The Merchant House Amsterdam: Amanda Means (1945, NY) (images 1-3)
Amanda Means est célèbre pour ses tirages noir et blanc à la gélatine argentique d’une matérialité palpable. Les projections virtuoses de lumière que Means réalise sans appareil photo – en projetant physiquement de la lumière sur le papier de développement – donnent naissance à sa technique d’impression évocatrice et magistrale. Le résultat est une présentation lumineuse d’objets quotidiens, tels que des ampoules et des verres d’eau, dans un gros plan sériel inattendu. Boursière Guggenheim en 2017, récompensée pour sa contribution à la photographie contemporaine, le travail de Means fait partie de nombreuses collections de musées, dont le Whitney Museum, le San Francisco Museum of Modern Art, le Cleveland Museum of Art et le Los Angeles County Museum of Art, entre autres. Après avoir vécu 35 ans à New York, elle s’est installée à Beacon (NY) en 2007.
The Merchant House
1016 BV Amsterdam
www.merchanthouse.nl
THIS IS NO FANTASY Melbourne, Victoria, Australie : Ellen Dahl (Norvège/ Australie) (images 4-6)
La pratique artistique d’Ellen Dahl est largement ancrée dans le travail avec ou autour du paysage. Le concept de l’implication intrinsèque de la photographie dans la façon dont nous voyons et ressentons le monde qui nous entoure est à la base de ses projets. Elle explore continuellement le champ élargi du médium photographique et son potentiel à engager de nouvelles manières critiques, poétiques et esthétiques d’assembler le sens écologique et l’imagination géologique. Elle s’intéresse également à la relation du médium avec le temps et explore souvent ce travail à travers la photographie, la vidéo et l’image fixe, le son et l’installation.
Dahl est constamment attirée par le concept de l’île et des lieux du bout du monde, retournant souvent aux périphéries nord/sud de la Norvège septentrionale et de la Tasmanie. Cherchant à capturer le sentiment accru de liminalité et de limite souvent ressenti sur ces sites, son travail est conceptuellement sous-tendu par la trépidation autour de la condition anthropogénique et l’ambiguïté conséquente des échelles de temps humaines et géologiques qui se chevauchent.
THIS IS NO FANTASY
Melbourne, Victoria, Australia
www.thisisnofantasy.com
THK Gallery Cape Town: Barry Salzman, Nicola Brandt, Trevor Stuurman
Barry Salzman (Zimbabwe/US/ South Africa) 1963 (images 7-9)
Barry Salzman est né au Zimbabwe et a été scolarisé en Afrique du Sud. Il a émigré aux États-Unis à l’âge de 21 ans. Après une première carrière commerciale, il a commencé à travailler comme artiste à plein temps. Son intérêt pour la photographie est né lorsque, adolescent, il a été amené à documenter les zones de ségrégation raciale sous l’apartheid, afin de comprendre l’inégalité raciale qui l’entourait. Aujourd’hui, son travail continue d’explorer des questions sociales, politiques et économiques difficiles, notamment la fatigue universelle croissante autour du récit de l’Holocauste, l’effritement du rêve américain et le comportement complice de la société dans la récurrence des génocides modernes.
Depuis 2014, Salzman travaille sur des projets qui traitent du traumatisme et de la mémoire, souvent liés à la récurrence du génocide. Il s’intéresse particulièrement à notre rôle de témoin public – « ce que nous voyons quand nous regardons ». Son travail dépeint souvent des paysages abstraits, réalisés sur des sites de génocide, qu’il représente de manière littérale et métaphorique pour réfléchir au traumatisme et à la guérison. Bien que les images soient prises dans des lieux précis où des actes de génocide ont été perpétrés, son utilisation des outils visuels de l’abstraction nous rappelle que « cet endroit » peut être « n’importe quel endroit ».
Nicola Brandt (Namibia/Germany/ South Africa) 1983 (images 10-12)
Nicola Brandt est une artiste pluridisciplinaire connue pour ses photographies à grande échelle, ses œuvres vidéo et ses installations qui abordent les thèmes du pouvoir, de la mémoire, du désir et de la position. Faisant partie d’une génération émergente d’artistes dans son pays natal, Brandt s’est fait connaître par son approche nouvelle et critique du lieu et du paysage et par son examen décolonial de l’histoire coloniale allemande et du travail commémoratif. Son travail met en avant l’idée que le lieu et l’identité se constituent mutuellement et sont influencés par des facteurs environnementaux, sociaux et politiques. Elle s’intéresse à la manière dont ces expériences et ces effets peuvent être communiqués par le biais de pratiques documentaires et de performances élargies.
