LANGart: Laura Hospes (1994)(image 1)
Laura Hospes (Wageningen, 1994) a commencé comme photographe, mais elle a rapidement élargi sa pratique artistique et incorporé des performances, des œuvres vidéo, des sculptures, des dessins, des peintures et des écrits à son corpus d’œuvres.
« …récupérer l’existence de mon corps est quelque chose que je fais depuis des années en forçant agressivement ma peau à ressentir. Explorer d’autres versions de la réalité en capturant et en archivant les capacités de mon corps par le biais des arts prend progressivement le relais de cette tâche. L’art performatif (interactif), visant le caractère éphémère et corporel de celui-ci, pourrait-il être une prochaine étape dans la quête de l’existence de mon corps ? »
Ma peau est le co-auteur de mon travail, dit-elle, son sujet de recherche, toujours présent dans ses œuvres. La peau, notre plus grand organe, notre protection contre les températures basses ou élevées, la pression, les chocs et les frottements. La peau rend palpable la chaleur, le froid, la pression, les démangeaisons, la douleur. Notre peau produit de la vitamine D et a la capacité de stocker des graisses dans les meilleurs moments pour les utiliser dans les mauvais. Notre épiderme peut se renouveler en quatre semaines seulement. Laura Hospes fait appel à ces qualités lorsqu’elle déclare : « En scrutant ma peau de l’extérieur, je ressens une sensation d’admiration et de surprise. Je respecte énormément sa capacité à se régénérer, à transmettre des messages, à se développer, à lire et à être lu ». En plus de peindre sa peau avec du plâtre, elle utilise d’autres moyens pour manipuler notre point de vue sur la peau : elle couvre sa peau avec du ruban adhésif transparent ou porte un costume de corps connu sous le nom de costume de graisse et parfois elle contracte son corps si étroitement que des vergetures restent visibles sur sa peau afin de tester les capacités, les qualités esthétiques et les fonctions de sa peau et l’interaction avec celle-ci. Dans des poses maladroites – parfois inconfortables, parfois non exemptes de charge sexuelle – elle s’expose au public de manière objectivée.
En photographiant son propre corps, plus précisément la surface de son corps ou des parties déformées de celui-ci, elle montre au monde sa lutte intérieure avec la vie. Dans son cas, la peau ne la protège pas de sa douleur, elle montre plutôt dans toute sa rugosité la pureté et l’intimité de ses luttes.
Laura Hospes est présentée par LANGart à la foire UNSEEN avec son œuvre intitulée Jenny. Sa performance « No Man’s Land » est présentée à Unbound.
LANGart
1016 SP Amsterdam
+31 (0)624605088 or +31 (0)643263701
[email protected]
www.langart.nl
Migrant Bird Space: Luo Yang, Lin Zhipeng, Gulu & Feng Li (images2-3)
Migrant Bird Space est situé au centre de Berlin, et nous avons toujours eu pour objectif de promouvoir les jeunes artistes chinois en Europe. Cette année, avec notre participation à Unseen 2022, nous aimerions présenter quatre de nos étonnants photographes non seulement au public néerlandais mais aussi au public international. Luo Yang, Lin Zhipeng, Gulu et Feng Li enregistrent les changements rapides qui se produisent dans la société chinoise d’aujourd’hui, en particulier parmi la population jeune, qui n’a pas peur de s’exprimer librement. Basées dans trois villes différentes, leurs couleurs vives et audacieuses capturent des aspects de la vie ordinaire, qui passent autrement inaperçus.
Nous avons choisi de les regrouper pour mettre en lumière leurs différences, mais aussi leurs points de vue très proches sur la société chinoise du XXIe siècle.
Migrant Bird Space
10115 Berlin, Germany
+49-30-49952524
[email protected]
www.migrantbirdspace.com
NYC Salt: Malike Sidibe & Daniel Martinez (images 4-5)
NYC Salt est un programme de photographie à but non lucratif dans la ville de New York. Notre mission est d’engager, d’inspirer et de donner les moyens aux jeunes issus de communautés défavorisées, principalement immigrées, d’atteindre leur plein potentiel et de développer un sentiment d’agence, d’appartenance et d’identité intégrée à travers l’objectif d’un appareil photo. Nous y parvenons par le biais d’un enseignement pluriannuel, rigoureux et séquentiel de la photographie et de la vidéo, dispensé par des artistes et des professionnels du secteur, combiné à un mentorat individualisé, une préparation et une orientation universitaires, une exploration de carrière, des opportunités d’emploi et une formation professionnelle.
