Lab 1930. Fotografia contemporanea Milano: Pietro Bologna , Alessandra Calò
Pietro Bologna (Italie) 1972 (images 1-3)
Cette série est née au cours de mes promenades quotidiennes – un rituel qui m’est nécessaire – dans une banlieue, comme il y en a beaucoup. Un champ abandonné qui accueille la spontanéité. Alors, une photo par jour pendant des années, sachant que je ramène chez moi quelque chose qui se manifestera plus tard. La prospérité des rayures qui génère sans cesse de nouvelles significations. Pouvoir s’arrêter. (Pietro Bologna)
Ces œuvres se caractérisent par un grand flou : seule la distance permet de lire pleinement l’image. Prises avec un iPhone 6 et sans post-production, elles ont été réalisées en zoomant fortement avant la prise de vue. Il a été possible de les imprimer en grand format (1 x 1 m) après avoir scanné l’image originale sur film.
« Pietro Bologna trouve ces événements picturaux souverains et autonomes dans le chaos objectif et matériel des apparences et les sort de leur contexte d’origine. En agrandissant les photographies sélectionnées, les choses représentées – souvent fragmentaires – prennent une vie étrange, enchantée et énigmatique qui leur est propre et les soustrait à la richesse illimitée des phénomènes matériels » (Lóránd Hegyi).
Alessandra Calò (Italy) 1977 : χθόνιος (chthonic), 2024 (images 4-6)
J’ai voulu appeler mon projet χθόνιος (« chthonique » en grec) parce que je suis partie des profondeurs de la terre et de l’obscurité pour raconter une histoire. L’histoire est ma vision personnelle d’une petite île méditerranéenne qui m’a accueilli et est le résultat d’heures de marche, d’observation et d’écoute de tous les éléments vivants qui composent l’île : la terre, la pierre, les gens. Dans cet ordre précis, j’ai essayé de construire (ou peut-être de recomposer) une série d’événements qui ont caractérisé et rendu ce lieu unique.
La série χθόνιος (chthonique) est le résultat d’un ancien procédé d’impression photographique datant du XIXe siècle : l’image latente imprimée sur le papier – grâce à l’utilisation du bromographe – est progressivement rendue visible par un traitement manuel à l’aide d’huiles grasses appliquées en plusieurs couches successives.
Alessandra Calò est artiste et photographe, elle expérimente depuis le début de sa carrière l’utilisation de nouveaux langages qui lui permettent d’approfondir les thèmes liés à la mémoire, à l’identité et au langage de la photographie elle-même.
La pratique dominante dans son travail est la récupération et la réinterprétation de matériaux d’archives : elle n’a pas l’intention de mettre en œuvre une évocation nostalgique du passé mais de proposer une nouvelle vision de la réalité.
Lab 1930. Fotografia contemporanea
20135 Milano
www.lab1930.com
MPV Gallery Oisterwijk The Netherlands: Michiel Kluiters (The Netherlands) 1971 (Images 7-9)
Michiel Kluiters réalise des œuvres photographiques monumentales dans lesquelles il joue avec le langage de l’architecture. Pour réaliser ses photographies, il fabrique des maquettes grossièrement construites qui servent de constellations pour capter la lumière. L’illusion spatiale se révèle lorsqu’il allume la lumière. C’est à ce moment-là que l’œuvre d’art est créée. Sans ce moment de contact avec la lumière, l’espace vide n’est rien d’autre qu’un objet mort.
