Nouvel emplacement
Comme vous avez pu lire dans la première partie, cette année, la Haute Photographie s’est déroulée dans un nouveau lieu inspirant à Amsterdam Noord, le cœur créatif de la ville. Près du ferry NDSM, dans un quartier animé de cafés et de restaurants, au bord de l’eau (nous sommes en Hollande, n’est-ce pas) et de lieux culturels. Le nouvel emplacement, le Pre-Reserved Studio C, est l’endroit idéal pour que Haute présente plus de 50 photographes. Nous avons reçu des informations sur environ 35 d’entre eux, et nous vous présentons une sélection. – en deux parties.
Talent
En plus des artistes exposés sur les murs de Haute, vous trouverez également une sélection de 150 talents internationaux de la photographie qui ont été sélectionnés pour montrer leur travail à Haute Photographie dans le cadre de la plateforme de talents FRESH EYES.
Livres, magazines et éditions spéciales
De FRESH EYES aux documents imprimées c’est un tout petit pas. Les livres et les éditions spéciales joueront un rôle important lors de la Haute Photographie de cette année, Artibooks accueillant le marché du livre. Cette librairie en ligne renommée et représentante de Taschen Books présentera de nombreuses publications indépendantes de photographes internationaux, ainsi que des ouvrages de grands noms. La Haute Photographie offre aux visiteurs la possibilité d’explorer les derniers livres et de découvrir plusieurs éditions spéciales. En outre, le magazine GUP présentera un aperçu des publications notables des 17,5 dernières années.
Photographes de la Galerie Kahmann
Avec Albert Watson parmi les photographes, on ne peut vraiment pas ouvrir avec un autre artiste !
1 Albert Watson (1942)
Albert Watson est un photographe écossais basé à New York. Watson est particulièrement connu pour ses photographies emblématiques de célébrités, de mode et d’art. Son travail est exposé dans des galeries et des musées du monde entier. Watson est classé parmi les photographes les plus influents et les plus performants de tous les temps. La grande variété et la diversité de ses images témoignent d’une polyvalence sans effort, mais elles sont toujours identifiables comme des photographies d’Albert Watson par leur impact visuel et leur virtuosité technique. Le pouvoir de Watson réside dans sa capacité à capturer et à transmettre son intérêt pour ce qu’il voit, qu’il s’agisse de mode, de nature ou d’une star de cinéma.
Watson photographie depuis plus de 40 ans et a travaillé pour les plus grands magazines du monde, tels que Vogue, Harper’s Bazaar et Rolling Stone, ainsi que pour des campagnes publicitaires de marques de renommée mondiale. Il a remporté de nombreux prix au cours de sa carrière et a même été décoré de l’Ordre de l’Empire britannique par la reine Élisabeth II en 2015. Tout au long de sa carrière, Watson a également consacré une grande partie de son temps à la production d’une vaste collection d’œuvres d’art non commandées. Ses œuvres ont été présentées dans de nombreuses expositions à travers le monde et font partie de nombreuses collections privées et publiques internationales.
2 Sante D’Orazio (1956)
Sante D’Orazio est un photographe américain connu pour ses portraits de célébrités, notamment des images de mannequins et d’actrices nues. Né à Brooklyn, New York, D’Orazio a étudié la peinture au Brooklyn College avant de poursuivre une carrière de photographe commercial. Il a notamment fait ses débuts dans les éditoriaux de mode grâce à Andy Warhol qui l’a engagé pour le magazine Interview en 1981. À l’instar de Peter Lindbergh et Herb Ritts, D’Orazio imprègne ses images d’une sensualité manifeste. Son livre Sante D’Orazio : Barely Private (2009) capture des moments d’intimité lors de séances photo, à travers les négatifs de l’artiste, des tirages de magazines, des polaroïds et des notes datant de 1997 à 2008. « Mon processus de travail consiste à ne pas créer une image, mais à la trouver », a-t-il expliqué.
3 Barry Kornbluh (1952)
Au début des années 1970, Kornbluh a commencé à photographier tout en poursuivant des études d’histoire de l’art. Il s’installe à New York en 1977 et étudie la photographie avec Lisette Model, qui le guide vers un style personnel et intuitif. Dans les années 1980, il a travaillé dans les archives de Magnum Photos, puis a été l’assistant d’Elliott Erwitt, de Susan Meiselas et de Paul Fusco. Bientôt, il assume ses propres missions, notamment la photographie de la scène jazz new-yorkaise et les portraits de personnalités du monde littéraire et artistique. Cependant, son travail personnel reste au premier plan.