Nous présenterons deux de nos artistes émergents à Unseen cette année et trois corpus de travaux : une collection de portraits, un projet documentaire sur les premiers jours des manifestations Black Lives Matter à NYC de 2020, publié dans Time Magazine et le New York Times Magazine, et un récit documentaire sur la communauté d’un terrain de basket local dans le South Bronx. Les photographies offrent une vision de la mode, des conflits et de la communauté dans la ville de New York.
Malike Sidibe est un artiste de 25 ans (originaire de la Côte d’Ivoire). En plus de produire un travail magnifique influencé par son héritage africain, Sidibe a acquis une reconnaissance mondiale pour ses images émotives et poignantes documentant le mouvement Black Lives Matter.
Daniel Martinez est un photographe, illustrateur et réalisateur portoricain de 29 ans, né et élevé dans le Bronx, à New York. Son père lui a transmis son amour de la photographie et, dès son plus jeune âge, il a développé un travail axé sur la beauté des gens et de la culture du sud du Bronx. Actuellement, Daniel est un créateur de contenu CGI et d’animation chez Duggal Solutions. Il a reçu une bourse de Camera Voyages qui lui a permis de photographier un trek jusqu’au camp de base du mont Everest. Il s’est rendu au Guatemala pour prendre des photos pour la Global Healthworks Foundation, une organisation humanitaire qui fournit gratuitement des soins de santé aux communautés médicalement défavorisées, et il a été en mission pour ESPN.
NYC Salt
New York, NY 10001
(917) 992-6756
[email protected]
www.nycsalt.org
OstLicht. Gallery for Photography: Francesca Catastini (1982), Anna Breit (1991) . (images 6-7)
Le travail photographique de Francesca Catastini vise à dépasser l’idée de séparation, en initiant une interaction des images avec d’autres images, textes ou objets. Ce processus d’invention et de superposition continue permet d’obtenir de nouvelles significations. Dans ‘The Modern Spirit Is Vivisective’, l’artiste s’aventure dans l’histoire de l’étude de l’anatomie et du phénomène des dissections publiques. ‘Petrus’ Catastini explore le besoin humain de se définir et de définir le monde à travers des formes spécifiques.
Anna Breit évolue entre la photographie de mode et les projets artistiques libres, où elle prend principalement des photos de ses amis, de sa famille et de son environnement. Elle travaille principalement en séries, qui fournissent une orientation thématique, mais au sein desquelles elle maintient une pratique photographique momentanée et spontanée.
« Chère maman, je pense que tu es vraiment belle. Joyeux anniversaire ! Anna » – Son œuvre « Mama » est un projet continu créé sur plusieurs années qui représente sa mère. Cette œuvre peut être comprise comme une lettre d’amour à sa mère.
OstLicht. Gallery for Photography
A-1100 Vienna, Austria
+43 (0)1 996 20 66
[email protected]
www.ostlicht.org
Project 2.0: Larissa Ambachtsheer, Manon Hertog, David Hummelen and Sanja Marušić (images 8-9)
Project 2.0 / Gallery participe à UNSEEN avec les œuvres de Larissa Ambachtsheer, Manon Hertog, David Hummelen et Sanja Marušić. Il s’agit d’un groupe exquis d’artistes photographes très talentueux, qui apportent à UNSEEN des images colorées et diverses ainsi qu’un art abordable. Leur ambition est contagieuse, et nous ne doutons pas que ces artistes sont en passe de se faire un nom dans la communauté photographique.
Les images présentées sont soigneusement sélectionnées en fonction de leur qualité, de leur couleur et de leur accessibilité. Les quatre artistes néerlandais partagent un regard neuf sur la vie quotidienne, les habitudes et les situations. Leurs œuvres donnent au spectateur non seulement une image belle et puissante à regarder, mais aussi un questionnement: que voyez-vous et comment est-elle manipulée ? Chaque artiste joue avec les éléments, la couleur ou l’échelle. Les agrandissements mystérieux, les mouvements ou les choix de couleurs étranges des objets du quotidien créent des images surréalistes ou peut-être simplement une vision ouverte du monde qui nous entoure.
Project 2.0 / Gallery
2514 GC Den Haag
+31 (0)703450357
[email protected]
www.project20.nl
ROBERT MORAT GALERIE : Lena Amuat & Zoë Meyer (images 10-11)
La GALERIE ROBERT MORAT, Berlin, est très heureuse d’annoncer la représentation du duo d’artistes suisses Lena Amuat & Zoë Meyer avec des œuvres de leur série « Artefakte und Modelle 2009-2022 ».
