VisionQuesT 4rosso Gênes Italie : Marco Craig & Francesca Galliani
Marco Craig (Italy) 1970 ANTHROPOCENE FOSSILS (images 1-3)
ANTHROPOCENE FOSSILS est un travail de recherche sur des objets iconiques liés à l’univers du luxe qui ont été transformés en fossiles à travers une vision très personnelle. Un témoignage pour la postérité qui raconte avec une grande élégance, comment l’homme est radicalement responsable des changements climatiques et des conditions de vie de notre planète. Un témoignage pour la postérité qui raconte avec beaucoup d’élégance à quel point l’homme est radicalement responsable des changements climatiques et des conditions de vie de notre planète. Anthropocène : le terme utilisé pour définir l’ère géologique actuelle, dans laquelle l’homme a réussi – avec des changements territoriaux, structurels et climatiques – à avoir un impact sur les processus géologiques. Lorsque nous parlons de « fossiles », ou même simplement lorsque nous prononçons le mot « fossile », dans 87 % des cas, le cerveau traite une image qui fait référence à une forme imprimée dans le silex, généralement une plante ou un animal. Les dépôts de sédiments restent préservés pendant des siècles dans les couches de l’écorce terrestre. À leur insu, les âges se succèdent. Et aujourd’hui ? Il existe aujourd’hui d’autres phénomènes qui marquent le temps tel que nous le connaissons. Moins naturels, ces phénomènes n’en sont pas moins impactant. La mode est l’un d’entre eux. Si, dans un hypothétique futur lointain, un paléontologue partait à la recherche de fossiles, que trouverait-il ? Pour apporter une réponse plausible, il faudrait cristalliser l’idée du passage du temps. En nous montrant des fossiles contemporains qui ne seront plus contemporains – à partir d’un avenir pas si lointain. Car l’idée même de « fossile » est en soi changeante. Ce qui a été coïncide avec ce qui sera.
Francesca Galliani (Italy) 1962 INCROLLABILE (UNWEAVERING) (images 4-6)
Après presque vingt ans, ces photographies uniques ont émergé des archives de Francesca Galliani (photographies que Francesca a tirées en analogique et au sélénium et qu’elle a elle-même teintées en sépia) ; la tension inchangée donnée par la combinaison des visages et des corps, – seulement apparemment sans ambiguïté dans le genre – est exprimée par l’entrelacement de la séduction, de la tendresse, de l’introspection, du découragement, du défi et du triomphe, sur un sujet à une époque où il n’était pas facile, confortable ou en quelque sorte « ouvert » comme il l’est aujourd’hui.
Dans la représentation des personnes, comme dans toute son œuvre, les portraits de Galliani expriment un désir d’émotions et une tentative de capturer ce qui est le plus éphémère : le processus de devenir. Dans cette perspective, l’artiste et ses sujets évoluent ensemble. La nature transitoire du lieu sert de toile de fond à la métamorphose plus psychologique et difficile de l’identité personnelle. Souvent magnifique au regard de la beauté conventionnelle, chaque portrait possède une puissance formelle obtenue grâce à la pose, à l’éclairage et à l’expérimentation magistrale de l’artiste avec le processus d’impression photographique. « Mais les mots ou les images qui flottent dans les portraits, comme les accessoires chargés de sens d’une scène domestique de Vermeer, font parfois allusion aux aspects les plus tragiques de l’expérience de la vie : « stop à la misère », « poubelle », « riposte », destruction de l’oppression gay « *.
