Notre collaboratrice CYJO a assisté à Art Basel Miami and Miami Art Week qui viennent de se terminer.
Elle y a tenu son Journal : voici la première partie, celle du mercredi 3 décembre 2024.
Sans titre, mercredi 3 décembre 2024
La matinée était un peu fraiche et dégagée avec une temperature de 14 degrés – la plus froide qu’on ait jamais ressenti toute l’année. Cela traversait le calme alors que je me tenais sur le balcon, arrosant ma plante monstera. Il y avait une teinte orange au lever du soleil qui s’étendait derrière les nuages, ourlant les bords d’or. Les ciels de Miami ne déçoivent jamais. Ils sont spectaculaires tous les jours et exigent toujours votre attention.
Dans l’après-midi, la ville remuait à ses rythmes habituels : un trafic conséquent et le poids d’un emploi du temps qui s’imposait. En traversant le MacArthur, puis en tournant sur Alton, j’e suis arrivée à un feu rouge. C’est alors que j’ai vu Lori du magazine Cultured marcher dans la rue.
En baissant ma fenêtre, j’ai appelé : « Lori ! Elle se tourna, surprise, son sourire traversant le bruit. Nous nous étions rencontrées il y a quelque temps et j’avais fait son portrait dans mon studio. Le feu est passé au vert, et personne n’a klaxonné, personne ne nous a précipités pendant ce moment fugace et connectif.
Cette année, le travail photographique chez Untitled semblait plus calme, mais toujours puissant. Que ce soit à travers des yeux neufs ou chevronnés, il a assemblé une collection de perspectives, chacune avec ses tons distincts.
Les mains étaient au centre de l’attention de certains artistes qui partageaient une série photographique.
- Centre LeRoy Neiman d’études sur l’imprimerie, École des arts de l’Université de Colombie –
Shirin Neshat, Offerings, 2019
« Offerings est une série de photographies créées avec les postures de mains qui empruntent aux gestes de prière courants de toutes les religions, y compris l’Islam. Le texte inscrit sur les images est de la poésie d’Omar Khayyam, le grand poète et mystique persan du 11ème siècle. » – Shirin Neshat
« Née à Qazvin, en Iran, en 1957, Neshat est arrivée aux États-Unis en 1974 pour terminer ses études. Elle a obtenu un baccalauréat de l’Université de Berkeley en 1983 et a passé une grande partie de sa vie adulte en exil, retournant en Iran pour la première fois en 1993. Les photographies, vidéos et films de Neshat ont été largement exposés aux États-Unis et dans le monde dans des institutions. dont le Whitney Museum of American Art, New York ; l’Art Institute de Chicago, Illinois ; Musée de Dallas d’Art, Texas ; Kunsthalle Wien, Vienne ; et le Walker Art Center, Minneapolis, MI, entre autres. Elle a reçu de nombreux honneurs et récompenses pour son travail, notamment le premier prix international de la Biennale de Venise en 1999 et le prix Infinity de l’International Center for Photography de New York en 2002. »
- Galerie Zielinsky – Vera Chaves Barcellos, Mãos na praia (Castelldefels), 1986
« Dès le début de sa carrière, Vera Chaves Barcellos s’intéresse à la réutilisation d’images préexistantes tirées des médias pour développer des œuvres à travers les langages de la vidéo, de la photographie, de la gravure et de l’installation. Le point de départ des recherches de l’artiste est la relation entre le corps et le temps : interpréter des personnages et des récits du passé et du futur, se concentrer sur des histoires laissées de côté par l’historiographie, documenter et collecter des documents d’archives sur des événements locaux ou des souvenirs personnels.
L’artiste présente l’œuvre Mãos na praia (Castelldefels) [Mains sur la plage (Castelldefels)], photographiée en 1986 sur une plage de la province de Barcelone, en Espagne. Nous sommes amenés à assister, à travers les images de l’artiste, à un ensemble de traces : des mains de genres différents, aux ongles peints, ornées de bijoux, tenant des journaux, des mains suspendues en l’air, adossées au corps et reposant au sol. »
- Galerie Christine Park, Xyza Cruz Bacani, We are Like Air, 2013-2017
Avec Bacani, j’ai réfléchi à l’importance des mains des travailleuses domestiques qu’elle a documentées.