Une collection d’objets qui incarnent la lutte humaine pour la connaissance, une curieuse taxonomie est rencontrée dans le projet photographique de Lena Amuat & Zoë Meyer, qui a duré plus de douze ans et compte des centaines d’images, qui inventorie les modèles, les artefacts, les spécimens naturels et les objets d’enseignement qu’ils ont dénichés en voyageant dans les archives et les collections des universités et des musées d’histoire naturelle européens. Simplement titrées et numérotées selon les catégories propres aux artistes – Mathematisches Modell (Modèle mathématique), Verlorene Sammlung (Collection perdue), Flügel (Aile) pour n’en citer que quelques-unes – les photographies célèbrent des reliques de la pensée européenne récente et révèlent une manière particulière de comprendre le monde.
Cependant, les informations et la provenance ayant été entièrement exorcisées des titres, nous ne savons presque rien de concret sur chacun des objets photographiés. Au lieu de cela, ils doivent communiquer par le seul pouvoir de leur identité visuelle.
Chacun des objets sélectionnés est accueilli dans le studio photo mobile des artistes, où ils sont posés de manière sympathique devant des toiles de fond en papier coloré (parfois assemblés avec d’autres objets, mais le plus souvent seuls), éclairés de manière séduisante et habilement photographiés : leur charisme a la possibilité de briller. Et ils brillent. Chaque objet est présenté comme une œuvre d’art ready-made à part entière, s’adressant au spectateur sous forme de formes audacieuses, précises et énigmatiques. Les modèles mathématiques (qui sont plus nombreux que tous les autres de la série) exposent leurs géométries complexes avec conviction, Brancusi-esque dans leur promesse de représenter « non pas la forme extérieure mais l’idée, l’essence des choses ».
À contre-courant de l’essor du numérique, le duo privilégie l’analogique et le « fait main » – de l’impression en chambre noire aux fonds de couleur soigneusement préparés, en passant par les cadres peints à la main qu’ils construisent eux-mêmes. Un livre de la série a été publié par About Books en 2021. Lena Amuat (*1977) et Zoë Meyer (*1975) vivent et travaillent à Zurich et à Berlin.
ROBERT MORAT GALERIE
10115 Berlin, Germany
+49 30 25209358
[email protected]
www.robertmorat.de
Galerie Ron Mandos – Amsterdam: Erwin Olaf, Mohau Modisakeng, Gilleam Trapenberg, Sander Coers & Kwadwo Amfo. (images 12-13)
La Galerie Ron Mandos est ravie de participer à l’édition 2022 de l’Unseen Photo Fair Amsterdam. La présentation de cette année comprend une sélection d’œuvres d’Erwin Olaf, Mohau Modisakeng, Gilleam Trapenberg, Sander Coers et Kwadwo Amfo.
Gilleam Trapenberg
Né en 1991 à Willemstad, Curaçao (Antilles) ; vit et travaille à Amsterdam, Pays-Bas.
Gilleam Trapenberg (1991, Willemstad, Curaçao) a déménagé aux Pays-Bas à l’âge de dix-neuf ans et a obtenu son diplôme de l’Académie royale des arts de La Haye en 2017. Il a participé à de multiples expositions collectives, comme In The Presence of Absence au Stedelijk Museum Amsterdam (2020). En 2017, il a publié son premier livre de photos Big Papi et en 2018, il a fait partie des nominés pour le prix Foam Paul Huf. Il est le quatrième bénéficiaire de la bourse Florentine Riem Vis (2020). Sa première exposition solo à Foam, Amsterdam, a ouvert ses portes en 2021.
À travers son travail, Trapenberg réfléchit aux contradictions qui font partie du paysage social de Curaçao, où l’idée d’un paradis utopique est diamétralement opposée aux réalités du post-colonialisme et du tourisme. Il explore les stéréotypes et les tropes qui se sont manifestés à travers la culture sociale et les médias occidentaux.
Erwin Olav
Erwin Olaf est né en 1959 à Hilversum, aux Pays-Bas. Il vit et travaille à Amsterdam, aux Pays-Bas.