Mettant en œuvre l’idée que l’art peut faciliter le dialogue interculturel et le changement social, son travail a été présenté dans le cadre de discussions intergouvernementales entre la Namibie et l’Allemagne en 2015 et a été exposé au Congrès Nama et Herero à Hambourg, en Allemagne, en 2018.
Trevor Stuurman (South Africa) 1992 (images 13-15)
Trevor Stuurman est un artiste visuel multimédia contemporain qui voit le monde à travers son objectif créatif et trouve la beauté dans ce qui lui rappelle sa maison – un endroit imprégné de couleurs, d’amour et d’appartenance qui reflète l’Afrique. Explorateur chevronné, il cite les voyages comme sa principale source d’inspiration. « Plus je quitte mon pays, plus je me rends compte du pouvoir et de l’importance de mon pays. Je pense que cela fait de moi un meilleur conteur, car je suis capable de trouver des éléments de mon chez-moi partout où je vais et de créer des produits tangibles ». Ce sentiment d’appartenance l’a incité à organiser sa première exposition personnelle intitulée « Home », une lettre d’amour aux femmes Himba de Namibie, qui a été présentée avec succès à la Hazard Gallery de Johannesburg
Il travaille avec des fondations humanitaires internationales, notamment les Nations unies, la Fondation Gates et la Fondation Auma Obama, qui documente l’ancien président américain Barack Obama. Décrit comme « une force culturelle » par l’émission African Voices de CNN, Trevor continue d’affiner son œil créatif et ses centres de beauté et de mode. Il n’est pas étonnant qu’il estime qu’« être africain est son superpouvoir ».
THK Gallery
Cape Town, 8001, South Africa
www.thkgallery.com
Urbanek Londres: Maciej Urbanek (Pologne/États-Unis/Royaume-Uni)1979 (images 16-18)
La pratique d’Urbanek analyse les fondements théoriques et philosophiques de la photographie. L’accent est mis sur la relation entre la photographie et la réalité. Les œuvres d’Urbanek présentées à Unseen 2024 visent à montrer la nature problématique et complexe de cette relation. Les quatre œuvres présentées à la foire vont d’une image photographique « directe » et non manipulée (Open Forms) à une construction photographique hautement trafiquée, multicouche et construite (Sun.Flower), en passant par des œuvres fusionnant des positifs et des négatifs photographiques (White Lies et Brotherly Love). Ces trois traitements distincts visent à ébranler la confiance dans la photographie et la croyance selon laquelle ce médium est capable de décrire fidèlement le monde dans lequel nous vivons. L’artiste prend le quotidien et le banal et les transforme en spectacle visuel – le feu, l’eau, la forêt, les sacs poubelles sont omniprésents et nous entourent tous les jours sans que nous les remarquions – l’artiste les présente comme ayant une qualité élémentaire, presque magique, et laisse le spectateur les percevoir comme des merveilles extraordinaires.
URBANEK
SE21 8QR London
https://urbanekgallery.co.uk/
VF Art Projects Spain & Luxembourg : Hugo Aveta, Dionisio Gonzales
Hugo Aveta (Argentine) 1965 (images 19-21)
Artiste argentin de renommée internationale. Il a d’abord étudié le cinéma et l’architecture, avant de se consacrer à la photographie. De nombreuses œuvres de cet artiste multimédia évoquent les souvenirs et les situations difficiles vécues par son pays. En utilisant la photographie et le cinéma, il aborde également les thèmes plus universels de la mémoire et de sa transmission. Aveta est également fasciné par la matière et les lignes de faille. Son travail évoque des forces en lutte, des incertitudes, des risques, des échecs, mais aussi des rêves et des espoirs fragiles et ébranlés, mais toujours debout. Ses expositions les plus récentes ont été « Invisible Gods » au Museo Inmigrantes de Buenos Aires, en Argentine ; « The fascination of the fault » au Kuzzam Palace en Arabie Saoudite, et « The fascination of the fault » au MACVAL, musée d’art contemporain de Paris, en France. Son travail a été exposé dans les institutions les plus reconnues.
Dionisio Gonzales (Espagne) 1965 (22-24)
Artiste visuel au prestige international reconnu, dont le travail explore, de manière ciblée, les problèmes de logement rencontrés par l’architecture vernaculaire et irrégulière, ainsi que les grandes utopies constructives de l’après-guerre, qui ont échoué. En bref, ces architectures exposées à l’effondrement et au flou. Son travail a été exposé dans les institutions et les musées les plus reconnus au monde
VF Art Projects
Spain & Luxembourg (2 locations)
www.vfprojects.com
