Amanda Rowan est une artiste américaine travaillant dans les domaines de la performance, de la photographie et du cinéma, vivant actuellement à Los Angeles, en Californie. Diplômée de la Tisch School of the Arts de NYU, elle a été récompensée par le Photo District News, du Curator Award en 2019. Rowan est actuellement professeure à plein temps au Photo Arts Conservatory de la New York Film Academy de Los Angeles.
Fille du musicien et légendaire country Bluegrass, Grammy, Peter Rowan, elle a commencé à photographier des concerts de rock au lycée. En 2014, elle a lancé le projet « Born Backstage », une série de portraits de lieux qui parlent des artistes et des interprètes qui sont tous les enfants de légendes folk et rock, tels que The Grateful Dead, Crosby Stills and Nash, The Beatles et Frank Zappa.
Dans l’évolution de son style visuel créatif, son travail récent se concentre sur les éléments théâtraux dans la vie et en studio, en mettant l’accent sur la couleur luxuriante et la juxtaposition. Les deux sujets de la série actuelle sont l’autoportrait et la nature morte. En 2018, elle a reçu le Photographe chromatique international de l’année pour ses réalisations en photographie couleur, pour l’image autobiographique, Tour De Force.
Le travail commercial de Rowan comprend des campagnes publicitaires pour des clients tels que Disney, NBC, HBO et Hilton Entertainment. Ses photographies ont été exposées et publiées à l’international à la Carrie Able Gallery, Brooklyn, Photo LA et Art Basel ainsi qu’à la Wall Street Gallery et à la Leica Gallery de Los Angeles. Ses images font partie de la collection permanente d’art contemporain du Palms Hotel de Las Vegas, qui comprend des œuvres de Basquiat et Damien Hirst.
Q : Vous faisiez de la photographie en tant que jeune adolescente, puis vous êtes devenu actrice à seize ans, tout en étant toujours impliquée dans les arts photographiques. Comment cela a-t-il influencé votre travail?
Rowan : J’ai eu le privilège être une artiste était une priorité pour ma famille, m’exprimer à travers la performance ou la photographie étaient appréciées et encouragées. J’étais entouré de créatifs et d’interprètes quand j’étais enfant. Mon expression en tant qu’artiste a toujours résumé le fait d’être interprète et documentariste. Avoir une caméra m’a permis de me connecter aux autres musiciens et artistes qui m’entouraient, et être actrice m’a permis de me connecter émotionnellement avec mes sujets. Je sais ce que c’est que d’être enregistré et en tant que photographe, cela me permet d’exprimer mes directions en ayant de l’empathie.
Q : Dans vos premiers travaux, la série Born Backstage, les portraits d’enfants des célébrités, ceux qui sont devenus des artistes à part entière. Comment était-ce une exploration de votre propre histoire, étant également l’enfant d’un musicien célèbre?
Rowan : Au début, j’étais fasciné par l’énergie de la gloire. Le respect que nous accordons aux célébrités. L’espace que la «renommée» occupe dans une pièce. Enfant, on m’a accordé un certain respect à cause de mon père. Et c’était à la fois merveilleux et bizarre. Cela m’a fait remettre en question ma propre validité et ma valeur par rapport à la «renommée». « Born Back Stage » était un moyen de traiter ces sentiments et d’explorer les expériences d’autres jeunes artistes dont les parents sont des musiciens de renom. J’ai remarqué que nous accordons une divinité particulière aux musiciens. La musique est très émotionnelle et personnelle. Le projet portait sur les similitudes dans les voyages que moi-même et d’autres artistes du livre ont fait pour trouver l’expression de soi. Et aussi de donner une voix à cette perspective unique.
Q : Comment avez-vous développé votre propre identité. Quels sont les artistes qui ont influencé votre travail? Quand as-tu commencé à faire des images par toi-même?
Rowan : Une fois que j’ai commencé à enseigner et à encadrer d’autres jeunes artistes, j’ai découvert que je commençais à avoir plus de respect pour mon propre processus créatif. En encourageant mes élèves à trouver leur voix unique et à être vulnérables, j’ai commencé à créer un espace pour le faire par moi-même. J’ai arrêté de me soucier des photos que je devais prendre et j’ai commencé à penser aux images que je voulais faire. Le travail de Man Ray, Jo Ann Callis, Maurizio Cattelan, Alma-Tadema, Cecil Beaton et Julia Margaret Cameron était celui de quelques-uns des artistes que je recherchais pour l’inspiration. Je me suis permis de créer à partir d’un lieu de curiosité. Je me fichais de savoir si les images seraient publiées ou si quelqu’un les aimerait. Et cela a été ma plus grande leçon. Si jamais je me sens coincé de façon créative, je me demande, pour qui fait-tu cela? De quoi as-tu peur?
Q : L’œuvre la plus récente, Ritual, implique l’autoportrait; hautement construit, avec des couleurs et des images luxuriantes – un monde de rêve autobiographique. Que pensiez-vous ici?
