Unseen met au défi les participants d’apporter des travaux récents, de nouveaux développements en photographie – d’où son nom. Son histoire a été mouvementée ces derniers temps : 2020 a été une année particulière pour Unseen, et pas seulement à cause du Corona. En janvier 2020, les principales entreprises à l’origine de l’initiative ont été déclarées en faillite, et un mois plus tard, un nouveau groupe préparait sa relance. La nouvelle direction a conclu une association avec Foam, qui est devenu un partenaire de contenu. En juillet, tout était encore rose, mais peu après, l’édition 2020 était annulée. Cette année, Unseen est pris en sandwich entre Photo London (jusqu’au 12 septembre) et Photo Basel (24-26 septembre). Pour de nombreuses galeries, c’était un choix difficile, et peut-être qu’une consultation et des accords entre ces acteurs majeurs seraient une bonne solution pour toutes les parties, notamment pour la photographie et pour le public.
Aujourd’hui, le passé semble être un lointain souvenir, et avec un nouveau directeur et de nouvelles idées, avec une nouvelle offre de grande qualité : plus de 60 galeries inscrites, une superficie totale de plus de 2500 mètres carrés, et l’espoir d’accueillir un public de qualité composé de collectionneurs et de conservateurs. Pas moins de 25 000 visiteurs pourront découvrir le site unique de Westergas (1).
Roderick van der Lee devient le nouveau directeur d’un Unseen renforcé (2)
Roderick van der Lee est l’un des fondateurs d’Unseen. Il revient aujourd’hui en tant que directeur pour la neuvième édition, qui se déroulera du vendredi 17 au dimanche 19 septembre 2021 à Westergas. » Après avoir dirigé des projets internationaux de photographie depuis Paris et Londres ces dernières années, la valeur ajoutée d’Unseen m’est apparue encore plus clairement : la foire est un leader mondial dans la découverte et la collection de photographies innovantes. En tant qu’initiateur et cofondateur d’Unseen, je suis ravi d’être de retour et de travailler avec l’équipe solide d’Art Rotterdam et de la GalleryViewer. Je me réjouis également de travailler avec Foam en tant que partenaire de contenu, offrant une plateforme aux jeunes talents de la photographie et aux galeries qui les représentent. En ce qui me concerne, il s’agit de la combinaison idéale pour faire d’Unseen une puissance créatrice couronnée de succès. »
Vision de l’avenir
En gardant à l’esprit les récents développements, le nouveau directeur souligne l’importance des galeries et des normes de qualité élevées : « La foire redeviendra le centre d’intérêt principal et les galeries participantes occuperont le devant de la scène. Ce qui restera, grâce notamment à un nouveau comité de sélection fort, c’est le haut niveau et le caractère international des présentations. En termes de visiteurs, nous visons une présence plus significative de collectionneurs et de conservateurs internationaux. »
Deux nouvelles sections
Je suis particulièrement impatient de découvrir deux nouvelles sections : Past/Present et Unbound.
Elles s’intéressent à l’origine ainsi qu’à l’horizon de la photographie, elles soulignent également le caractère fortement curatif de la foire et l’engagement des galeries participantes.
Dans Past/Present (3 & 4), Unseen s’intéressera, pour la première fois de son existence, à la photographie vintage d’avant l’an 2000. Grâce à des présentations bien orchestrées, un dialogue thématique clair entre le travail vintage et le travail des photographes contemporains émergera. Par exemple, la célèbre galerie allemande Julian Sander présentera des œuvres historiques de l’une des séries les plus importantes de l’histoire de la photographie, « People from the 20th Century » d’August Sander, accompagnées d’une version contemporaine des photographies de l’artiste new-yorkais Michael Somoroff.
Avec Unbound (5), une section dans laquelle des projets autonomes explorent les limites de la photographie à une échelle monumentale. Dans la Transformatorhuis de 700 mètres carrés, les artistes disposeront de l’espace nécessaire pour transcender la photographie bidimensionnelle traditionnelle. Ils le feront sur la base d’installations qui touchent à l’art de l’installation, l’art vidéo, l’art numérique, la sculpture et d’autres formes d’art.