Erwin Olaf est un artiste exposant à l’échelle internationale dont la pratique diversifiée est centrée sur les individus marginalisés de la société, notamment les personnes de couleur et la communauté LGBTQ+. En 2019, Olaf est devenu chevalier de l’ordre du Lion des Pays-Bas après que 500 œuvres de son œuvre ont été ajoutées à la collection du Rijksmuseum. Taco Dibbits, directeur du Rijksmuseum, a qualifié Olaf de « l’un des photographes les plus importants du dernier quart du XXe siècle ».
En 2018, Olaf a achevé un triptyque de tableaux photographiques et filmiques monumentaux dépeignant des périodes de changement sismique dans les grandes villes du monde, et les citoyens embrassés et altérés par leur progrès urbain. Comme une grande partie de son travail, il est contextualisé par des relations raciales complexes, la dévastation des divisions économiques et les complications de la sexualité. Olaf a maintenu une approche militante de l’égalité tout au long de ses 40 ans de carrière, après avoir commencé à documenter la libération gay avant le SIDA dans la vie nocturne d’Amsterdam dans les années 1980.
Une approche audacieuse et parfois controversée a valu à l’artiste un certain nombre de collaborations prestigieuses, de Vogue & Louis Vuitton au Stedelijk Museum Amsterdam. Il a été le portraitiste officiel de la famille royale néerlandaise en 2017 et a conçu la face nationale des pièces en euros pour le roi Willem-Alexander en 2013. Il a reçu le prestigieux prix Johannes Vermeer des Pays-Bas, ainsi que le titre de photographe de l’année aux International Color Awards, et celui d’artiste néerlandais de l’année du magazine Kunstbeeld.
Mohau Modisakeng
Mohau Modisakeng (Afrique du Sud, 1986) présente des photographies de Madimatle, une nouvelle série d’œuvres qui sera présentée dans le cadre de son exposition personnelle à la Galerie Ron Mandos, qui ouvrira le 31 septembre. Les photographies font référence à une montagne sacrée située dans une région historique d’Afrique du Sud qui, depuis des siècles, est le lieu de pèlerinages et de rituels spirituels traditionnels. Au cours des cinq dernières années, la montagne est devenue le théâtre d’une bataille juridique entre la communauté qui utilise la montagne et son réseau de grottes pour des raisons spirituelles sacrées et la société minière étrangère qui a obtenu les droits d’exploitation du sommet de cette montagne sacrée.
Sander Coers
Sander Coers (NL, 1997) est un artiste basé à Rotterdam qui travaille avec la photographie. Recréant et réorganisant des souvenirs, il réfléchit à ses propres histoires ainsi qu’à celles de ses amis et de ses pairs, souvent d’autres jeunes hommes. À travers un regard tendre, il cherche à visualiser et à établir de nouvelles perceptions de la masculinité dans des univers mélancoliques, romantiques et oniriques, comprenant des éléments issus des échos nostalgiques de sa jeunesse. La série Blue Mood (Al Mar), dont nous présenterons des œuvres à Unseen, est le portrait tendre d’une génération. Dans cette exploration et célébration de l’adolescence, Coers revisite, recrée et réarrange les souvenirs collectés de ses amis, de ses contemporains et de lui-même dans un monde coloré, chaleureux et onirique, un paysage hallucinant basé sur leurs histoires sur la vulnérabilité de la croissance, la transformation vers l’âge adulte, la fragilité de la jeune masculinité et la recherche de l’amour et de l’acceptation de soi.
Kwadwo Amfo
Pour Kwadwo Amfo (GH, 1990), le commentaire social est devenu la base de son travail au fil des années, allant des normes de beauté de la société aux politiques d’identité, en passant par l’inclusion sociale et la conformité, et les sujets sur le soi et l’autre. Amfo a élargi son champ d’action à des œuvres qui traitent des représentations erronées, des stéréotypes et des luttes des personnes de couleur. La décision d’Amfo de représenter presque exclusivement des personnages noirs, des individus d’origine africaine, reflète son désir, né de ses propres expériences, de mettre en avant les représentations inadéquates et troublantes des personnes noires dans les médias d’aujourd’hui, ainsi qu’à travers l’histoire. Sa série SILHOUETTE étudie et montre les représentations erronées des hommes noirs qui ont imprégné notre conscience publique. Des affirmations décontextualisées, illustrant ce que c’est que d’habiter des espaces dominés par les Blancs – des déclarations nuancées sur le simple fait d’être.
RON MANDOS
1016HJ Amsterdam The Netherlands
+31 20 3207036
[email protected]
www.ronmandos.nl
