Avec cette exposition, la Kahmann Gallery accueille quatre nouveaux photographes. Tout d’abord la Canadienne Marianna Rothen et l’Italienne Costanza Gastaldi. Deux photographes très talentueuses qui ont construit une œuvre solide ces dernières années. Puis deux photographes scandinaves : Jonas Bjerre-Poulsen du Danemark et GT Nergaard de Norvège. Ce sont deux photographes esthétiques très expérimentés, qui ont tous deux récemment publié leur première monographie importante. Les travaux des quatre photographes forment ensemble une exposition très diversifiée, mais en même temps équilibrée.
Costanza Gastaldi (Italie, 1993)
Les déambulations photographiques de Costanza Gastaldi montrent un voyage à travers des paysages souvent sombres et brumeux. Le regard du spectateur est invité à regarder au-delà de la simple image d’une nature époustouflante. La brume joue ici un rôle stimulant. Outre le fait que certaines parties des paysages de Costanza sont souvent enveloppées d’une brume naturelle, la technique crée également une certaine brume. Ces éléments stimulent l’imagination du spectateur qui, comme Constanza, entre spirituellement en contact étroit avec la nature.
Les paysages de Costanza sont le résultat de sa recherche du paysage mental. Cette recherche l’amène dans les endroits les plus extraordinaires et les plus reculés. La découverte de nouveaux paysages d’une rare beauté et de conditions extrêmes nourrit son paysage mental. Dans sa photographie, elle s’efforce de capturer à la fois la réalité physique et émotionnelle. Il y a toujours une tension entre la fertilité de la vie et le caractère insaisissable de la mort. L’œuvre de Constanza est très personnelle, vulnérable et mélancolique, mais rappelle en même temps la puissance et la grandeur de la nature, dans laquelle l’homme est éclipsé.
Costanza vit et travaille entre Turin et Paris. A Paris, elle a étudié et est diplômée de l’Ecole des Gobelins et de l’Université de la Sorbonne (Sciences des Arts). Son travail a été exposé internationalement à de nombreuses occasions.
Marianna Rothen (Canada, 1982)
Marianna Rothen est une artiste canadienne basée à New York. Après être devenue mannequin à l’adolescence, Marianna a passé plusieurs années à voyager, à travailler et à documenter son expérience à travers des photographies. Influencée par le besoin de se réapproprier sa propre image, Rothen utilise maintenant sa photographie et ses films pour explorer et déconstruire les conceptions conventionnelles de la beauté féminine et de la politique de genre. En utilisant un mélange de procédés photographiques traditionnels avec des médias numériques, elle crée des images qui évoquent un sentiment de mystère et d’inconfort.
Rothen a réalisé trois corpus d’œuvres, traduits en livres photo et en films, dans lesquels le développement de sa vision du patriarcat et de l’autonomisation est abordé. Dans la première série, Snow and Rose & other tales (2014), elle a construit un monde de rêve richement résonnant où les femmes autonomes sont libres d’être elles-mêmes dans un environnement entièrement sans hommes. Tournées dans un style rétro, les images se délectent d’une nudité naturelle et inconsciente et d’une confiance souriante contagieuse.
Dans son deuxième corpus, Shadows in Paradise (2017), Rothen construit une ambiance subtilement différente, où l’incertitude et l’insécurité réintègrent le terrain psychologique et l’introspection s’installe. Alors que les femmes de Rothen habitent toujours un domaine entièrement féminin, il y a beaucoup plus de tension implicite. Nous regardons avec voyeurisme les scénarios qui se déroulent. Scénarios où les réalités et les périls de la vie empiètent sur les libertés idylliques du cadre que nous avons vu dans Snow and Rose & other tales.
Dans Mail Order (2018/2019), le troisième corpus de Rothen, les hommes sont présentés pour la première fois. Ils sont littéralement objectivés, transformés en objets, l’idée projetée par une femme semi-fictionnelle de la masculinité et de la virilité. Comme elle le fait dans toutes ses séries, Rothen figure dans son propre travail. Bien que son personnage soit vivant, elle est tout aussi fausse que les hommes ; son genre est autant une performance que le leur. La différence cruciale est qu’ils ne sont pas humains. Rothen, en tant que photographe, et Rothen, en tant que modèle, n’exercent aucun pouvoir réel sur ces poupées mâles, aucun homme réel n’est exploité pour son jeu. Elle suggère ce que c’est que d’être une femme qui est regardée par les hommes et qui est impuissante ; dont l’identité est fabriquée par le patriarcat. Les poupées commencent à devenir ridicules, risibles. Ils n’ont pas de profondeur, pas d’histoire, comme tant de femmes dans les films hollywoodiens. En tant qu’ancienne mannequin elle-même, la propre expérience de Rothen devant la caméra façonne également la façon dont elle habite et examine cette position. En mettant en scène ces situations absurdes, elle critique fortement le fait que les gens soient encore des produits du patriarcat. Cela fait de son travail un important défenseur de l’autonomisation des femmes.
