Il s’agit du dix-septième volet de la série en ligne de la Peter Fetterman Gallery intitulée The Power of Photography mettant en évidence l’espoir, la paix et l’amour dans le monde. Nous vous invitons à apprécier et prendre le temps de la réflexion sur ces œuvres.
Horst P. Horst (1906-1999)
Bombay Bathing Fashion, Oyster Bay, N.Y., 1950
© Estate of Horst P. Horst/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Horst était l’un des plus grands photographes de mode de tous les temps. Il a d’abord étudié l’architecture à Hambourg et a été apprenti chez Le Corbusier à Paris, mais s’est ensuite tourné vers la photographie avec l’aide de son ami et mentor George Hoyningen-Huene, un photographe de mode travaillant pour Vogue. Horst suivit bientôt les traces de ses pairs et succéda en 1935 à Huene en tant que photographe en chef du Vogue français.
C’est de lui ma photo préférée, prise dans sa maison à Oyster Bay à Long Island qu’il a construite et conçue lui-même. C’est devenu un salon célèbre, où tous les talents de cette époque venaient séjourner et visiter. Des gens comme Salvador Dali, Chanel, Noel Coward et tous ceux qui avaient un véritable esprit créatif ont été accueillis par Horst.
Cette image a un tel sens de la sophistication marqué par le génie de Horst pour l’éclairage et l’ambiance.
Ted Croner (1922-2005)
Taxi, New York At Night, 1947-48
© Estate of Ted Croner/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Ted était très admiré à son époque. L’un des photographes les plus remarquables du Design Lab d’Alexey Brodovitch, il a capturé New York dans toute son énergie dynamique. Je pense à lui comme un grand musicien de jazz ou un peintre expressionniste abstrait. Rien n’était jamais prévisible dans ses images. Vous ne saviez jamais trop à quoi vous attendre et cela vous obligeait à rester éveillé .
Steichen l’a inclus dans deux expositions importantes au Museum of Modern Art. Celle-ci est généralement considérée comme sa plus grande image. Vous êtes simplement pris dans le flou horizontal du véhicule qui passe devant un arrière plan cinématographique de bâtiments éclairés. Il utilisait souvent plusieurs expositions, retenant l’obturateur de la caméra pour capturer un mouvement maximal.
Bob Dylan a choisi cette image pour faire la pochette de son grand album «Modern Times» que Rolling Stone a déclaré l’un des plus grands albums de tous les temps. Ted était un grand ours au cœur d’or.
Rock on Ted.
Gianni Berengo Gardin (b. 1930)
On The Ferry, Venice, 1960
© Gianni Berengo Gardin/Courtesy Peter Fetterman Gallery
En 2003, un an avant son décès, Henri Cartier-Bresson a ouvert sa Fondation à Paris avec une exposition «Mes cent photographies préférées». Des photographies qu’il avait vues qui l’avaient ému tout au long de sa vie. Il a inclus cette image de Gianni Berengo Gardin, l’un des grands photographes italiens d’après-guerre. Être choisi par Cartier-Bresson, c’est comme être béni personnellement par le Pape si vous êtes catholique. D’une certaine manière, il est plus Cartier-Bressonesque que Cartier-Bresson, mais il est unique . J’ai été honoré d’avoir été invité à l’inauguration, une soirée très émouvante, Bresson est décédé l’année suivante et c’était la dernière fois que nous étions nombreux à le voir. Cette photographie me hante depuis. C’est un chef-d’œuvre de composition avec ses multiples niveaux de narration, la présence de regards dans les regards, de cadres dans les cadres ne fait que retenir le spectateur avec ses gestes d’humanité.
Sarah Moon (b. 1941)
Yoji Yamamoto, 1996
© Sarah Moon/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Il n’y a personne comme Sarah. Elle est dans une classe à part. Elle a de nombreux imitateurs, mais il n’y a personne là-bas qui puisse créer un univers de beauté et de rêves aussi bien qu’elle le fait.