BINOME (Paris)
A la recherche de nouvelles formes et perspectives dans la photographie, la Galerie Binome réunit quatre artistes dont le travail inverse le cours du temps dans la photographie, en proposant une vision du futur, comme une archéologie du futur.
Thibault Brunet (1982) (6-9)
La série Boîte noire, 2019 est née d’un étrange sentiment d’être voyeur et contempteur d’une excitation menée loin des considérations éthiques au profit d’une esthétique algorithmique.
» Les vues réalisées à partir de vidéos YouTube triées pour ne retenir que celles du média, traduites en jpeg, puis modélisées en 3D disposent les ruines de la guerre à Alep et Damas sous la forme d’une membrane presque organique et fermée sur elle-même. A mi-chemin entre la restitution muséographique et le jeu vidéo, ces maquettes semblent à la fois déréalisées et para-dimensionnellement réincorporées. »
La série Skin 2020 forme une œuvre contiguë avec les pièces de la série Boîte noire (2019) et les complète. Dans le langage numérique, la » peau » est comprise comme les éléments matriciels qui composent une forme numérique tridimensionnelle. Par un processus de dépliage, Thibault Brunet dispose les textures des bâtiments, qui sont étalées comme les briques détachées d’une boîte Lego avant la construction du modèle.
Guénaëlle de Carbonnières (1986) (10-13)
Submergées, 2020-21 & Captures fossiles, 2020-21 Les aquariophiles ont le choix entre de nombreuses reproductions de ruines, évoquant les monuments de l’Acropole ou le temple d’Angkor, pour transformer l’aquarium en une fantasmagorie. C’est la proposition esthétique de Guénaëlle de Carbonnières dans sa série intitulée Les Submergées. L’artiste a pris des photographies publicitaires de produits vendus en animalerie et les a soumises à une opération photographique : placées au contact d’un support analogique photosensible, elles donnent lieu à des tirages où les ruines apparaissent en négatif, jouant de tous les effets chimiques de l’émulsion, faite de lueurs et de coulures qui transforment ces modestes objets en incunables imaginaires de civilisations disparues. Dans un second temps, les négatifs utilisés pour réaliser les Submergées sont inclus dans des blocs de résine pour devenir, dans cette nouvelle opération d' »enregistrement », des Captures Fossiles.
Marc Lathuilliere (1970) (14-17)
Fractal Spaces, 2013-18 est une Interrogation sur notre relation à l’ère industrielle et à sa représentation. Il s’agit d’un corpus de photographies de paysages périurbains cachés derrière la végétation. Les images ont été prises dans la vallée du Rhône, la région la plus industrialisée de France. Photographiés pendant la période de bourgeonnement, entre l’hiver et le printemps, les paysages représentés miment, pour les détourner, les codes établis de la photographie territoriale : usines, zones industrielles, HLM… sont représentés à distance, sous un ciel pâle et sans figures humaines. Ces stéréotypes de l’imagerie contemporaine sont mis à mal par deux formes de masquage. La première, l’entrelacement de branches devant le fond bâti, renverse la perspective : ce n’est pas, comme c’est habituellement le cas dans la photographie topographique, la nature qui est ici altérée, mais plutôt la nature qui guette les espaces industriels menacés. Il s’agit de placer le point de vue du côté du non-humain, végétal ou animal. Celui-ci interroge le processus actuel de désindustrialisation, généré notamment par une économie en réseau dans laquelle notre rapport au monde s’étend en arborescences fractales.
Le second masquage se fait par la technique utilisée : un tirage transparent monté sur un miroir. Le reflet de la végétation et de l’architecture dans la brillance, sur des plans successifs, suggère une lecture plus spéculaire que documentaire.