« J’aime considérer mes œuvres photographiques comme des portraits de mon monde expérientiel. Un espace mis en scène qui entoure mon champ de vision, dans lequel je peux « résider ». J’aborde un espace vide comme s’il s’agissait d’un objet, et je suis fasciné par la manière dont je peux m’y déplacer et explorer l’espace visuellement. Je me suis fixé pour objectif de tracer ce vide, puis de déterminer l’intérêt de sa définition. Personnellement, je ressens le vide comme une plénitude ». – Michiel Kluiters –
La méthode de travail actuelle de Kluiters est assez irrationnelle. Il laisse les modèles grossièrement construits émerger sous ses mains sans plan préconçu et élaboré. Il laisse le matériau lui-même inspirer en partie ce qu’il crée, la manière dont il le manipule et ce qu’il voit à travers lui. En conséquence, l’image finale est stratifiée et a une signification plus profonde que la réalité ne l’indique. Il ne s’agit pas simplement d’un passage vers un autre espace, mais d’un accès à l’expérience personnelle du créateur. Les espaces rappellent des bâtiments utopiques inachevés ou des ruines abandonnées, encore en construction ou déjà en décomposition. Cette introduction d’un sens du temps – de quelque chose qui indique un achèvement futur ou d’un souvenir persistant de quelque chose d’irrévocablement passé – contribue à l’instabilité inhérente de ces œuvres.
Vendredi, Kluiters dédicacera son livre à 18 heures au stand de Jap Sam Books au Foire du Livre Foire du Livre
MPV Gallery
5061 HL Oisterwijk, The Netherlands
www.mpvgallery.com
Open Doors Gallery Londres: Javier Hirschfeld Moreno [Spain)1979 (Images 10-12)
L’artiste et commissaire Javier Hirschfeld Moreno vit actuellement à Londres. Il s’intéresse au rôle et à la responsabilité de la photographie dans la représentation du soi et des identités collectives.
La série Profile de Moreno explore l’intérêt de l’artiste pour l’histoire de l’art et le portrait, ainsi que sa fascination pour l’autoreprésentation. En utilisant des ‘cartes de visite’, les cartes à collectionner des années 1860, et une collection de captures d’écran recueillies sur des plateformes de rencontres contemporaines telles que Tinder et Grindr, Javier examine les thèmes de l’identité et de la visibilité, de la documentation et de l’archive, ainsi que du capitalisme émotionnel et de la surveillance. En découpant sa collection de cartes originales du XIXe siècle et en retirant les figures du passé, Javier crée une fenêtre. Puis, à l’aide d’images sélectionnées dans sa collection de captures d’écran numériques qu’il a capturées sur son téléphone, l’artiste prend le temps de réfléchir à la « correspondance » parfaite entre hier et aujourd’hui en disposant soigneusement les impressions derrière la fenêtre.
Cette idée simple et élégante ouvre un portail sur l’histoire de la photographie et crée en même temps un dialogue entre la société d’hier et celle d’aujourd’hui. Depuis les débuts de la modernité, avec toutes ses aspirations et ses angoisses, jusqu’aux préoccupations sociales actuelles autour de nos images.
Open Doors Gallery
WC2R 1LA London
http://www.opendoors.gallery
Shoobil Gallery Anvers : Faryda Moumouh (Belgique) 1978 (images 13-15)
Faryda Moumouh incarne une voix unique dans le paysage de la photographie contemporaine, en explorant avec finesse la complexité de la culture visuelle. Son travail va bien au-delà de la simple documentation, proposant une réflexion approfondie sur des thèmes tels que l’identité, l’histoire et la condition humaine. Avec des séries comme « “Une pierre se souvient-elle ?” et “La terre se souvient-elle ?”, Moumouh mène une véritable recherche artistique autour de ces thèmes essentiels. Elle entreprend une exploration visuelle et archéologique, examinant les liens profonds entre les lieux, les souvenirs et les traces laissées par la nature.
Son œuvre la plus récente, “Transcultural Layers”, cherche à démêler les multiples dimensions de la polarisation contemporaine ainsi que les effets des réseaux sociaux sur nos perceptions culturelles et identitaires. En fusionnant des sources diverses et en adoptant une approche complexe dans la construction de ses images, Moumouh tisse une véritable mosaïque visuelle qui reflète les nombreuses facettes de l’expérience humaine.
Par ailleurs, la série “At 10:21PM” (2024) raconte une histoire personnelle et profondément émotive, marquée par la confrontation à la mortalité et la redécouverte de la vie qui en découle. À 22h21 précisément, Moumouh a capturé cet instant éphémère où l’existence et la transcendance se croisent, un moment suspendu dans une contemplation intemporelle. À travers son objectif, elle nous entraîne dans un parcours poignant de résilience et de renouveau, saisissant la lutte pour retrouver la vie au cœur des ombres de la mort imminente. Chaque photographie, imprégnée de symbolisme et d’émotion, nous rappelle avec force la fragilité mais aussi la résilience de l’esprit humain.