Elle a commencé comme mannequin et, avec dévouement et travail acharné, s’est lentement bâtie une réputation estimée où chaque designer de renom a réclamé sa collaboration et ajouté cette magie indéfinissable à leurs créations.
Vous savez que vous êtes en présence de quelqu’un de vraiment unique lorsque vous vous êtes avec elle dans sa maison de rêve à Paris. La première fois que j’y suis allé, je n’arrivais pas croire que j’étais dans une maison au centre de Paris.
J’avais l’impression d’avoir été transporté dans un sanctuaire tranquille au cœur d’une campagne à la Lewis Carrol, un endroit où l’imagination et les idées errent librement.
Brett Weston (1911-1993)
Reeds, Oregon, 1975
© Estate of Brett Weston/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Brett Weston semblait destiné à sa naissance à devenir l’un des photographes les plus prolifiques d’Amérique. Né en 1911, deuxième fils du photographe Edward Weston, Brett avait un appareil photo en main à l’âge de treize ans. Beaucoup de gens supposent que Brett a simplement suivi les traces de son père dans une carrière de photographe, mais c’est loin d’être vrai. De la fin des années 1920 jusqu’à la mort de son père dans les années 1950, leurs carrières se sont déroulées parallèlement. Brett a en fait découvert pour la première fois les dunes d’Oceano, où il emmènera plus tard son père pour créer certaines des œuvres les plus importantes de l’aîné Weston.
Brett a apprécié la façon dont l’appareil photo pouvait transformer les sujets et comment le contraste du noir et blanc modifiait davantage la reconnaissance d’un sujet. Ainsi, il n’est pas difficile de comprendre sa tendance à l’abstraction, une caractéristique qui resterait un aspect important de son travail pour ses près de soixante-dix ans de carrière. Brett ne se préoccupait pas autant du sujet que de la forme et de la lumière. Il pouvait transformer le banal en objet magique et le plus laid des sujets en belles photographies.
«Reeds, Oregon» est l’une des photographies les plus lyriques de Brett. La disposition verticale des lignes semble être une partition musicale, ce qui fait danser votre œil sur la surface de la photographie. L’image n’a pas de point focal; c’est plutôt la photographie entière qui devient le point focal. Vous appréciez la photographie non pas pour le sujet mais plutôt pour ce qu’elle est vraiment, un objet tangible de beauté à voir et à tenir.
Gianni Berengo Gardin (b. 1930)
Lido di Venezia, Venice, 1959
© Gianni Berengo Gardin/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Je ne suis pas sûr de croire mon cher Gianni. Sa modestie n’est pas fausse. Mais il faut quelqu’un avec un talent spécial pour créer une image comme celle-ci à laquelle je n’ai jamais cessé de penser depuis le premier jour où je l’ai vue. Le simple cliché d’une famille profitant d’un moment de tranquillité lors d’une promenade dominicale dans les années 50 sur le Lido de Venise.
C’est bien plus que ça. C’est un grand roman sur le mariage et les relations. C’est une pièce de cinéma puissante dans la grande tradition du cinéma italien néo-réaliste. Ce sont toutes ces choses et bien plus encore. Mais surtout, c’est une image honnête de la condition humaine. Une œuvre d’art.
Manuel Alvarez Bravo (Mexico, b. 1902-2002)
Que Chiquita es el Mundo, Mexico, 1942
© Estate of Manuel Alvarez Bravo/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Je n’ai jamais pensé à Don Manuel comme à un simple photographe. Pour moi, il a toujours été l’un des grands poètes du XXe siècle dont la plume était son appareil photo. Ses images sont des poèmes lyriques. Même ses titres sont poétiques. «The DayDreamer», «Fille des danseurs», «Bicyclettes le dimanche», «Bonne réputation dormant». Mais rien de plus que cette image, «Quel petit monde».
J’ai regardé cette image pendant tant d’années. Cela me hante depuis aussi longtemps que je me souvienne. Il y a tellement de couches de narration que le sens définitif m’a toujours échappé, ce qui est un signe de sa grandeur. Peut-être ne pourra-t-il jamais être pleinement révélé, ce qui est bien aussi, tout comme un grand roman crie à être relu encore et encore.