Lisa Sartorio (1970) (18-21)
Ici ou ailleurs, 2018-20 « Ce matin encore, des images de guerre ont envahi mon quotidien. Des images de l’histoire qui s’insèrent insidieusement dans la mienne. Des images de plus en plus violentes, de plus en plus barbares, pour réussir à s’extraire de la masse et devenir visibles. Ces images censées nous informer sont si nombreuses, les mêmes multipliées pour illustrer les articles de presse, qu’elles en deviennent éphémères. … La guerre est réelle, mais sa réalité me fait défaut car je ne l’ai pas vécue. Je ne suis que le témoin passif de ces atrocités sans cesse répétées. » Partant du constat critique à l’égard des images désincarnées lissées par la diffusion médiatique, Lisa Sartorio se saisit de photographies de villes ravagées par les bombardements, qu’elle imprime sur du papier kozo Awagami. Elle vient ensuite travailler manuellement la surface de ce papier épais à la texture extrêmement fibreuse, et procède à divers traitements de l’ordre du gommage, du pliage ou de l’effritement. En détériorant ces photographies de lieux, dont elle ne garde que le nom du conflit comme identification, elle amène le spectateur à l’épiderme de l’image, comme une surface pelée, fragile et réactive.
BRADWOLFF & PARTNERS (Amsterdam)
John Hilliard (1945) (22-24)
John Hilliard a commencé par être sculpteur. Ses premiers travaux consistaient à créer et à analyser des images, une attitude que l’on retrouve encore dans son travail photographique. Hilliard aborde son environnement en tant qu’observateur, mais aussi en tant que participant. Pionnier de l’art conceptuel en Grande-Bretagne, il a innové dans le domaine de la photographie en juxtaposant les possibilités de l’appareil photo – en tant que dispositif de représentation de la réalité – à son statut dans le contexte des arts visuels. Sa photographie est rigoureuse et systématique, et met l’accent sur la qualité intellectuelle de l’image, limitant l’attrait esthétique des sujets physiques représentés.
Il a étudié au Lancaster College of Art (1962-64) et à la St. Martin’s School of Art (1964- 67). Sa première exposition personnelle a eu lieu au Camden Arts Center en 1969. Il a participé à de nombreuses expositions et son travail a été inclus dans l’exposition collective » Conceptual Art in Britain 1964 – 1979 » à la Tate Britain, 2016. Son travail a également fait partie de nombreuses expositions collectives prestigieuses dans le monde entier, notamment : ‘The Family of the Invisibles’, Seoul Museum of Art, Corée du Sud (2016) ; ‘Qu’Est-Ce Que La Photographie ?’, Centre Georges Pompidou, Paris, France (2015) ; et au Royaume-Uni : Exciting As We Can Make It « , Ikon Gallery, Birmingham (2014) ; » … Hilliard est professeur émérite à la Slade School of Fine Art, University College, Londres « .
Katrin Korfmann (1971) (25-28)
Katrin Korfmann observe son environnement et dans ses images dépliées, elle crée de nouvelles perspectives, révélant des aspects jusqu’alors cachés du monde que nous pensions connaître. Elle réalise des collages d’images prises à des moments consécutifs, qui sont assemblées de manière picturale. Elle observe le monde d’un point de vue analytique, en portant un regard critique sur la façon dont les gens se comportent et se déplacent dans leur environnement.
Elle a effectué des résidences à la Rijksakademie d’Amsterdam (2000), à la Cittadellarte de Biella, en Italie (2001) et au Chinese European Art Center de Xiamen (2014), en Chine. Depuis la fin des années 1990, son travail a été exposé à l’échelle internationale dans des musées, des institutions artistiques et des espaces publics. Son travail est représenté dans des collections aux États-Unis : C21, Bill et Christy Gautreaux, Fidelity, Twitter ; en Allemagne : Fondation Würth, Alison & Peter W. Klein, Office européen des brevets, Fondation Robert Bosch ; aux Pays-Bas : Drake Collection, AMC Art Collection, AkzoNobel Art Collection, …
DUDOK DE GROOT (Amsterdam)
Pour Unseen 2021, la galerie dudokdegroot présente trois artistes : Daan Paans, Paul Bogaers et Lex ter Braak. Les artistes partagent leur intérêt pour les dimensions du temps, de la nature, de l’histoire, du changement, des artefacts et de la recherche de matériaux et de techniques. Tous trois travaillent avec la photographie et le concept de photographie – comme point de départ et comme moyen final.