VisionQuesT 4rosso
16123 Genova Italy
www.visionquest.it
Window Fourteen Gallery Genève, Suisse Laurent Goumarre, Lara Micheli, Ara Ko, Crisitan Bravo
Laurent Goumarre (France) 1963 (images 7-8)
Le parcours photographique de Laurent Goumarre est avant tout une expérience littéraire – Hervé Guibert, Duane Michals, Ettore Sottsass, Sophie Calle… qu’il poursuit depuis 1998, date de sa première exposition à la Galerie Alain Gutharc à Paris. Pour Unseen, il présente « Chambres étroites ». La photographie, c’est aussi une histoire de livres, une photo sur une page, c’est comme ça que je l’ai vue au début, les romans d’Hervé Guibert, ses articles dans Le Monde, et puis ses albums de photographies. Guibert est un photographe d’intérieurs, de petits arrangements domestiques : son bureau à la Villa Médicis à Rome, l’appartement parisien de sa tante, sa chambre au couvent de Santa Caterina sur l’île d’Elbe, dont je connaissais tout : le lit, la fenêtre, la lumière, autant d’éléments qui sont devenus pour moi, au fil des ans, des fétiches en noir et blanc. J’y suis allé pour cela, pour documenter la « chambre étroite » d’un écrivain photographe, enterré à quelques mètres de là, dans le cimetière de Rio nell Elba. Je savais que je ne verrais rien de Guibert, que la chambre avait connu d’autres passages, que je ne ferais pas du noir et blanc, mais que cela y ressemblerait. Je n’ai pas pris mon appareil photo, juste le Polaroïd, pour ne rien contrôler, ni le cadre, ni la lumière. C’était la photo seule qui montrerait ce qu’elle avait vu, sans Guibert, et presque sans moi.
Lara Micheli (Suisse) 1990 (images 9-11)
Lara Micheli a étudié l’histoire de l’art à Paris. Après avoir obtenu son diplôme, elle a commencé un stage au département Photographie de la maison de vente aux enchères française Artcurial tout en travaillant sur des projets photographiques personnels et sur commande. Elle a poursuivi son apprentissage en suivant le programme en ligne de l’International Center of Photography (New-York) de 2017 à 2021. Sa pratique photographique vise à enquêter sur la question de la transmission, et plus particulièrement sur le rôle des femmes dans la transmission du récit familial. L’amour et le désir sont également un thème principal dans son travail. Elle expose à l’international depuis 2019. Les séries présentées à UNSEEN sur lin sont le fruit d’un long cheminement pour trouver et maîtriser une nouvelle technique qui correspondrait aux sentiments que j’essayais d’exprimer. Ces œuvres sont un dialogue, tant par leur forme que par leur sujet, et un va-et-vient continu, entre le numérique et l’analogique, le mécanique et le manuel, la persistance et la disparition. Le processus est un mélange de techniques, mélangeant de l’encre photographique à un morceau de lin, préparé comme pour une peinture. Les pigments transférés restent prisonniers de la peinture. Le résultat est une impression à l’encre délicate mais non fragile, irrégulière et unique. Aucune vitre n’est nécessaire, le spectateur peut s’immerger complètement dans l’image, passant de très gros plans à des vues plus larges. Evoquant la transmission, notamment de femme à femme, thème que j’interroge depuis le début de ma pratique, cette sélection d’œuvres semble vivre individuellement et dans son ensemble.