Deux personnes se croisent dans une rue déserte de la ville. La femme marche lentement faisant presque une proposition tandis que l’homme marche à grands pas. Bien que leurs chemins puissent se croiser, leurs vies ne se connectent pas. Une rencontre urbaine éphémère montrant l’ambivalence de la vie moderne dans la ville. Peut-être part-il pour un long voyage. Peut-être que les draps blancs symbolisent une aventure lointaine en bateau. Et s’ils s’étaient effectivement rencontrés et s’étaient liés, comment leur vie se serait-elle déroulée? Nous ne saurons jamais …
Danny Clinch (United States, b. 1964)
Bruce Springsteen, « Devils & Dust », Colt Neck, New Jersey, 2005
© Danny Clinch/ Courtesy Peter Fetterman Gallery
Je ne peux pas croire qu’il y a 45 ans j’étais jeune, et j’ai vu pour la première fois Bruce Springsteen à Londres jouer au Hammersmith Odeon. Quelle nuit! J’étais un Anglais tranquille, et n’avais jamais connu une telle énergie et une telle ambiance sur scène. Wow est-ce ce que l’Amérique est comme cela me suis je demander? Je suis sûr que cela a semé un graine dans mon cerveau me disant que je devais aller vivre là-bas, et que moi aussi, j’étais né pour fuir tout ce que je connaissais pour explorer un monde nouveau.
Eh bien, j’y suis.
Les musiques de toutes sortes ont toujours été une grande partie de ma vie comme je suis sûr que cela l’est pour vous tous.
J’ai toujours senti qu’il y avait un lien commun entre les plus grands photographes et les plus grands musiciens / compositeurs / interprètes. Cela nécessite la même autodiscipline et la même perfection du métier.
Avec Bruce Springsteen, j’ai toujours le sentiment qu’il écrit en images. Cela a été confirmé par sa femme Patti Scialfa lorsqu’elle est venue visiter la galerie il y a quelques années pour acheter à son mari une photo en cadeau.
«Il adore la photographie», m’a-t-elle dit.
C’est une grande semaine pour Bruce et Patti avec la sortie de l’album et du documentaire profondément émouvant « Letter to You ». Il médite sur toutes les grandes questions auxquelles sont confrontés les grands artistes: la perte, la jeunesse, le vieillissement, la famille, les amis, la mémoire, la mort et l’espoir.
Norman Parkinson (1913-1990)
Audrey Hepburn with Flowers, 1955
© Iconic Images/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Eh bien, je ne pense pas que le grand photographe britannique du XXe siècle, Norman Parkinson, ait eu trop de problèmes ce jour-là. Cette session a été en quelque sorte la «tempête parfaite». Vous avez ici l’un des plus grands cadeaux à la caméra de l’histoire de la photographie, Audrey Hepburn, bénie de la sublime combinaison de beauté et de vulnérabilité et « Parks », l’un des praticiens les plus habiles de son métier, dont le sens de l’humour et le charme et la hauteur détendait tout le monde devant son objectif.
Cette image spéciale a été prise à la Villa Rolli, juste à l’extérieur de Rome, où Hepburn tournait «Guerre et Paix» avec son mari Mel Ferrer. Cela a également aidé Audrey à porter l’une des plus grandes créations de son créateur préféré, Givenchy.
Il est difficile de surpasser cette image, non?
Sarah Moon (b. 1941)
L’inconnue, 2011
© Sarah Moon/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Sarah en sait beaucoup sur la beauté comme tous les grands artistes. Elle vit avec, la respire et en rêve. Elle comprend à quel point il est difficile de capturer et à quel point c’est illusoire et fragile. Ici, elle a créé quelque chose d’exquis et éthéré. Le génie ici était de prendre la photo de dos. Cette composition sereine digne d’un John Singer Sargent ou d’un Degas ou d’une Mary Cassatt est unique à sa manière.
Peter Fetterman Gallery
2525 Michigan Ave, #A1
Santa Monica, CA 90404
