Tous les mois, Anna Akage tient sa rubrique dans L’Oeil sur l’histoire ou l’actualité de la photographie en Ukraine. Elle est ukrainienne, journaliste et passionnée de photographie.
L’URSS est un très grand mot. Ayant cessé d’exister en tant que federation, il a continué, continue, en tant que souvenir et en tant que sentiment. Et il est impossible de dire: ce temps est passé; une autre temps est venu. La division ou l’édition du temps n’annule pas sa continuité et rend les artefacts restants encore plus précieux. Depuis plusieurs années déjà, l’Ukraine traverse une autre phase de révision – la décommunisation: dans le contexte de la chute d’un monument, elle est supposée raconter les erreurs du passé. Mais à long terme, l’importance des erreurs est inférieure à l’importance de ressentir la continuation même de l’histoire.
Ceci est la deuxième publication d’une série d’articles sur la photographie ukrainienne. Cette fois, nous parlerons de l’école de photographie de Kharkiv, ou dans les médias occidentaux, « d’une autre photographie soviétique » et de son représentant bien connu, cofondateur du groupe Vremya, Yevgeniy Pavlov. Dans le cadre de Paris Photo 2018, l’exposition de ses principaux projets aura lieu au Centre culturel ukrainien, ouvert du 6 au 23 novembre. La Chronique de Total Photography a été réalisée en collaboration avec le critique d’art et interprète de son travail Tetyana Pavlova.
Le photographe ukrainien Yevgeniy Pavlov est né à Kharkiv en 1949. L’histoire de sa vie et de sa photographie sont étroitement liées à la ville elle-même. Fortement endommagée après la Seconde Guerre mondiale, après avoir survécu à de longues périodes d’occupation allemande, la ville s’est révélée incroyablement forte. Elle est rapidement devenue la troisième «capitale industrielle» de l’Union soviétique et la capitale culturelle de l’Ukraine. Cependant, la ville avait un revers, le monde interdit, malgré et peut-être à la suite de ces événements.
«Auparavant, nous étions tous strictement définis par nos réactions, nos émotions, notre alphabétisation et notre éducation», se souvient Pavlov. «Nous avons vécu dans un flux de temps difficile, défini de toutes parts et d’une certaine manière, c’était facile. Si vous ne réalisiez pas les limites de ce flux, vous vous sentiez à l’aise. Mais quand vous voyez une thèse, vous pouvez alors développer une antithèse. Je dis à mes étudiants: « C’est plus difficile pour vous, que ce n’était pour nous parce que nous avions cette antithèse de manière frappante devant nos yeux. » C’est à Kharkiv que l’art photographique, qui, en URSS, s’est vu refuser le droit même de s’appeler ainsi, a explosé. La photographie officielle émise par le service du parti communiste, celle de masse a été adoptée comme art et artisanat, un passe-temps populaire inoffensif. Dans chaque centre communautaire, institut de recherche ou usine, il y avait un club de photographes, ainsi que des clubs de radioamateurs ou de jeunes naturalistes. La photographie était strictement réglementée et désarmée en même temps; C’est ainsi que se forma le contrôle total sur la société, aussi bien pendant les activités professionnelles que pendant les loisirs.
«Au moment de la création du groupe Vremya, la profession de photographe était associée à une personne handicapée se tenant près d’un monument, à qui l’Etat permettait, en raison de son handicap, de gagner de l’argent avec cette petite entreprise. Le pic de la reconnaissance photographique était un photojournaliste qui, du point de vue actuel, est un élément pathétique », déclare Pavlov. Il était généralement impossible d’expliquer être engagé dans la photographie artistique: l’expression «photographie artistique» n’existait que sur les fenêtres des salons où l’on était photographié pour un passeport ou un mémorial. La photographie et l’art n’étaient pas liés dans l’esprit des gens, et notre tâche en tant que groupe d’artistes, telle que je l’ai toujours comprise, consistait à combler ce fossé. Tout l’intérêt qui m’a amené à la photographie était de pratiquer l’art. Je ne savais pas comment mais sentait que ce chemin serait le seul vrai chemin »
«Au moment de la création du groupe Vremya, la profession de photographe était associée à une personne handicapée se tenant près d’un monument, à qui l’Etat permettait, en raison de son handicap, de gagner de l’argent avec cette petite entreprise. Le pic de la reconnaissance photographique était un photojournaliste qui, du point de vue actuel, est aussi un élément pathétique », déclare Pavlov. Il était généralement impossible d’expliquer que vous êtes engagé dans la photographie artistique: l’expression «photographie artistique» n’existait que sur les fenêtres des salons où ils étaient photographiés pour un passeport ou un mémorial. La photographie et l’art n’étaient pas liés dans l’esprit des gens, et notre tâche en tant que groupe d’artistes, telle que je l’ai toujours comprise, consistait à combler ce fossé. Tout l’intérêt qui m’a amené à la photographie était de pratiquer l’art. Je ne savais pas comment, mais je sentais ce canal comme une boîte à outils. »
Le frère de Yevgeniy Pavlov était photographe à l’usine de climatisation, où Eugène était allé travailler comme mécanicien après l’école. Jeune mécanicien Pavlov a commencé à photographier. En 1968, il est devenu membre du club photographique régional et en 1971, avec le photographe Yuri Rupin, a fondé le groupe Vremya au sein du club, qui comprenait également Boris Mikhailov, Oleg Malevany, Gennady Tubalev, Alexandr Suprun et Alexandr Sitnichenko. La déclaration générale du groupe était « la théorie de l’AVC ».