GT Nergaard (Norvège, 1968)
Le photographe norvégien GT Nergaard a commencé à prendre des photos dès son plus jeune âge. Il considérait la photographie comme sa vocation il est donc parti étudier au Brooks Institute of Photography en Californie en 1989. Il a donné une base solide et hautement technique à son travail. Après ses études, Nergaard est retourné en Norvège, où il a travaillé comme photographe de mode, éditorial et publicitaire. Parallèlement à cela, il a enseigné à la Norwegian School of Photography, qu’il a cofondé en 2001.
En 2010, Nergaard quitte complètement la photographie commerciale pour se concentrer sur son travail personnel. Il s’est rendu compte qu’il devait retrouver la raison pour laquelle il avait choisi la photographie en premier lieu et trouver son identité photographique. Il a trouvé cette identité à la croisée de la fiction et de la réalité. Certaines de ses images sont des observations, d’autres sont des mises en scène. Il crée un récit, inspiré d’événements étroitement liés à sa propre vie. Les thèmes de la jeunesse, de la liberté et de la vitalité sont au cœur de son travail.
Dans son travail, Nergaard part toujours du lieu comme principale inspiration et construit le concept et les histoires à partir de là. Comme il a toujours eu une forte fascination pour la mer et les lacs, l’eau est généralement l’élément principal du lieu qu’il choisit. En tant que Norvégien vivant loin au nord, il est selon Nergaard difficile de ne pas être influencé par la nature, qui est toujours très proche et dominante dans son pays. En comparaison avec de nombreux autres pays, le contraste est énorme, à la fois dans le paysage et le climat. Les hivers sont froids et longs souvent sans lumière du jour, contrairement aux étés lumineux où le soleil ne se couche jamais. De l’avis de Nergaard, ce contraste ajoute quelque chose d’unique à la façon dont les habitants du Nord pensent et se comportent, ce qui a influencé les artistes nordiques à toutes les époques. Leur passion pour le soleil est difficile à comprendre pour quelqu’un qui n’a pas grandi dans le nord froid.
L’œuvre de Nergaard est fortement influencée par le vitalisme, l’élan artistique qui a fortement marqué l’art nordique dans les années 1900-1930. Parmi les artistes liés à cette impulsion, nous trouvons Edvard Munch et Gustav Vigeland, tous deux représentant une période particulière dans laquelle le corps nu, la nature et la santé étaient au centre, et le pouvoir nettoyant du soleil était l’un des thèmes centraux. Tous ces aspects sont présents dans l’œuvre de Nergaard, dans laquelle le spectateur peut se perdre.
Jonas Bjerre-Poulsen (Danemark, 1976)
Fragmentant les corps, l’architecture et la nature, le photographe danois Jonas Bjerre-Poulsen réinvente les formes qui l’entourent comme des images lumineuses, créant des juxtapositions intimes et énigmatiques qui invitent le spectateur à regarder à nouveau et à imaginer ce qui se trouve au-delà du cadre.
Formé à l’Académie royale danoise des beaux-arts de Copenhague, il mélange une sensibilité spatiale et sa compréhension de la forme avec des pensées et des visions conceptuelles qui donnent vie à des projets créatifs. Bjerre-Poulsen a une vocation forte pour créer des œuvres réfléchies qui se démarquent de manière sobre et raffinée. Pour lui, tout est question d’équilibre. Équilibre entre richesse et retenue, entre ordre et complexité. Un minimalisme qui acquiert de la douceur et une matière visuelle qui assume des qualités haptiques.
Bjerre-Poulsen a une passion pour la phénoménologie, l’étude philosophique de l’expérience humaine.
En tant qu’êtres humains, nous avons tendance à comprendre le monde à travers un point de vue lié à notre propre corps, à notre propre symétrie et à notre propre échelle. Mais toutes les formes de l’univers sont structurées autour des mêmes schémas, de l’échelle moléculaire à l’échelle céleste. Lorsque nous comprenons la vie sous cet angle, nous comprenons que les humains, la nature et l’environnement bâti font tous partie des mêmes motifs géométriques et structurels. Nous traduisons ce que nous percevons dans la nature et comment nous comprenons notre propre corps en ce que nous voyons dans les arts.
La sphère est un motif récurrent dans son travail. C’est une image qui selon Bjerre-Poulsen pourrait être utilisée pour comprendre la vie. C’est un symbole fort qui définit le plus intime des espaces ; l’utérus, les relations entre les gens, et celle entre l’homme et Dieu. L’équilibre des sphères est ce qui rend la nature prévisible et mathématique. La géométrie est un système abstrait de formalisation qui a du sens pour nous : des carrés, des triangles, des cercles. Cette compréhension est incorporée dans la façon dont nous construisons physiquement et comprenons mentalement le monde.
Kahmann Gallery : New Collectibles
Lindengracht 35
1015 KB Amsterdam
The Netherlands