Ara Ko, Corée du Sud (images 12-14)
Ara Ko erre constamment, examinant profondément les paysages qu’elle rencontre, où qu’elle soit, afin de sonder la profondeur de l’existence. Debout sur l’étendue tranquille d’une nature enneigée, dans une forêt où le vent bleu murmure, ou au bord des vagues qui se précipitent sur la terre en deuil, elle est témoin de la profonde tristesse que toute existence doit porter. Et elle les capture et les exprime de la plus belle manière possible, sans compromettre l’esthétique sublime du sujet que la photographie véhicule. Les images exposées avec Window Fourteen à Unseen font partie d’une œuvre intitulée « L’Étranger », une série d’autoportraits dans lesquels elle se représente, seule, dans des environnements naturels apparemment infinis. « Je me trouve inconnaissable, j’ai souvent l’impression d’être l’entité la plus inconnue au monde. Pour moi, le concept de soi est comparable au soleil de midi, qui semble proéminent mais devient de plus en plus énigmatique lorsqu’on l’examine de plus près. La véritable essence de soi-même reste insaisissable, un peu comme un éternel étranger, rappelant une étoile lointaine dans l’univers. En contemplant mon existence, je me considère comme un étranger qui se tient au seuil de la nature, cherchant à comprendre la raison de mon existence. Mes œuvres d’art explorent le fossé profond qui existe entre le « moi » actuel et le « moi » qui aspire à être Ultimement, mes photographies servent de reflets à l’enquête perpétuelle sur des questions telles que « que suis-je ? » et « que dois-je être ? »
Cristian Bravo (Espagne) 1993 (images 15-17)
Cristian Bravo (La Melancolia) est un artiste basé à Barcelone dont les photographies se situent entre la banalité et l’impossible. Le travail de Cris repousse les limites de la normalité grâce à des perspectives innovantes et non conventionnelles, nous offrant une nouvelle vision du monde dans lequel nous vivons tous. Il n’a jamais utilisé d’appareil photo comme outil de création jusqu’à l’âge de vingt ans et ce qui a commencé comme un simple acte de documentation de sa vie privée avec son téléphone portable est devenu une forme d’expression et d’acceptation de soi qui vit par elle-même. Il crée des images où l’humanité et l’abstraction cohabitent. Depuis plus de dix ans, Cristian Bravo parcourt le monde, créant un vaste corpus d’œuvres entre l’Europe et les États-Unis, qu’il continue de faire. « Certaines images ne deviennent intéressantes qu’après avoir été photographiées, parce qu’au moment de la prise de vue, les objets et les personnes photographiés ne sont pas très intéressants en eux-mêmes, il ne se passe rien d’extraordinaire, mais il faut leur donner une chance. Donner à la vie une chance d’être. Issu de la culture de la rue, où le skateboard joue un rôle important, Cris a travaillé avec des marques internationales.
Window Fourteen Gallery
1207 Genève, Suisse
www.windowfourteen.com
UNSEEN 2024: UNBOUND
Unbound est une fondation indépendante qui se consacre à l’exploration des limites de l’univers photographique à une échelle monumentale. Il s’agit du projet le plus ambitieux d’Unseen à ce jour.
Chaque année, une dizaine de projets à grande échelle, défiant les limites la où la photographie se mêle à l’art numérique, aux installations, à la performance, à la sculpture, à l’art paysager, à la réalité virtuelle et à l’art vidéo, sont sélectionnés et mis en scène dans une exposition sensorielle dans le hall Transformatorhuis de 700 m2 du patrimoine industriel de la foire, ainsi que dans le parc environnant.
Cette année, la plateforme a été confiée à
- Adam Magyar TOBE Gallery (Budapest)
- Atong Atem MARS Gallery (Melbourne)
- Jackie Mulder Janknegt Gallery (Laren)
- Joost Vandebrug Bildhalle Gallery (Amsterdam)
- Lynne Leegte Janknegt (Laren NH)
- Maciej Urbanek Urbanek (Londres)
- Quintus Glerum Josilda da Conceição (Amsterdam)
Nous avons le plaisir de vous présenter quelques-uns des projets :
JOOST VANDEBRUG INSTALLATION VIDÉO « MOMENT/TIME » À UNBOUND 2024 – BILDHALLE (image 18)
L’installation vidéo « Moment/Time » de Joost Vandebrug examine la fluidité du temps et la nature transitoire de l’existence. Inspirée par le concept d’Héraclite selon lequel « on ne peut jamais marcher deux fois dans la même rivière », l’œuvre comprend huit écrans de télévision positionnés verticalement, chacun affichant un paysage marin unique. Malgré leur individualité, les écrans sont alignés de manière à créer une ligne d’horizon continue qui s’étend à travers l’installation, suggérant la continuité subtile qui relie les moments dans le temps.
Cette disposition souligne les thèmes de l’impermanence et de la transformation, tant dans la nature que dans l’expérience humaine. En capturant l’infinie variabilité de la mer, l’installation reflète la nature multiforme du souvenir et de la mémoire – comment les moments peuvent être à la fois fidèles et altérés au fil du temps. L’œuvre de Vandebrug entrelace ces scènes éphémères en un flux unifié, illustrant le mouvement incessant et l’interconnexion du changement.
