Stephen White, conservateur, collectionneur et auteur, a ouvert l’une des premières galeries photographiques en 1975, à Los Angeles. White a régulièrement exposé les œuvres de photographes de renom dans le monde entier et se consacre à la promotion et à la préservation de la photographie et possède un patrimoine de grande qualité. Il a été le président fondateur de l’Association internationale des marchands d’art photographique. L’une de ses collections de quelque 30 000 photographies a été vendue au Tokyo Fuji Art Museum, au Japon. Ses vastes collections photographiques ont été exposées dans plus de vingt expositions muséales, dont : le musée Van Gogh d’Amsterdam, le Palais de Tokyo et l’hôtel Sully à Paris, le Glypotek de Copenhague, le musée Kunstverein de Francfort. En Amérique; Le musée de la Nouvelle-Orléans, la maison George Eastman, le musée Nelson Atkins de Kansas City, l’Asia Society de New York, le musée d’art d’Akron, le centre culturel Skirballl de Los Angeles, le musée Autry et le musée de la photographie de Californie.
Son livre actuellement en production s’intitule : Creating the Photographic Market: The Inside Story. Cette histoire à la première personne sera certainement une contribution importante à la compréhension du marché de la photographie et de l’art de la collection.
Patricia Lanza : Quelle est et quelle a été votre approche de la collection de photographies ?
Stephen White : J’ai, par nature, une personnalité iconoclaste. Je cherche toujours mon propre chemin et c’est vrai avec la photographie. Au départ, j’ai constitué une collection d’images intéressantes et souvent décalées.
Cela a été reconnu très tôt lorsque, lors d’une visite en 1978, Bruce Bernard, le célèbre éditeur anglais, a choisi treize de mes images pour les inclure dans son livre révolutionnaire, Photodiscovery.
Dans la galerie, j’aimais faire des expositions thématiques, car elles offraient l’occasion de mélanger une mélange complexe d’images, certaines connues, d’autres pas du tout. J’ai transposé ce concept dans ma collection personnelle, en sélectionnant les œuvres de ma collection en fonction de la façon dont une image me parlait plutôt que du nom de l’artiste. En fait, de nombreuses photographies des collections actuelles et passées ne portent aucun nom de créateur.
Lanza : Comment le marché de la photographie a-t-il évolué au fil du temps (historiquement) ?
White : Le marché de la photographie a traversé des phases. Quand j’ai débuté en 1975, il n’existait qu’un très petit marché avec des prix bas. Finalement, grâce aux efforts de grands marchands et d’une base croissante de collectionneurs, à l’intérêt croissant des musées désireux d’exposer des photographies, aux articles dans les journaux et les magazines d’art sur le sujet, la photographie a commencé à prendre pied sur le marché de l’art. Au tournant du millénaire, un changement s’est produit et de grands tirages, principalement en couleur, réalisés par des photographes contemporains ont commencé à remplacer la manière traditionnelle de collectionner. Les galeries de peinture et celles qui vendent des œuvres sur papier commencent à prendre la photographie au sérieux. Les prix ont augmenté, mais la photographie a toujours semblé bon marché à côté de l’art contemporain, attirant un groupe de jeunes collectionneurs.
Plus récemment, une phase nouvelle consiste à découvrir des œuvres moins connues d’artistes noirs, d’Amérindiens et d’autres peuples autochtones. Un intérêt a récemment été exprimé pour les travaux sur le changement climatique, les aspects techniques de l’observation de l’environnement (par opposition aux photographies plus traditionnelles sur la nature) et les utilisations de la technologie. Comme toute bonne forme d’art, la photographie est toujours à la recherche de nouvelles formes d’expression. Il ne fait aucun doute que l’IA aura un impact énorme sur le terrain.
Lanza : Parlez nous de vos « trouvailles » les plus intéressantes et les plus précieuses en matière de collection photographique ?
White : Pour trouver un travail décalé, il faut chercher dans des endroits étranges. Je visitais souvent les expositions de Photographica qui offraient une variété de matériel photographique. En 2017, l’exposition Photographica à Glendale était un endroit populaire à visiter. Sur une table, j’ai trouvé une collection d’un photographe intéressant nommé Kali Archibald. Il s’agissait de photographies en couleur et en noir et blanc, avec de nombreuses doubles expositions et la plupart réalisées dans les années 1960. J’ai acheté tout ce que le revendeur avait, environ 55, et en tant que photographe inconnue, le prix s’est avéré raisonnable. Je les ai ramenés à la maison, les ai rangés avec ma collection et je n’y ai plus pensé.
Quand j’ai lu qu’une galerie new-yorkaise bien connue, Staley-Wise exposait une collection des œuvres de Kali Archibald en 2021, le nom m’a dit quelque chose. Une petite enquête m’a appris que des tirages vintage, un peu plus grands que les miens, étaient vendus entre 10 000 et 15 000 $ chacun. Depuis, j’ai fait une exposition dans une galerie de Los Angeles et acheté une série de livres en quatre volumes sur le travail de Kali.
Lanza : Quelles sont vos recommandations pour devenir un jeune collectionneur aujourd’hui ?
White : Pour les jeunes collectionneurs. La plupart des jeunes aiment le travail contemporain parce qu’il est plus actuel et plus branché. Mais je suggérerais de regarder du matériel plus ancien du 20e siècle. Actuellement, ce marché est en baisse et les photographes de renom vendent leurs produits bien en dessous de ce qu’ils vendaient il y a quelques années à peine. C’est le moment idéal pour constituer une collection intéressante d’œuvres vintage dans un domaine qui attire votre fascination.
Lanza : Discutez de votre livre en cours ?
White : Je viens de terminer un livre sur mes propres expériences en galerie. J’ai commencé avec 4 000 $ en 1975 et, grâce à la chance et au travail acharné, j’ai bâti une entreprise et une grande collection personnelle que j’ai vendue à un musée japonais en 1990. J’ai ensuite commencé une nouvelle collection. Ouvrir une galerie était le seul moyen dont je disposais pour collectionner.
Le livre, Collecting Photography; The Inside Story, couvre mes expériences depuis le combat d’une galerie sous-financée jusqu’à une galerie à succès dont la totalité de sa collection (avec ma collection personnelle) a été achetée par un musée japonais en 1990. L’histoire offre un regard intérieur sur un domaine négligé du monde de l’art qui est passé du statut d’enfant orphelin à celui de force majeure du monde de l’art sur une période d’environ vingt-cinq ans, un parcours inouï. J’ai eu la chance de faire partie du premier groupe qui a établi les bases, et les récits de mes aventures donnent un aperçu de la façon dont un domaine artistique se développe à partir de rien par un groupe de personnes qui travaillent dur ; marchands de photographies, collectionneurs, conservateurs de musées, maisons de ventes aux enchères, écrivains, critiques et photographes, tous travaillant ensemble pour transformer une forme d’art en une partie largement acceptée du monde de l’art.
Text and Interview by Patricia Lanza