« Bacani, qui était elle-même employée de maison, se réapproprie l’histoire de la travailleuse migrante qui a été racontée à maintes reprises par d’autres. Cette fois-ci, elle raconte leur propre histoire – non pas en tant que victimes mais en tant que champions qui ont surmonté les nombreuses difficultés que la vie leur a imposées alors qu’elles laissaient leurs familles derrière dans leur pays d’origine. Le livre décrit l’expérience de millions de mères, de filles et de familles dont la vie a été perturbée par la migration. « Nous sommes comme l’air » parce que les travailleurs migrants sont souvent traités comme de l’air, invisibles mais importants.
Xyza Cruz Bacani (née en 1987 aux Philippines) est une artiste et écrivaine interdisciplinaire primée basée à New York. Son expérience en tant que travailleuse domestique de deuxième génération à Hong Kong éclaire sa pratique et son engagement dans des événements mondiaux moins visibles, effacés et sous-estimés. Ses œuvres explorent la migration, l’identité transnationale, le changement climatique et le travail.
Ces trois séries photographiques m’ont rappelé Substructure (2010) (lien vers https:// www.cyjostudio.com/substructure-1), un projet dans lequel mon objectif s’est tourné vers les migrants internes, capturant leurs histoires et les gestes texturés et usés par le travail. de leurs mains. Il rend hommage à ceux qui ont quitté leur province pour Pékin à la recherche d’une vie meilleure. Vivant en marge d’une ville animée, leur travail acharné a contribué à la vitalité de leur communauté. Il y a une beauté dans le pouvoir profond des mains qui contribuent à l’expression, à la création et à la survie.
La fusion culturelle et les rituels ont été retrouvés dans d’autres œuvres.
- MKG127, Jason Lujan, Origami Necklace, Donna with Menpo, 2022
« Basé à Toronto, Jason Lujan est originaire de Marfa, au Texas. Il crée des outils pour comprendre et interpréter les processus par lesquels différentes cultures se rapprochent à la suite des voyages et de la communication. Intégrant largement des composantes visuelles enracinées en Amérique du Nord et en Asie, son travail se concentre sur les possibilités et les limites des échanges d’idées, de significations et de valeurs, remettant en question les concepts de paternité et d’authenticité. Il s’intéresse aux croisements interdisciplinaires et transculturels entre la revitalisation des méthodes, des matériaux et des approches historiques combinées à la vie dans le présent.
Tout comme les générations précédentes d’artistes autochtones ont réagi à l’introduction de matériaux et de méthodes de création artistique modernes pour enregistrer, recadrer et recoder des idées traditionnelles et nouvelles, le travail de Lujan met l’accent sur la zone de transition où l’inconnu devient familier. Les expositions récentes de Jason ont été organisées par l’Art Gallery of Guelph, le Denver Art Museum, Modern Fuel (Kingston, ON), la Kitchener-Waterloo Art Gallery, le MacLaren Art Center (Barrie, ON), Urban Shaman (Winnipeg, MB) et Galerie 44 (Toronto). Son travail a été collectionné par le Smithsonian Museum of the American Indian et le Asian Pacific American Center, l’Université du Texas, la Guelph Art Gallery et la Banque TD. »
- The Ant Project, Carina Mask, sans titre (Hiburi Kamakura), 2018
« Mask a exploré des épicentres spirituels dans toute la campagne japonaise. Pour ses portraits forestiers, elle utilise les forêts pour symboliser un espace liminal, un seuil entre les royaumes physique et spirituel en capturant un feuillage dense, des arbres imposants et une lumière changeante pour évoquer un sentiment de mystère et de transition. »
Ses portraits de feu documentent le festival historique Hiburi Kamakura de Kakunodate. Le festival « a commencé pendant la période Edo, il y a environ 400 ans. Le rituel commence avec la prière des prêtres et le feu est mis à un tas de paille de trois à quatre mètres de haut en guise d’offrande aux divinités. Les agriculteurs attendaient que le soleil se couche pour allumer des bottes de foin et les balancer au-dessus de leur tête et autour de leur corps dans un mouvement circulaire afin d’attirer une récolte abondante et d’effrayer les mauvais esprits qui pourraient persister de l’année précédente.