Dans les années 1990, Kornbluh s’installe à Amsterdam, où les images poétiques de sa famille et de ses amis, capturées dans un noir et blanc granuleux, prennent une nouvelle importance. En 2006, il rejoint la galerie Kahmann et ne tarde pas à être reconnu pour ses nus sombres et rêveurs et ses paysages atmosphériques. Bien que Kornbluh soit un maître de la photographie analogique, il a récemment adopté l’impression numérique de ses œuvres, ce qui lui permet de produire des images en grand format.
4 Schilte & Portielje
Le couple, qui vit et travaille à Rotterdam, est principalement connu pour ses photographies de séries de figurines inhabituelles et très reconnaissables. Ils montrent une manière complexe de jouer l’un avec l’autre: sur des figures fantastiques, poétiques et oniriques qui entraînent le spectateur dans le monde des merveilles et des miracles. Les figures s’approchent au milieu d’une pièce indéfinie et ordinaire. Elles offrent des vues de face et de dos et des corps grotesquement contorsionnés. Elles portent des costumes ornés de voiles et de dentelles, de corsages et de jarretières, de bijoux, de cravates et de colliers, de tissus transparents et de vêtements moulants. Tous ces accessoires créent différents personnages dans ce jeu de rôle théâtral. Le jeu vit dans l’abstraction. Comment des pieds immenses s’accordent-ils avec un corps délicat ? Quelles sont les subtilités tissées dans le maillage des anomalies physiques ? Quel est le rapport entre ces corps et les meubles qui ont été ajoutés au décor pour que les personnages s’y accrochent ou s’y appuient ? L’intention des artistes est de ne pas donner de réponse satisfaisante à ces questions, de créer volontairement la confusion et de forcer le spectateur à se concentrer plus intensément.
Ces dernières années, les artistes ont perfectionné leur mise en scène. « Photoworks beyond reality » met l’accent sur des moments surprenants, surréalistes et érotiquement chargés. Cela crée un album plein d’allusions subtiles et de jeux de rôles incertains. On ne voit jamais le visage complet des figurines de Schilte & Portielje, la bouche et le nez sont rarement reconnaissables, la tête entière est le plus souvent couverte par des chapeaux, des tissus et des coiffures éclectiques ou le visage entier est orienté dans une autre direction.
5 Marcus Schaefer (1987)
Marcus Schaefer est un artiste multidisciplinaire et un réalisateur de films. Sa force motrice est une impulsion pressante pour capturer son état d’esprit actuel. Dans un monde dominé par les images en couleur, Schaefer cherche à s’évader et à s’exprimer à travers l’esthétique visuelle de la photographie en noir et blanc. Explorant l’intimité, la sensibilité et l’abstraction, ses images remettent en question l’idée fausse selon laquelle la photographie en noir et blanc est dépassée et moins expressive. Le photographe place la couleur noire au cœur de son travail, l’utilisant comme élément central de son message visuel.
Le noir, en tant qu’absence de couleur et absorption de la lumière, symbole du mal, de la mort et de la peur, est interprété de manière créative. Schaefer renverse le binaire du noir et du blanc pour créer un système sophistiqué de nouvelles significations à travers les images – le noir acquiert de la vulnérabilité et de la douceur, devenant le site d’un nouvel enchevêtrement de représentations. La série de compositions essentiellement en noir et blanc donne l’impression d’être vulnérable et d’appartenir à un autre monde, et crée une vision d’une allure séduisante. Schaefer ne s’intéresse pas à la perfection technique ; il est intrigué par la spontanéité et l’imprécision. L’élément d’erreur est fondamental dans tous ses efforts créatifs ».
« Au-delà de la photographie, Schaefer est également dessinateur et utilise sa compréhension holistique de l’art pour éclairer ses choix photographiques et sa narration évocatrice. Le dessin au fusain est une pratique expérimentale et un vaisseau pour son imagination ».
6 Neeltje de Vries (1976)
La photographe Neeltje de Vries, basée à Amsterdam, crée des récits intemporels de femmes du présent, du passé et du futur, comme des photos de films, où la nudité est un choix artistique fonctionnel qui accentue non seulement la pureté et la connexion avec la nature, mais qui libère aussi littéralement. Les femmes de Neeltje ne cherchent pas à plaire au spectateur.
Elles sont, et se suffisent à elles-mêmes. Elles n’attendent rien de vous, indépendamment de ce que vous voulez, elles sont également indomptées et indomptables.
