Sarah Schorr est une artiste photographe américaine, éducatrice et chercheuse vivant au Danemark. Actuellement, elle termine sa résidence d’artiste de la bourse de la Fondation Munn / Versailles au jardin et à la maison de Claude Monet à Giverny, en France. Elle est une nageuse quotidienne, ce qui l’a attirée vers le sujet la nature de l’eau. Monet a conçu et s’est inspiré de ses jardins qui comprenaient l’eau comme point central. De plus, la fascination de Schorr vient de l’eau et de la lumière –– transparente, translucide, réfléchissante et opaque.
Le travail de Schorr a été largement exposé depuis sa première exposition personnelle à la Yancey Richardson Gallery de New York. Récemment, l’image ebbtide (marée descendante) de Schorr a reçu le prix du réalisateur au Griffin Museum of Photography qui donnera lieu à une exposition et à un catalogue. En 2020, le travail de Schorr a été honoré par le prix Julia Margaret Cameron pour les femmes photographes dans la catégorie du nu (premier prix) dans le cadre d’une exposition à la galerie Fotonostrum de Barcelone, en Espagne. Sarah est titulaire d’un BA de l’Université Wesleyan, d’une maîtrise en photographie, vidéo et médias connexes de l’École des arts visuels et d’un doctorat en études des médias de l’Université d’Aarhus. Son livre “The Color of Water,” avec des paroles d’Elizabeth Avedon et d’Anne Marie Kragh Pahuus, a accompagné une exposition personnelle (2021) de son travail à Galleri Image au Danemark et une exposition personnelle (2022) au Northern Photographic Center en Finlande.
Site Web de Sarah : https://www.sarahschorr.com
The Color of Water livre et tirages : https://www.sarahschorr.com/Artist.asp?ArtistID=49550&Akey=48347V9L&ajx=1#!asset84386
Exposition à venir : The Color of Water au Griffin Museum of Art, décembre 2022
LANZA : Comment le travail dans le jardin de Monet a-t-il affecté votre art ?
SCHORR : Il y a tellement de choses à observer sur le cycle de vie dans le Jardin de Monet. Il a fait don de ses grands panneaux de lys à Paris après la Première Guerre mondiale comme symbole de paix. Lorsque je photographie, peins et interviewe les jardiniers, je considère le jardin comme un bassin réfléchissant pour la paix, la lumière et la couleur. Je suis en train d’interviewer tous les jardiniers, essayant de comprendre comment ils planifient et prennent soin d’une conservation aussi astucieuse de la vie végétale. Manu, l’un des jardiniers aquatiques, m’a dit que travailler quotidiennement au bord de l’eau le sensibilisait à la fragilité et à la beauté de la nature. En travaillant dans le jardin de Monet, je pense que je commence à m’adapter à cette fragilité, une façon plus calme de voir comment la couleur change au fil des heures et comment les plantes bougent par rapport à la lumière. Depuis mon arrivée au jardin, j’ai même l’impression de marcher différemment dans le jardin en ce sens que je sais plus où et comment marcher avec moins de mal. Dans mon travail, j’explore cette manière plus douce d’aborder notre environnement naturel comme un type de travail de paix.
LANZA : Discuter de la nouvelle série de photographies incluant la création des techniques mixtes, des graphismes cinématographiques ?
SCHORR : Trois choses se répètent dans mon esprit pendant que je fais mon nouveau travail : 1. Voir est une pratique impermanente. 2. Comme l’eau, les photographies ne sont jamais vraiment immobiles. 3. L’amour est plus long que le temps. Avant de réaliser les cinémagraphes, j’ai étudié le processus de Monet pour créer ses jardins et ses bassins de nénuphars comme un laboratoire de couleurs vivantes. Avec un intérêt particulier pour l’expérience de Monet sur l’impermanence de l’acuité visuelle. Changé par l’amour, la perte et le temps, Monet a été déstabilisé par la façon dont la perte a modifié sa vision, finalement et sans doute. Pendant mon séjour dans le jardin construit de Monet, mon travail interroge, pleure et célèbre les changements structurels de l’architecture de nos yeux au fil du temps. Comment les dispositifs et les procédures développés pour lutter contre cette dégradation physique affectent-ils nos perceptions de la couleur, de la lumière et de l’espace ? Comment la vision est-elle modifiée par l’amour et la perte ?
LANZA : Votre travail a évolué de la peinture aux arts photographiques et au fil du temps au sujet de l’eau, comment cela s’est-il passé ?
SCHORR : J’adore l’eau. J’aime la fluidité du mélange de peinture et j’ai toujours aimé les palettes de peintre et le mélange des couleurs. Mon oncle était un peintre désordonné. Je me souviens avoir pensé que ses outils – peintures, encres et même silverpoint – étaient fascinants. Mais je m’intéresse également aux technologies photographiques émergentes et à la manière dont elles peuvent rendre le processus photographique plus léger et dynamique de manière innovante. J’essaie d’utiliser Photoshop et la programmation avec une touche légère pour que l’idée soit centrée sur l’idée, même si cette idée est aussi tactile que la qualité sensuelle de la peinture humide. En utilisant la peinture et des outils photographiques émergents ensemble, je peux enregistrer à quoi ressemble la peinture lorsqu’elle est la plus vibrante. La qualité active de la peinture résonne avec la capacité insaisissable de l’eau à traverser la vie entre les moments joyeux et difficiles. Je suis attiré par le mystère de l’eau.
LANZA : The Color of Water: The Algorithmic Sea, invite le spectateur à contribuer à travers votre site web, qu’avez-vous découvert de cette implication ?
SCHORR : Pour moi, l’un des aspects passionnants de travailler sur The Color of Water: Algorithmic Sea est qu’il s’agit à la fois d’une installation physique et d’art net. Avec mes collaborateurs artistes/chercheurs/codeurs créatifs, Carlos Oliveira et Gabriel Pereira, nous pouvons adapter des versions de cette œuvre aux particularités de l’endroit où nous l’installons physiquement. Par exemple, lors de notre récente exposition au Northern Photographic Center en Finlande, la neige locale a fondu dans la piscine que nous avons construite pour elle. De cette façon, nous invitons les gens et le paysage à la conversation sur la perception sociotechnique de la couleur, en particulier comment elle est actualisée à travers les systèmes informatiques et leurs algorithmes. La mer de couleurs montrée dans l’installation est composée d’une multitude de couleurs générées par l’utilisateur. Ces couleurs ondulent entre l’utilisateur et les processus algorithmiques informatiques dans différentes itérations spécifiques au site… ainsi, comme l’eau, l’œuvre d’art change constamment.
LANZA : Parlez-nous de votre dernier projet, The Fragility Laboratory ?
SCHORR : Mon nouveau projet s’appelle Fragility Laboratory. Il se compose à la fois des cinémagraphes et d’un journal de la paix. Les cinémagraphes sont des ovales frémissant de petits mouvements qui évoquent la sensation d’un paysage qui respire ; ces cinémagraphes reflètent la qualité de la quasi-immobilité du jardin aquatique de Monet. Chaque cinémagraphe est créé en assemblant numériquement des images photographiques peintes et superposées pour encapsuler un moment scintillant. Le journal de la paix implique des gestes de peinture et des fleurs tombées du jardin de Monet. Chaque étude est une méditation sur un moment éphémère inspiré d’entretiens avec les jardiniers du Jardin de Monet. Le journal essaie de capturer la qualité fugace de la lumière sur une fleur tout en reconnaissant que la couleur, comme nos émotions, est toujours dans un état de fluctuation.
