’autres classiques.
Ils étaient destinés à se rencontrer. Klein est venu vivre à Paris après avoir créé son premier livre étonnant “Life is good and good for you in New York” (« La vie est bonne et bonne pour vous à New York »). Il savait que Fellini était en visite à Paris, il a trouvé l’hôtel où Federico séjournait, il a appelé et demandé à le rencontrer. Fellini lui demande de venir. Klein lui a présenté son livre « Je l’ai déjà. C’est sur ma table de chevet. » Ils se connectent et Fellini lui demande de venir à Rome pour être son assistant sur son prochain film « Les Nuits de Cabiria ». Klein n’avait aucune idée de ce que signifie être assistant. Fellini lui dit « Si je suis malade, tu filmes ».
Il le rejoint à Rome et le film est retardé. Ayant besoin de faire quelque chose, il sort dans la ville en force . Comme le dit Bill,
“Comment pourrais-je donner un sens photographique à une ville que je connaissais à peine et dont je parlais à peine la langue ? Mais c’est le problème de la photographie en général. J’étais prêt à prendre une photo… J’ai vite découvert que les Romains réagissaient à la caméra un peu comme les New-Yorkais. Tout le monde sentait qu’il méritait d’être photographié, immortalisé.”
Pendant qu’il était là, je pense qu’il a créé certaines de ses plus grandes images et fait écho dans ses réalisations à mes mots préférés de Fellini,
« Il n’y a pas de fin. Il n’y a pas de commencement. Il n’y a que la passion infinie de la Vie.”
Gianni Berengo Gardin
Tuscany, 1965 (Printed 2020)
© Gianni Berengo Gardin/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Comme nous ne sommes plus en mesure de voyager en toute sécurité pour le moment, les souvenirs de ceux d’entre nous remplis d’envie de voyager reviennent. Qui peut oublier la joie et la beauté que nous a procurées la Toscane ? Ses villes historiques, ses musées d’art, ses villes médiévales perchées sans parler de sa belle campagne.
L’image profondément simple mais émouvante de Gianni nous y transporte immédiatement. Il s’est rendu compte très tôt dans sa carrière que pour photographier au mieux un paysage, il faut garder une certaine distance et observer d’une certaine hauteur pour tout saisir.
La plupart des grandes images de paysage créées dans l’histoire de la photographie sont pour la plupart dépourvues de personnes. Pensez à Ansel Adams. Mais Gianni étant le grand photographe humaniste qu’il est, intègre souvent l’histoire humaine, la relation humaine dans son cadre. Il est facile de s’imaginer en train de remonter l’élégante route sinueuse entre les cyprès entourés de terres qui ont existé pendant des siècles avant notre arrivée et le seront pendant des siècles après notre départ.
Willy Ronis (1910-2009)
La Peniche aux Enfants, Paris, 1959
© Estate of Willy Ronis/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Willy était l’un des photographes les plus doux, intelligents et compatissants avec qui j’ai eu l’honneur de travailler. Il avait vécu une vie riche non sans déceptions et tragédies. Son rêve de jeune homme était d’être compositeur, mais il l’a abandonné après la mort de son père pour subvenir aux besoins de sa famille en reprenant son studio de portrait. Il a eu une longue carrière en tant que photojournaliste, il été a à la mode et s’est retrouvé démodé avec beaucoup de luttes entre les deux. Mais il n’a jamais perdu sa passion pour la vie et les moments de joie ordinaires qu’il a capturés à travers son travail personnel.
Cette image a toujours tenu une place de choix dans son studio. J’avais toujours hâte de la voir ainsi que lui à chaque fois que j’étais à Paris et lors de nos déjeuners réguliers au cours de nos 20 ans d’amitié.
Colin Jones
The Steel Works, Sunderland, North East England, 1963
© Colin Jones/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Colin Jones a d’abord suivi une formation de danseur de ballet, puis a effectué un virage à 360 degrés et est devenu photographe. Lorsqu’il était plus jeune, il s’intéressait particulièrement à la représentation des paysages industriels du nord de l’Angleterre et des communautés ouvrières auxquelles il était lié. Il a compris la dureté de la vie quotidienne des personnes travaillant dans des industries lourdes en déclin, notamment les sidérurgistes, les mineurs de charbon, les constructeurs sur les chantiers navals et les dockers. Leurs vies avaient façonné ces régions depuis la révolution industrielle, mais Colin sentait que leur mode de vie allait bientôt disparaître à jamais et il voulait le capturer.
La photographie de l’homme se rendant au travail à vélo a été prise tôt le matin, lorsque la brume des nuages s’est mêlée à la vapeur des trains sur les voies ferrées adjacentes et à la pollution des hautes cheminées de l’aciérie au loin. Ce sont les derniers trains à vapeur qui circulent sur une ligne spéciale qui amène le charbon directement des mines pour alimenter les aciéries.
Bien que cette photographie ait été prise en Angleterre, on peut voir des schémas similaires se produire dans de nombreux autres pays industriels en mutation en Europe et ici aux États-Unis.
