Le mois dernier, lors de la Miami Art Week 2021, The Selects Gallery a eu l’occasion privilégiée de discuter avec le photographe néerlandais Bastiaan Woudt lors de son exposition personnelle présentée avec la Jackson Fine Art Gallery à la Miami Art Fair.
Nous avons suivi le travail de ce photographe qui, sans formation formelle, a développé une expertise photographique en seulement dix ans et a été exposé au Musée du Louvre en 2015 et Fotographiska en 2016 et 2018. Inspiré par la photographie des années 50, 60 et 70 et les œuvres de maîtres de la photographie de mode tels que Man Ray, Irving Penn et Richard Avedon, le «minimalisme monochrome» de Woudt crée un style visuel immédiatement reconnaissable et personnel. Il se concentre sur des formes élégantes et sobres qui deviennent presque abstraites avec des contrastes extrêmes de monochromes noir et blanc et une définition très stylisée.
Nous avons parlé à Bastiaan de son style et de sa vision personnels, de son nouveau livre rétrospectif « Rhythm » et de son expédition spectaculaire dans les montagnes du Népal.
Parlez-nous un peu de votre nouveau livre, Rhythm, que vous avez créé pendant la pandémie ?
J’ai utilisé mon temps pendant la pandémie pour revenir sur mes archives car je fête cette année mes dix ans en tant que photographe. J’ai regardé tous le travail et pas seulement les résultats finaux, pour voir si j’avais raté quelque chose il y a dix ans. J’ai fini par arriver à une sélection de près de trois mille images, ce qui était beaucoup trop. Donc, sélection, après sélection, et parce que je possède ma propre maison d’édition [1605 Publishers] j’ai conçu le livre moi-même, j’ai fait la sélection moi-même, j’ai tout fait moi-même, donc j’avais toute la liberté pour faire ce que je voulais . Et parce qu’on était tous en confinement c’était le moment parfait car ça m’a laissé assez de temps pour faire ce gros tour d’horizon.
Alors, diriez-vous que votre style a évolué ces dix dernières années ?
Oui c’est drôle parce que j’y ai pensé mais c’est tellement difficile pour moi de voir une évolution, parce que pour moi, c’est tout mon travail. Je connais tout mon travail, donc je ne vois pas s’il évolue ou change, donc je laisse le soin au spectateur du livre de voir si les choses changent. Je ne l’ai pas édité de manière chronologique, donc ce n’est pas comme si vous commenciez il y a dix ans et puis maintenant, donc c’est difficile à dire. Et c’est aussi pour ça que ça s’appelle Rhythm, c’est tellement important d’avoir du rythme à l’intérieur du livre, avec la sélection. Pour moi, c’était la chose la plus importante de regarder l’image qui est ouverte sur la table et comment elle est liée à la suivante ou à la précédente. Donc, pour moi, il devait y avoir une corrélation entre celle que vous voyez et celle que vous allez voir, c’est la seule chose qui comptait. De cette façon, je pouvais combiner travail commercial, travail sur commande, travail personnel. Je pouvais le combiner très facilement parce que je regardais simplement l’image et me disais : « Quelle est la relation avec l’autre image ? » et cela pourrait être des textures, des formes, des modèles ou simplement un souvenir. Donc, il peut arriver que les gens qui regardent le livre ne voient pas la corrélation entre chaque image, mais pour moi, il y en a toujours une.
Quel est le message de votre photographie, avez-vous une intention lorsque vous prenez vos photos ?
Pour le travail que je fais en studio, je pense que c’est au spectateur de décider quelle histoire est racontée. Pour moi, mes images sont très claires, et il n’est pas nécessaire que chaque image raconte une histoire. Parfois, il est bon pour l’imagination du spectateur de créer une histoire avec les images.
Bien sûr, quand je fais des projets dans d’autres pays comme quand je suis parti pour une expédition de trente jours au Népal ou le projet en Ouganda pour des projets d’eau potable [en 2017], je raconte l’histoire de cette expédition, les gens que j’ai rencontrés et les paysages que j’ai vus.
Je pense que l’histoire est peut-être le livre, avoir un aperçu de ce que j’ai fait et ma façon de voir, et cela raconte l’histoire.
Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur l’expédition que vous avez menée au Népal et vos photographies là-bas ?