Lex ter Braak (1950) (29-32)
L’Alphabet de l’ordre perdu est une série d’œuvres (photographie, peinture, dessins) dans lesquelles il examine les alphabets et les grammaires de la variabilité, dans un effort pour appliquer le pánta rhei héraclitéen – le mouvement de transformation constant – rien ne reste pareil .
Pour Unseen, la galerie sélectionne une nouvelle série de polaroïds, que Lex ter Braak produit pour The Alphabet of Lost Order. Pour Ter Braak, le polaroïd fait davantage référence à une représentation peinte de la réalité, plutôt qu’à une représentation graphique comme le font les autres formes de photographie.
Daan Paans (1985) (33-36)
Paans : « Les dimensions du temps jouent un rôle important dans mes projets. Dans cette optique, un thème clé de mon travail inclut le désir d’acquérir une compréhension, au sens large, de la variabilité transhistorique de la création d’images. » Le travail de Paans combine la photographie avec un appareil technique, la vidéo et la recherche historique.
Son travail commence par une approche documentaire. Au moyen d’une recherche artistique, les projets aboutissent généralement à une série d’œuvres utilisant divers médias, et mettent l’accent sur la photographie. Avec The Killing of the Tree Spirit, Paans tente de prédire la forme future des expressions culturelles.
Le meurtre de l’esprit de l’arbre
La rupture entre la culture humaine et la nature apparaît comme un symptôme clair de notre société contemporaine. L’équilibre a été rompu et les gens pensent qu’ils déterminent ce à quoi le monde et la nature ressembleront à l’ère de l’Anthropocène. Dans The killing of the tree spirit (Le meurtre de l’esprit de l’arbre), Paans examine la manière dont l’homme moderne entretient des relations imperceptibles avec ses lointains ancêtres animistes. Comment vénérons-nous, mythifions-nous et dépeignons-nous la nature, et comment recherchons-nous discrètement le surnaturel dans le naturel ? Paans explore cette question à l’aide de travaux photographiques, de sculptures et de rendus 3d et trace des lignes entre le passé et le présent, afin de rétablir le lien entre l’homme et la nature de manière poétique. Il expérimentera des méthodes de recherche à partir de l’évolution biologique et d’un superordinateur, Paans prédit la forme future des expressions culturelles sur un thème particulier : le chêne. Pour la galerie Unseen, Dudok De Groot présentera les premières photos de la série.
Paul Bogaers (1961) (37-40)
Dans les œuvres de Paul Bogaers (Tilburg NL), l’association et la suggestion jouent un rôle important. Son approche générale peut être décrite comme la méthode du collage ; bien que son travail, au fil des ans, ait pris de nombreuses tournures, l’association est toujours restée le thème central de Bogaers.
Au début de sa carrière, il s’est fait connaître dans le domaine de la photographie comme l’un des précurseurs de l’intérêt actuel des photographes pour la « photographie vernaculaire » et l’intégration d’images trouvées dans leur travail. Comme point de départ, il prenait une image ou un objet dans l’une de ses nombreuses collections, composées de clichés trouvés, de cartes postales et d’autres images préexistantes, ainsi que ses photographies . En plaçant différentes images les unes à côté des autres, en les tournant parfois d’un quart ou complètement à l’envers ou en les encadrant de manière particulière, il invitait le spectateur à percevoir de nouveaux liens et significations surprenants.
Progressivement, il a commencé à combiner des images avec des objets tridimensionnels, par exemple dans sa série The Forest (2015-2018), dans laquelle il a utilisé des photos en noir et blanc trouvées de personnes posant dans des arbres, prolongeant ces images avec des branches d’arbres modelées et réelles. Ses œuvres les plus récentes s’étendent complètement dans le domaine sculptural. Bogaers prolonge ses photos avec du papier mâché, du carton, du métal, des fibres et toutes sortes d’objets trouvés. Dans certains cas, il abandonne complètement l’image photographique, et il ne reste que des sculptures pures. Les œuvres de Bogaers se transforment de plus en plus en assemblages et en installations, mais elles naissent toujours de la même vieille fascination, la méthode du collage, qui rassemble des éléments de différents mondes en une nouvelle image qui n’a jamais été vue auparavant.