Carina Mask est une photographe américano-japonaise dont le travail explore le pont entre les cultures orientale et occidentale. Basée dans le sud de la Floride, son travail l’a amenée à parcourir le monde, notamment en visitant les anciennes villes du Japon et les vastes paysages urbains. Sa première incursion majeure dans la narration photographique a été de raconter la lutte de ses grands-parents contre la démence pendant dix ans et l’impact que cela a eu sur la famille des soignants. »
Des touches de couleur m’ont attiré vers les deux stands suivants. J’ai parlé avec Kellie d’Aperture pour en savoir plus sur les portraits colorés d’Arielle avec des têtes tournées ou cachées.
- Aperture, Arielle Bobb-Willis, Keep the Kid Alive, 2015-2023
Kellie : « Arielle Bobb-WIllis est une jeune artiste originaire de New York qui travaille désormais à Los Angeles et à l’extérieur. Nous avons présenté pour la première fois le travail d’Arielle dans notre projet, The New Black Vanguard, édité par Antwaun Sargent. Elle a un chapitre dans le livre et a également fait partie de l’exposition itinérante organisée par Sargent. Nous avons adoré ce travail et voulions publier sa première monographie. Aperture s’engage fortement à publier les premiers livres des artistes, nous étions donc très heureux d’ajouter Keep the Kid Alive. (Lien vers https://aperture.org/books/arielle-bobb-willis-keep-the-kid-alive/) vers notre liste.
« Je suis devenue photographe pour sortir de ma dépression de la manière la plus épanouissante’, déclare l’artiste, dont les images ont été publiées dans le New Yorker, le British Journal of Photography et L’Uomo Vogue elle a eu une Exposition personnelle en 2018, intitulée Ever-Lucid, à la galerie Medium Tings à Brooklyn. »
Ce sont les sculptures au néon et minimalistes et les images en noir et blanc de Jyll Bradley qui ont fait une impression durable dans son installation saisissante intégrant des autoportraits (également avec son visage caché) pris il y a des décennies. Ses images exprimant la vulnérabilité et l’exploration auraient facilement pu figurer sur la couverture d’un album des Smiths, et je n’ai pas pu m’empêcher de ressentir l’essence de la musique que j’ai embrassée des années 80 et 90 comme Erasure, Cocteau Twins, The Cure, Depeche Mode, etc.
- Œuvres d’art Pi. Jyll Bradley, Within A Budding Grove, 2024
« Self-Portrait (1987) fait allusion au désir de Bradley, en tant que femme queer des années 1980, d’être vue et comprise, mais aussi de se cacher, cachant son visage à la caméra et se tournant vers l’abstraction dans son art comme moyen d’exprimer l’étrange et l’inattendu.
Jyll Bradley (née en 1966) à Folkestone, au Royaume-Uni, vit et travaille à Londres, réalisant des installations, des films, des dessins et des sculptures. Le travail de Bradley est apparu pour la première fois à la fin des années 1980 et combine la vigueur formelle du minimalisme avec des idées d’identité et de lieu. La lumière est un élément constant dans sa pratique, depuis ses premières installations photographiques de caissons lumineux jusqu’à ses œuvres acclamées à grande échelle dans le domaine public en plexiglas fluorescent et LED. Bradley associe souvent des matériaux organiques et industriels, exprimant son désir de rassembler différents aspects de soi dans un processus qu’elle décrit comme un « minimalisme queer ». Ses installations sont de plus en plus devenues des lieux d’activités telles que la danse, la performance et la réalisation de films, reflétant son intérêt pour la sculpture comme un puissant lieu de rassemblement de personnes et d’idées. »
CYJO
À propos de l’auteure : CYJO est une artiste coréenne américaine basée à Miami dont le travail, depuis 2004, se concentre sur l’identité de la personne et du lieu, explorant les constructions culturelles et les catégorisations existantes. Elle est également co-fondatrice de thecreativedestruction (lien vers https://www.cyjostudio.com/aboutthecreativedestruction), une collaboration artistique avec Timothy Archambault, et contribue de longue date à L’Oeil de la Photographie. www.cyjostudio.com (lien vers cyjostudio.com) @cyjostudio