Les membres du groupe Vremya n’ont pas créé de travail collaboratif, mais ils étaient unis par le désir de faire une autre photo «frappante».
Un facteur important qui a influencé le style des photographies du groupe, et de l’école de Kharkiv dans son ensemble, a été la qualité des images. Malgré la grande disponibilité de matériaux pour le développement et l’impression dans les clubs, leur qualité était toujours médiocre. Dans le processus de développement du nouveau langage photographique, c’est cette qualité qui devient son aspect fort et distinctif. Les ordures ne sont apparues que plus tard comme un style séparé mais ont commencé avec les « ordures » naturelles des conditions de travail.
La même chose s’est produite avec les sujets de créativité: la vie publique était interdite – les bonnes personnes y travaillaient, la rue était interdite – le peuple soviétique percevait le photographe comme un espion, le seul espace qui restait – un espace personnel et intime. Il n’était pas habituel de parler de cet espace en URSS, le corps nu ne serait pas soumis à la censure et, comme vous le savez, il n’y avait pas de sexe du tout dans le pays.
En 1972, Yevgeniy Pavlov a créé sa première série de photographies intitulée Violin, montrant la compagnie de hippies nus se promenant sur la rive du fleuve. La création de ce projet a été une expérience importante pour Pavlov ainsi que pour le développement de l’école de photographie. Le courage de sa déclaration visuelle était vraiment héroïque pour cette époque.
«Lors du tournage du projet Violin, Mikhailov m’a dit qu’il était inspiré par le théâtre, mais qu’il était un homme du centre-ville, le théâtre était son jour habituel. Et moi, qui vivais près de l’usine de tracteurs, j’ai vu le théâtre une fois sur quelques années lors d’un voyage culturel pour les travailleurs », se souvient le photographe. ”Par conséquent, le cinéma, en tant qu’exemple de l’art, était plus accessible. En outre, tous les films soviétiques sur la guerre ou les constructions n’avaient aucun sens. Une vision de la photographie en tant que langage universel a toujours été avec moi. Il semble que le langage photographique soit mal compris, sous-utilisé et que, pour qu’il puisse être utilisé sur le plan culturel, il fallait le rapprocher des signes existants du langage: langage du cinéma, de la peinture et du graphisme. La photographie pure associée à l’image informative ne m’intéressait pas, car elle était modérée par le journalisme soviétique. Même dans la série de photographies directes de la série d’archives, j’ai retouché des images afin de mettre un terme à cette narration « directe » et de parler d’autre chose. Espérant souvent que l’observateur ressentira au moins l’étrangeté de ce moment. »
La recherche esthétique des membres du groupe Vremya a signifié des expériences non seulement avec les thèmes mais aussi avec les moyens d’impression, toutes les méthodes permettant de lutter contre le conservatisme et la grisaille de la vie ont été mises en oeuvre: peinture, collage, montage, superposition.
En 1976, le club de photo régional a été fermé en raison de la « mauvaise activité » du groupe Vremya. Cependant, en tant que communauté de personnes partageant les mêmes idées, il existait encore 10 ans. Pavlov s’est intéressé au cinéma et a étudié à l’Institut du théâtre de Kiev. Il revient à la photographie en 1981 et présente en 1988 le projet Archiv Series.
« Quand je suis revenu à la photo après le film, j’ai pris les collages. La superposition était à la mode, mais travailler avec des images en noir et blanc ne me suffisait pas. Après cela, j’ai essayé la retouche des couleurs, – Pavlov raconte ses recherches créatives. – Lorsque ces méthodes ont fusionné, le projet Total Photographic a débuté, au cours duquel j’exprimais de manière très complète ma vision de la photographie en tant que langage universel. La première partie de ce projet, composée d’une centaine d’images, avait été créée de 1990 à 1994. J’ai commencé à étudier la peinture de photographies et j’ai proposé de faire un projet commun à l’artiste Volodymyr Shaposhnikov. Notre dernier de ces trois projets communs, «The Other Sky», n’a pas été entièrement présenté ailleurs dans le monde. »
Yevgeniy Pavlov a créé à la fin des années 90 la série «House of Life». L’institut de recherche où il travaillait et avait accès au laboratoire allait fermer et c’était la dernière occasion de travailler lui-même sur le processus d’impression. Pavlov ne reconnaît pas les technologies modernes et ne s’est jamais tourné vers la photographie numérique: «Pour moi, la photographie liée au film et au processus cinématographique, en général, est biologiquement vivante. Au fil des ans, j’aime de plus en plus l’image de film. Même si ce n’est rien du tout. J’adore regarder la photo, cette texture, les points d’argent. »
« J’ai vraiment le sentiment d’appartenir à l’époque soviétique. J’y ai créé mon corpus. Le dernier ouvrage intitulé » The Other Sky « avec Shaposhnikov résume ce passe-temps soviétique. Pour moi, cet adieu est tout à fait conscient. »
La fin de l’URSS ne signifiait pas la fin de l’école de photographie de Kharkiv, mais de nombreux groupes de photographes jeunes et ultra-modernes. Mais c’est une autre histoire.
Anna Akage