Neeltje ne se contente pas de s’affranchir du regard traditionnel porté sur les femmes, elle démontre également que les femmes sont bien plus que ce à quoi elles ont été réduites par le regard masculin dominant et les stéréotypes séculaires d’une société patriarcale. Surtout, elle offre son point de vue unique sur ce que signifie être une femme, sur ce que signifie se libérer des attentes, des préjugés, des rôles et des modèles.
Les figures géométriques et le cadrage, issus de son passé de graphiste, sont caractéristiques.
À la recherche du bon équilibre, elle joue avec les lignes, les formes et les cadres, en intégrant souvent les modèles.
7 Jonas Bjerre Poulsen (1976)
Fragmentant les corps, l’architecture et la nature, le photographe danois Jonas Bjerre-Poulsen réinvente les formes qui l’entourent en images lumineuses, créant des juxtapositions intimes et énigmatiques qui invitent le spectateur à regarder à nouveau et à imaginer ce qui se trouve au-delà du cadre.
Formé à l’Académie royale danoise des beaux-arts de Copenhague, il associe sa sensibilité spatiale et sa compréhension des formes à des pensées et visions conceptuelles qui donnent vie à des projets créatifs. Bjerre-Poulsen a une forte vocation pour la création d’œuvres réfléchies qui se distinguent par leur sobriété et leur raffinement. Pour lui, tout est question d’équilibre. Équilibre entre richesse et retenue, entre ordre et complexité. Un minimalisme qui acquiert de la douceur et une matière visuelle qui acquiert des qualités haptiques.
Bjerre-Poulsen se passionne pour la phénoménologie, l’étude philosophique de l’expérience humaine. En tant qu’êtres humains, nous avons tendance à comprendre le monde d’un point de vue lié à notre propre corps, à notre symétrie et à notre échelle. Or, toutes les formes de l’univers sont structurées selon les mêmes modèles, de l’échelle moléculaire à l’échelle céleste. Lorsque nous comprenons la vie de ce point de vue, nous comprenons que les êtres humains, la nature et l’environnement bâti font tous partie des mêmes modèles géométriques et structurels. Nous traduisons ce que nous percevons dans la nature et la façon dont nous comprenons notre propre corps en ce que nous voyons dans les arts.
La sphère est un motif récurrent dans son travail. C’est une image qui, selon Bjerre-Poulsen, peut être utilisée pour comprendre la vie. C’est un symbole fort qui définit les espaces les plus intimes : l’utérus, les relations entre les personnes et celles entre l’homme et Dieu. L’équilibre des sphères est ce qui rend la nature prévisible et mathématique. La géométrie est un système abstrait de formalisation qui a un sens pour nous : carrés, triangles, cercles. Cette compréhension est incorporée dans la façon dont nous construisons physiquement et comprenons mentalement le monde.
8 Jan C Schlegel (1965)
À l’âge de 14 ans, Jan Schlegel a découvert sa passion pour la photographie en suivant un cours de photo à l’école. Aujourd’hui, au milieu de l’ère numérique dans laquelle nous vivons, Schlegel opte pour la tradition photographique de la chambre noire. Sa connaissance exacte des instruments et du processus de développement est surprenante.
Jan explore les limites de son médium et pose des questions existentielles universelles sur l’identité, la beauté et l’unicité de chaque être vivant dans tous ses détails, formes et structures.
Il ne se contente pas de créer des photographies artistiques, il documente et préserve des œuvres d’art uniques – les personnes elles-mêmes. Aucune des personnes photographiées ne porte de maquillage spécial ou n’a été spécialement habillée avant la prise de vue. Rien n’a été mis en scène, rien n’est faux. Ils ont tous été capturés dans leur propre habitat. C’est la passion de Jan, qui capture l’essence des personnes, des animaux et des objets d’une manière extraordinaire, témoignant de sa passion pour la photographie classique et de sa sensibilité à l’égard de la nature.
Les œuvres de Jan Schlegel rappellent des genres photographiques originaux et constituent en même temps une renaissance de l’ancien art photographique, qui est le seul à pouvoir combiner deux caractéristiques : la plus haute qualité réalisable et la beauté éternelle. Il explore les limites de son médium et pose des questions existentielles universelles sur l’identité, la beauté et l’unicité de chaque être vivant dans tous ses détails, formes et structures. Il est également un maître de la photographie ralentie – il étudie, analyse et dissèque, créant ainsi des portraits documentaires, presque surréalistes, avec la plus grande concentration sur l’essence et une profondeur extraordinaire.