Shoobil Gallery
2000 Antwerpen
www.shoobil.com
SmithDavidson Gallery Amsterdam: Marie Cecile Thijs, Janette Beckman, Terry O’Neill & Miroslav Tichy
Marie Cecile Thijs (Pays-Bas) 1964 (images 16-18)
Marie Cecile Thijs, inspirée par les maîtres anciens du XVIIe siècle, crée des photographies contemporaines mises en scène où les objets acquièrent une nouvelle personnalité. Ses séries, dont White Collar et Food Portraits, mêlent tranquillité, mouvement et humour. Le travail de Thijs figure dans des collections telles que le Rijksmuseum et dans des publications telles que Het Financieele Dagblad et Le Monde.
Janette Beckman (Royaume-Uni) 1959 (images 19-21)
Janette Beckman a commencé sa carrière à l’époque du punk rock et s’est ensuite installée à New York pour documenter la scène hip-hop underground. Son portfolio comprend des pionniers tels que Run DMC, Salt-n-Pepa et LL Cool J. Le travail de Beckman, actuellement exposé au musée de la photographie Foam, sera présenté à Unseen.
Terry O’Neill (Royaume-Uni) 1938-2019 (images 22-24)
Terry O’Neill, célèbre pour avoir capturé les icônes des Swinging Sixties, a fait la chronique des nouveaux visages du cinéma, de la mode et de la musique, y compris des légendes comme Frank Sinatra, Elvis, Diana Ross, Audrey Hepburn et Brigitte Bardot. Son œuvre offre un portrait complet de la célébrité, de Winston Churchill aux top-modèles modernes comme Naomi Campbell.
Miroslav Tichy (République tchèque) 1926-2011 (images 25-27)
Des années 1950 à 1986, Miroslav Tichý, un artiste tchèque, a secrètement photographié des femmes à l’aide d’appareils photo artisanaux. Son œuvre, considérée comme une rébellion contre un régime totalitaire, a été reconnue à titre posthume. Malgré son manque d’ambition pour la célébrité, l’art de Tichý a été préservé par un voisin et a ensuite été exposé au niveau international, inspirant de nombreux artistes.
SmithDavidson Gallery
1077 RM Amsterdam The Netherlands
http://www.smith-davidson.com
STIEGLITZ19 Anvers & Bruxelles: Kevin Osepa (Curaçao/ Pays Bas) 1994 (images 28-30)
Le travail de l’artiste Kevin Osepa (films, photographies, installations) tourne souvent autour de l’identité de la jeunesse afro-caribéenne dans un monde post-colonial. Les thèmes qu’il explore ont souvent une base autobiographique, mais se rattachent rapidement à des questions sociales essentielles concernant l’identité collective, le rôle du genre, la religion et la spiritualité.
Ses œuvres s’inspirent de ses propres expériences et de son enfance, mais aussi des rituels, du mysticisme et des histoires des anciennes générations des Antilles néerlandaises. Son point de départ est souvent une petite idée ou une histoire qu’il transforme en une expérience partagée, visant à la guérison collective et à une compréhension plus profonde de sa propre identité. Les œuvres qui en résultent sont donc intensément personnelles, mais explorent également des implications sociales plus larges. Visuellement étonnantes, elles se caractérisent par des compositions soignées et l’utilisation de symboles et de codes, ce qui permet à chacun d’interpréter son travail d’une manière et d’une profondeur différentes, en fonction de son point de vue et de son capital culturel.
En 2022, il a remporté le prestigieux prix du Veau d’or pour le film « La Ultima Ascension » et en 2023, Osepa a reçu le prix Charlotte Köhler et remporté le prix Amsterdam pour les arts.
STIEGLITZ19
Antwerp & Brussels (Belgium) (2 locations)
www.stieglitz19.be