Rowan : Je repensais à ma carrière d’actrice d’une vingtaine d’années, cela ressemblait à une grande œuvre d’art de performance où je jouais une « Ingenue », impuissante et désirable. Les images de ma série « Rituel » explorent les sentiments que j’avais sur le besoin d’être séduisante et le manque de contrôle sur mon corps que je ressentais à l’époque. J’ai commencé à voir comment mon besoin d’être désirée sexuellement était lié à ma survie. Historiquement, je me suis intéressée à ce modèle et à la façon dont les femmes doivent être érotiques pour être pertinentes. Le projet explore l’intersection du pouvoir, de la sexualité et de la vulnérabilité. Les tropes visuels que j’utilise sont en grande partie le produit de mon expérience de jeune actrice pédalant sur mon attractivité. Les images représentent une femme anonyme qui rappelle au spectateur l’art de la pin-up vintage mélangé à l’iconographie religieuse.
Q : Votre style visuel est passé de la photographie documentaire à la série en studio (Rituel et nature morte – du numérique à l’analogique). Du portrait à l’inanimé. Comment le rituel a-t-il affecté ou évolué pour travailler sur Still Life?
Rowan : Sur un plan formel, j’étais prête à créer un travail qui n’impliquait pas de visage humain. Une grande partie de ma carrière s’était concentrée sur l’expression, le caractère et les émotions dans un portrait. Je voulais voir si je pouvais mettre au défi le spectateur de se sentir connecté de la même manière à mon travail si le sujet n’avait pas de visage. Pour créer la même intensité dans la nature morte que dans un portrait, je voulais contrôler tous les éléments. J’ai déménagé au studio, où j’ai pu créer des environnements particuliers et contrôler chaque composant du cadre, de l’éclairage aux accessoires. J’ai eu le plaisir de collaborer avec une fleuriste très talentueuse Marisa Bosquez-White. Le tournage sur film était également un moyen de ralentir le processus. Pour profiter du procédé et ne pas en faire trop. Je voulais juste une image finale de chaque configuration.
Q : La série Still Life, l’image du moule JELL-O, remonte à une époque ancienne, et c’était devenu très populaire dans les années 1950, lorsque le travail des femmes était dans la cuisine. Parlez nous de votre imagerie où il y a beaucoup de vocabulaire qui apparaît constamment.
Rowan : Je venais de perdre ma grand-mère maternelle et j’ai hérité d’elle toutes sortes d’objets précieux. Je voulais les documenter et me connecter également avec son esprit. Elle était une femme confiante au travail, mais elle s’est également présentée comme une icône domestique de l’époque. Glamour et féminine prête à cuisiner, à nettoyer et être une bonne maitresse de maison. Elle m’a laissé beaucoup de chemises de nuit vintage et a dit que c’était ce que l’on devait porter avec son mari lors d’un « dîner à la maison ». Cette idée de s’habiller en lingerie fantaisie pour une nuit paraissait fabuleux et dépassé par rapport aux pantalons de survêtement que je porte souvent pour une nuit de « Dîner à la maison ». Le projet est un fantasme dans ce sens, une résurrection à la fois de ma grand-mère et une formalité perdue de son temps. Les images se moquent de la facilité avec laquelle le travail domestique était exagéré et banalisé à son époque. Je pense que la nature morte est le moyen idéal pour moi d’explorer mon sens de l’humour. La nourriture est amusante pour moi. Photographier des natures mortes est un moyen dans lequel je me sens capable de puiser pour une langue partagée du «travail des femmes».
Q : De nombreux photographes sont également cinéastes. Qui ou quoi vous a encouragé à faire le clip, Beach Body, pour le groupe Helaine and the Hurricanes, car vous n’aviez aucune expérience préalable de l’image en mouvement? Quel était ce processus?
Rowan : Après le processus de mon travail le plus récent dans le studio où j’avais le contrôle de tous les éléments, j’avais retrouvé confiance pour diriger des images en mouvement. L’artiste, Helaine and the Hurricanes, m’a approché pour la réalisation d’un clip musical du groupe, après avoir posté quelques courtes vidéos d’art sur Instagram. Nous avons un style visuel très simpatico, et mon esthétique était parfaite pour sa marque. Réaliser « Beach Body » a été une expérience incroyable. La chanson parle de la promotion d’une image corporelle intersectionnelle positive, donc c’était vraiment significatif et amusant de faire des visuels. Je sentais avoir fait le tour du cercle venant d’une famille de musiciens, ayant été actrice et faisant de la mise en scène. J’ai l’impression que j’ai toujours été censé le faire et je ne sais pas ce qui m’a pris si longtemps si ce n’est 100 fois plus compliqué que la photographie. J’ai travaillé avec un directeur de la photographie incroyable sur Beach Body, une de mes anciennes élèves Tanne Willow. Nous avions travaillé ensemble quand elle m’a aidée pour « Ritual », et je lui faisais vraiment confiance, et cela m’a permis de me concentrer sur la réalisation. J’ai hâte de réaliser plus de pièces plus narratives et des clips.