9 Sara Punt (1994)
Sara Punt utilise la photographie pour montrer une exploration continue de l’essence humaine, du corps et de l’expression. Aujourd’hui encore, nos corps sont sexualisés à outrance au lieu d’être considérés comme les œuvres d’art qu’ils sont en réalité. C’est pourquoi on ne nous apprend pas à utiliser notre corps pour faire ressentir à ceux qui nous entourent quelque chose de réel. Quelque chose qui n’est pas fait d’ego et de jugement, mais d’empathie et de gentillesse. La photographie de Sara lui a permis de rompre avec les idéaux patriarcaux et de redécouvrir qui elle est en tant qu’être créatif.
Elle capture des lignes brutes, des mouvements calmes et des distorsions naturelles : des modèles qui représentent la transformation que nous vivons tous lorsque nous nous débarrassons des normes de la société.
En développant des relations étroites avec ses sujets, elle crée un environnement où il y a de la place pour la vulnérabilité organique et façonne des images avec l’intention de trouver de l’amour pour notre forme humaine.
Ses photographies sont capables de se suffire à elles-mêmes et de servir de corpus unifié et cohérent lorsqu’elles sont jumelées.
10 Rolf van Rooij (2003)
Rolf van Rooij a commencé à créer des photographies en explorant des environnements urbains. Dans ces photographies, il inclut souvent des personnes sous une forme plutôt abstraite. Cela donne à la représentation graphique de l’architecture, par exemple, quelque chose d’humain et de gracieux. Il en résulte parfois un sentiment de détachement pour le spectateur. Chaque œuvre se compose d’éléments qui peuvent être considérés séparément mais qui fonctionnent toujours ensemble.
Récemment, il a commencé à réaliser des impressions abstraites. Le processus créatif qui sous-tend ces œuvres est un examen critique de la photographie en tant que médium, une recherche de ce qu’il appelle une œuvre d’art honnête et une forme d’expression personnelle.
La photographie est le plus souvent considérée comme un médium figuratif. Mais que se passe-t-il lorsque l’on supprime tous les éléments figuratifs d’une photographie ? Que se passe-t-il lorsqu’une photographie devient abstraite ? Son abstraction photographique repose sur sa propre logique interne qui consiste en une dynamique entre le noir et le blanc, la structure, le flux, la forme et la texture.
Au lieu de représenter les aspects visuels de notre réalité, il cherche à transmettre sa propre interprétation de la réalité par l’abstraction, représentant ainsi quelque chose au-delà du physique.
11 Olga Wagemans (1983)
« Avec la disparition de l’identité personnelle, un phénomène universel émerge ».
Olga observe les gens et cela a été son centre d’intérêt tout au long de sa vie. Au début, cela l’a aidée à survivre, puis cela s’est transformé en une fascination pour ce qui fait vibrer les gens. Elle est curieuse de savoir ce qui se cache derrière le masque de l’individu, car nous vivons à une époque de polarisation de la société et d’individualisation.
Olga remet en question l’identité que nous nous attribuons et que nous attribuons aux autres. Cette identité détermine dans une large mesure nos relations avec les autres et le monde qui nous entoure.
Pour « What remains beyond », elle a utilisé une caméra thermique dans le but de « dépeindre » l’identité extérieure et d’explorer s’il existe un noyau qui subsiste et qui unit tous les gens. En appliquant cette technique, les attributs extérieurs tels que l’âge, le sexe ou la couleur de la peau disparaissent souvent.
12 Nora Papp (1975)
Vous êtes passionné d’art abstrait ? Ne manquez pas l’occasion de voir les œuvres uniques de Nora Papp imprimées sur verre. Le point de départ de Nora Papp pour ce travail pendant ses études à la Rietveld Academie a été l’application « Instagram » pour smartphones.
Elle utilise la déconstruction d’une image numérique pour collecter des « données esthétiques ». Sa méthode scientifique pour créer les images est un enregistrement de tous ses choix esthétiques et ces choix deviennent des données pour la prochaine image qu’elle créera. Le choix de combiner ou d’appliquer ces éléments d’une certaine manière, et simultanément de dresser la liste des valeurs qu’elle considère comme artistiquement significatives, et crée une nouvelle image. Pour créer l’image, elle travaille principalement avec la luminosité, le contraste, la structure, la chaleur, la saturation et la couleur. Avec ces éléments, Nora combine les éléments et crée une image que l’on peut continuer à regarder.
Lieu :
Pre-Reserved Studio C,
Tt. Vasumweg 38A,
1033SC Amsterdam.
www.haute-photography.com
John Devos
Correspondant L’Œil de la Photographie/Eye of Photographie
john.devos01(a)gmail.com