J’y suis allé avec mon frère, et on avait toute cette équipe parce que là où on allait, il n’y avait rien. Nous sommes restés dans des tentes et avons dormi à haute altitude pendant trente jours. Parfois, nous marchions pendant quatre ou cinq jours sans voir un être humain. Pour moi, il s’agissait surtout de paysages parce qu’essentiellement, je ne suis pas un photographe de paysage, je ne suis pas un photographe de portrait, je suis juste un photographe. La plupart du temps, je travaille en studio, donc je voulais vraiment faire un projet où l’accent était mis sur les paysages. Mais ensuite, je n’ai pas pu résister de photographier les gens que j’ai rencontrés, alors quand nous nous sommes arrêtés dans les petites maisons de thé au milieu de nulle part, j’ai pu photographier les propriétaires des maisons de thé. Nous sommes tombés sur un monastère et notre guide est entré parce que nous avions besoin d’un endroit où séjourner. Il a demandé si nous pouvions installer un camp devant le monastère et ils nous ont invités. Il y avait treize jeunes novices, étudiant pour devenir moines, qui se promenaient dans le jardin en faisant leurs mantras, et c’était comme une expérience folle d’être là au milieu de nulle part, en haut des montagnes. Nous avons été autorisés à rester et à manger avec eux à l’intérieur du monastère, et j’ai pu prendre des photos de tous ces jeunes novices. Ils étaient treize, et parce que nous étions libre, j’ai vraiment pu prendre le temps de faire leurs portraits. Nous avons également tout filmé, sur ma chaîne YouTube, vous pouvez trouver une vidéo sur tout le voyage et vous pouvez également voir le résultat du travail sur le monastère.
Le noir est une couleur très récurrente dans votre travail, vous avez un sens du noir très profond, très fort, très riche dans vos images, qu’est-ce que vous recherchez dans cette couleur ?
Je ne sais pas, c’est peut-être juste une partie de la façon dont je traite les images et la façon dont je vois, j’aime vraiment avoir un fort contraste dans mes images. Mais en fait, c’est marrant que tu dises que comme c’est noir, parce que si tu regardes dans photoshop ce n’est pas totalement noir, de même les parties blanches de mes images ne sont jamais totalement blanches, c’est toujours comme ça des tons moyens, et même si ce n’est pas exactement noir, ça donne vraiment l’impression d’être noir, c’est donc la façon dont je traite mes images. Et celles-ci sont toutes inspirées bien sûr par la photographie argentique, la photographie ancienne. J’ai trouvé un moyen de photographier en numérique, je ne photographie qu’en numérique, mais donne cette sensation ultime de photographie analogique avec la façon dont je fais imprimer mon travail, sur ce papier corsé, j’ai vraiment l’impression que c’est analogique. Pour moi, c’est la meilleure chose. Certaines personnes me demandent même quel film j’utilise, c’est donc pour moi le plus grand compliment parce que je photographie en numérique, mais je veux vraiment donner cette sensation du film.
Et y a-t-il un photographe en particulier qui vous inspire ?
Beaucoup en fait. Mais pour moi, les photographes comme Irving Penn, Richard Avedon et Bill Brandt, ce sont tous, pour moi, les plus grands exemples qui ont changé le paysage de la photographie. Ils ont vraiment changé la façon dont les gens regardaient la photographie et c’est pourquoi je suis tombé amoureux de la photographie, à cause d’eux. Si je pouvais rencontrer un photographe vivant, ce serait probablement Paolo Roversi. J’adore son travail et il a le même sentiment analogique. Il photographie en analogique, bien sûr, mais son travail numérique est également très analogique.
J’aime plus ces maîtres de la photographie, que ceux qui sont très contemporains parce que, pour moi, la photographie contemporaine consiste à être presque parfaitement nette et très colorée, et ce n’est pas ma façon de voir. Je ne travaille qu’en noir et blanc. Pour moi, enlever la couleur, c’est aussi enlever un peu de la réalité. Pour moi, c’est tellement important que vous retiriez un morceau de cette réalité parce que nous regardons en couleur toute la journée. En enlevant la couleur, cela devient automatiquement autre chose. Nous avons l’imagination du spectateur raconter l’histoire. C’est probablement pourquoi je ne photographierais plus jamais en couleur.
Interview par Marie Audier D’Alessandris
Marie Audier D’Alessandris est la fondatrice de The Selects Gallery fondée en février 2018 à New York comme plate-forme pour découvrir, apprendre et acquérir les photographies d’art des meilleurs photographes de mode du monde.
The Selects Gallery
www.theselectsgallery.com