Andrew Kent
David Bowie – Thin White Duke, 1976
© Andrew Kent/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Chaque fois que je me sens un peu déprimé et que j’ai besoin d’un petit coup de pouce, j’écoute simplement cette chanson de Bowie, ma préférée et je me sens mieux et plus énergique. Bien sûr, ayant grandi en Angleterre en même temps, sa musique était assez percutante. Qui peut oublier la fois où ils ont écouté pour la première fois « The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars » ?
C’était l’une des voix les plus originales de l’histoire du rock. Il a ajouté un nouveau sens au mot « Réinvention » en constante évolution et sans peur dans sa créativité.
Andrew Kent a l’une des plus grandes séries sur lui. En 1975, il a décroché le “concert” de sa vie. Il avait été chargé par Bowie de documenter avec un accès complet son tour du monde. Des images étonnantes de Berlin, Paris, New York, Londres, Helsinki et la Russie.
Il y a quelques années, alors qu’il exposait à une foire d’art à New York, David Bowie entre dans le stand. Il était plus que cool, amical, articulé et curieux et posait des questions tellement intéressantes. Comme il l’a dit un jour,
“Je suppose que pour moi en tant qu’artiste, il ne s’agissait pas toujours d’exprimer mon travail. Je voulais vraiment, plus que toute autre chose, contribuer d’une manière ou d’une autre à la culture dans laquelle je vivais. Cela semblait juste être un défi de l’amener un peu vers la façon dont je pensais qu’il pourrait être intéressant d’aller.”
Eh bien, il a certainement fait cela et bien plus encore.
William Klein (b. 1928)
Simone & Nina, Piazza di Spanga, Rome (VOGUE), 1960
© William Klein/Courtesy Peter Fetterman Gallery
C’est l’une des images les plus vénérées de l’histoire de la photographie de mode. Facile de voir pourquoi.
L’enfant terrible et franc-tireur William Klein l’a photographié pour le Vogue français en 1960 à Rome. Il repoussait toujours les barrières. Cela était ancré dans son ADN et sa personnalité. Il aimait se moquer de l’artificialité et du snobisme du monde de la mode et a ensuite réalisé un long métrage « Qui êtes-vous Polly Magoo ? » c’est exactement ça.
C’était sa vision pour ce cliché. Deux mannequins en robes noires et blanches se croisant sur la Piazza di Spagna, les rayures des robes du mannequin faisant écho aux rayures du passage piéton. Il leur a demandé de faire des allers-retours. Bill photographiait avec un téléobjectif. Cela a plutôt bien commencé, puis les ravages ont commencé à se produire. Les gens ont commencé à s’arrêter et à regarder et la circulation autour de la place s’est pratiquement arrêtée. J’ai déjà essayé de conduire à Rome et j’ai été choqué. Les deux modèles non chaperonnés ont commencé à attirer l’attention indésirable de nombreux hommes romains au sang chaud qui les ont peut-être pris pour des escortes haut de gamme. La styliste de Vogue s’arrachait les cheveux craignant pour la sécurité des modèles et le tournage a dû être interrompu à cause de tout le chaos qui éclatait partout, mais pas avant que Klein n’obtienne son cliché légendaire.
Les célèbres modèles Simone D’Aillencourt et Nina de Voogt ont vécu pour se battre de nombreux autres jours avec Klein et tous les autres grands photographes avec lesquelles elles ont pu collaborer. Le tout en une journée de travail, n’est-ce pas ?
Elliott Erwitt (b. 1928)
New York City [dog & sandals], 1946
© Elliott Erwitt/Courtesy Peter Fetterman Gallery
1946 a été une année importante pour Elliott. C’est l’année où cette image a été prise, ce qui est généralement reconnu comme sa photo de chien révolutionnaire. En mission pour un shooting de mode pour chaussures, le génie d’Elliott a été de se rendre compte que n’importe quelle image serait beaucoup plus intéressante si elle était prise du point de vue du chien.
Ses autres aventures privées dans ce domaine continuent de lui apporter beaucoup d’acclamations et de nouveaux admirateurs.
Elles sont difficiles à résister. Beaucoup ont essayé de suivre son chemin avec les chiens mais ne se sont jamais approchés de sa perspicacité ou de son charme.
Sarah Moon (b. 1941)
A Bouche Perdue, 2000
© Sarah Moon/ Courtesy Peter Fetterman Gallery
Lorsque vous vous tenez à côté d’une photographie de Sarah Moon, vous êtes immédiatement transporté dans un paysage de beauté et de rêve. Son style éthéré est unique dans sa délicatesse et dans les émotions subtiles mais puissantes qu’il suscite. Elle nous invite à un voyage à la fois inspirant et révélateur. C’est un monde, pour être honnête, que je ne veux jamais quitter. Un monde plein de petits miracles que seule une artiste suprême peut révéler.
Peter Fetterman Gallery
2525 Michigan Ave, #A1
Santa Monica, CA 90404