Chacun des huit écrans présente un fragment audio mono unique avec une hauteur, un tempo et un son distincts. Lorsqu’ils sont joués ensemble, ces fragments créent une composition spatiale, infinie et aléatoire – en constante évolution mais toujours similaire (partition de Jeroen de Pessemier).
Bildhalle Amsterdam
1071 HR Amsterdam
www.bildhalle.ch/
Bildhalle Zurich
8004 Zurich & 8003 Zurich (2 sites)
www.bildhalle.ch/
Galerie TOBE Budapest : Adam MAGYAR (image 19)
Magyar est également présent sur le stand de TOBE à la foire UNSEEN – jetez-y un coup d’œil pour plus d’informations
MATTER
Personne ne peut vraiment comprendre le temps. En tant qu’artiste, je me penche sur notre relation avec le passé, le futur et le présent, en contemplant la façon dont nous utilisons et parfois gaspillons le temps. J’ai toujours été fascinée par l’expérience subjective du temps, m’interrogeant sur le poids et la beauté des souvenirs, sur l’appréhension de l’incertitude imminente, sur le vide ressenti dans la solitude et sur les réflexions sur le crépuscule final, lorsque tout s’arrêtera. Par-dessus tout, j’admire les moments où le temps semble s’arrêter et où un sentiment d’unité imprègne l’existence.
Naviguer dans la forêt rigide des causes et des conséquences représente un beau défi dans la recherche d’un flux analogique. Dans ma série de vidéos et de photographies, MATTER, je revisite des lieux urbains en les capturant à partir de perspectives identiques. Dans les œuvres achevées, les jours et les moments se confondent, révélant le passage du temps et la nature éphémère de nos souvenirs, ainsi que notre insignifiance dans le grand schéma. Le temps devient tangible, un voyage visible où les frontières se dissolvent et où la permanence s’estompe.
Au milieu de cette dissolution visuelle, seuls les feux de circulation demeurent, inébranlables dans leur propre monde clairement lisible.
TOBE Gallery
1088 Budapest
www.tobegallery.hu
Maciej Urbanek : URBANEK Gallery (images 20-21)
L’œuvre intitulée SUN.FLOWER (tournesol) est basée sur des photographies d’installations avec des sacs poubelles. Urbanek crée ici une composition physique, qui est ensuite photographiée et imprimée à grande échelle.
L’idée de créer de la beauté avec des objets jetés ou des objets considérés comme ne valant pas la peine d’être regardés n’est pas nouvelle dans le monde de l’art. L’échelle et la beauté pure du résultat final rendent ce travail exceptionnel et distinctif.
URBANEK
SE21 8QR London
https://urbanekgallery.co.uk/
Quintus Glerum: Stuck in Infinity (Josilda da Conceição ) (images 22-23)
Au cours de sa vie, l’artiste des médias Quintus Glerum a tenté de mieux se comprendre en se reflétant à travers l’image des machines. Alors que nos outils sont créés pour un but précis, nous n’avons pas ce même luxe. Pourquoi agis-je de la manière dont j’agis ? Que signifie être humain et pourquoi me préoccupe-je de ces questions ? Se retrouvant pris dans un flot interminable de questions récurrentes autour du comportement humain, il a créé des situations hypothétiques qui à la fois déconstruisent et réfléchissent à sa propre perception de la réalité. Il en est venu à percevoir cela comme un acte d’évasion. Cela ne le surprend pas, étant donné son parcours dans le cinéma d’animation. Ce domaine, en particulier, est souvent utilisé par des personnes ressentant le besoin de fuir la réalité.
Cette nouvelle série réfléchit sur l’envie d’évasion en représentant la vie comme une simulation. Glerum utilise le protagoniste « Kiki » comme avatar de lui-même, servant de passerelle entre la réalité banale et la fantaisie des jeux vidéo. Dans ces nouvelles œuvres, le personnage est représenté comme s’il était coincé à l’intérieur des limites mêmes de l’écran qui rend la simulation possible. Pour amplifier le caractère « artificiel » de son monde, les écrans sont rendus transparents, intégrant ainsi l’intérieur de l’écran à la composition. Alors que l’écran représente une porte vers des possibilités virtuelles infinies, il redevient tactile à travers l’image du personnage piégé dans ses propres limites physiques.
Quintus Glerum
The Netherlands
www.quintusglerum.com
UNSEEN 2024 : Book Fair (image 24)
Chaque année, à côté d’UNSEEN, il y a un endroit très tentant qui regorge de livres : la foire aux livres… Plus de 70 exposants viennent vous proposer leurs livres neufs, anciens, rares, précaires.
A la fin de la journée, on voit les visiteurs se diriger lentement vers la sortie, chargés de leurs dernières acquisitions. L’année dernière, j’ai discuté avec l’un d’entre eux, ravi de ses trouvailles, dont il soulignait une fois de plus la rareté, mais se demandant en même temps où il allait ranger ses trésors – n’avait-il pas déjà ajouté une chambre à sa bibliothèque, et celle-ci n’était-elle pas à nouveau pleine ?
Que vous fassiez partie de ce groupe, de ceux qui ont vraiment besoin d’être tentés avant d’acheter ce seul livre, ou que vous alliez au salon du livre uniquement pour observer les stands, les exposants et les visiteurs, c’est une section d’UNSEEN qu’il vous faut absolument visiter…
Bien sûr, nous pourrions remplir huit autres contributions avec tout ce qui est proposé : vous pouvez vous adresser à de petits éditeurs comme Albumen avec une gamme restreinte mais soigneusement sélectionnée, ou à des éditeurs plus connus comme Hannibal ou Hopper & Fuchs. Voici un bref aperçu de quelques séances de dédicaces
Hannibal (image 25)
L’éditeur Hannibal se forge une réputation solide et incontournable en tant qu’éditeur de catalogues d’expositions sur le marché de l’art international, mais le livre photo continue également à jouer un rôle important. Nous attendons déjà avec impatience les séances de dédicace de Jeroen Hofman avec son livre Zeeland et de Stephan Vanfleteren avec sa dernière publication Atelier.
- Jeroen Hofman – Zeeland Signature : Vendredi 20/9 17h + Dimanche 22/9 14h
- Sanja Marusic – The Endless Coloured Ways Signature : Samedi 21/9 15h
- Stephan Vanfleteren – Atelier Signature : Samedi 21/9 16h
- Eddo Hartman – The Sacrifice Zone Dédicaces : Samedi 21/9 17h
- Arpaïs Dubois & Michael Wolf : Hong Kong Whispers – dédicace par Arpaïs Dubois : Dimanche 22/9 15h
Hopper + Fuchs (images 26-28)
Hopper + Fuchs propose une large gamme de livres d’art. Ce relativement nouveau venu sur le marché de l’art a réussi à se faire respecter en peu de temps grâce à de magnifiques livres d’art créés en dialogue avec l’artiste et adaptés au créateur. Ici je selectionne pour moi le dernier livre de Gasparotto, certainement aussi celui de Lefere et jetez également un œil à la publication de Waterschoot.
- Peter Waterschoot – Summer Blue VENDREDI 20.09, 13h00 – 16h00
- Lieven Lefere – ( Sehr Langsam ) VENDREDI 20 septembre, 14h00 – 17h00
- Clémentine Balcaen – THANK YOU BYE SAMEDI 21 septembre, 13h00 – 16h00
- Lara Gasparotto – Refuge SAMEDI 21.09, 14:00 – 17:00
- Yolanda Y. Liou – Thank You For Playing With Me SAMEDI 21.09, 16:00 – 19:00
- Gert Motmans – Un océan entre les vagues DIMANCHE, 14h00-16h00
Jap Sam Books image 29-30
- Michiel Kluiters (exposition solo à UNSEEN à la MPV Gallery) dédicacera son livre Doorways vendredi à 18h00.
