FOG Gallery Bratislava: Dita Pepe & Eliška Sky
Dita Pepe Czech 1973 (images 1-3)
Dans sa pratique artistique, Dita Pepe explore le vaste éventail de vies et d’identités possibles qu’elle aurait pu avoir dans des réalités parallèles. La notion de « et si… » l’amène à se pencher sur les expériences d’autres femmes. Leurs histoires et leurs identités visuelles servent à Pepe de filtres pour se concentrer sur ses propres sentiments. En revêtant des costumes, elle s’habille de leur peau visuelle et émotionnelle afin de réaliser une performance devant sa propre caméra. En errant dans un monde aux innombrables possibilités, elle cherche son propre espace, son propre chemin.
Eliška Sky (Eliška Kyselková) (Tchèque/Royaume-Uni) 1990 (images 4-6)
En regardant le travail d’Eliška Sky, on a l’impression que son caractère unique vient de sa capacité à voir les choses différemment du reste d’entre nous. Son sens aigu de la couleur, de la forme et de la théâtralité est extraordinaire. Elle laisse libre cours à son imagination en créant des angles inhabituels, des formes, des styles et des décors élaborés grâce à sa vision surréaliste. Eliška Sky redéfinit les normes du quotidien. Elle brise les stéréotypes et remet en question la vision du corps féminin en apportant de nouveaux points de vue sur la manière d’interpréter la féminité.
FOG Gallery
Bratislava
www.fogbratislava.sk
Galerie Caroline O’Breen Tanja Engelberts, Mounir Raji, Misha de Ridder
Misha de Ridder (Pays Bas) 1971 : (images 7-8)
Dans ses dernières œuvres, issues de photographies de graffitis effacés, Misha de Ridder joue avec les notions de destruction, de génération et de transformation.
Nous vivons à une époque fortement influencée par les représentations médiatiques, les simulations et les expériences numériques. « Substituer les signes du réel au réel » est un concept introduit par le philosophe Jean Baudrillard. Il affirme que dans la société moderne, la frontière entre la réalité et les mondes artificiels est devenue floue.
L’acte d’effacement peut impliquer à la fois la destruction et la génération, la transformation et la réimagination, permettant ainsi l’émergence de nouvelles possibilités. Le projet « glitch » médite sur l’idée d' »informations non désirées ». Le graffiti est une forme de communication subversive et spontanée destinée aux masses. Grâce au travail de Misha de Ridder, il est transformé et réimaginé. L’information qui a été effacée redevient de l’information, le hasard comme technique surréaliste.
Les graffitis effacés de Misha de Ridder semblent souvent abstraits, mais ils capturent des détails palpables et tranchants. La tactilité des murs et la diversité des formes intensifient la qualité picturale de l’œuvre. L’approche de de Ridder consiste en fin de compte à regarder à travers la réalité physique. En ce sens, son travail est une recherche continue d’une « réalité irréelle », selon les termes de l’artiste.
« glitch » est un projet d’art conceptuel, une série d’images qui brouillent les frontières entre la peinture abstraite, la photographie, l’animation et l’art protocolaire. Le projet comprend des tirages d’art physiques ainsi que 50 GIF animés stockés à l’aide d’un protocole blockchain. Un contrat intelligent rend l’art numérique dynamique : chaque fois qu’un jeton est échangé, l’œuvre d’art associée change et finit par disparaître, ce qui constitue à la fois une ode et une critique de l’art blockchain et des rêves et promesses de la crypto-monnaie.
Mounir Raji (1982, NL) : Dreamland (images 9-10)
Pendant une période de cinq ans (2017-2022), Mounir Raji a passé une grande partie de son temps à voyager autour du Maroc dans les zones rarement visitées par les touristes. Le résultat de cette enquête est un livre d’artiste Dreamland – un récit profondément personnel tissé à partir des impressions de Raji sur sa mère patrie. L’exposition comprend des vidéos d’archives provenant de sa famille, ce qui renforce le sentiment d’interprétation personnelle du passé qui imprègne le projet. Fasciné par la vie quotidienne et photographiant sa famille ainsi que des étrangers, Raji crée une vision nostalgique du Maroc qui lui rappelle sa jeunesse. L’œuvre, d’une part, est une idéalisation et, d’autre part, un aperçu du quotidien. Les couleurs vives des paysages, l’utilisation douce de la lumière et l’étreinte du soleil ardent ressemblent à un monde de rêve ou à un souvenir idyllique.
Cependant, au milieu de cette imagerie onirique, Raji capture l’essence de la vie de rue ordinaire, le paysage urbain au milieu du désert et la nature environnante. En juxtaposant idéalisation et moments quotidiens, Dreamland devient une exploration de cette double perspective. Associé à la vidéo des archives familiales de Raji, Dreamland est moins un document objectif qu’une interprétation personnelle du passé. Dans quelle mesure la patrie commence-t-elle à ressembler à un monde idéal ? Pour Mounir, ce projet porte sur le sentiment de chaleur et de sécurité que l’on éprouve en retrouvant sa famille, ainsi que sur les sentiments de confiance, de liberté et d’espoir.
Tanja Engelberts (née en 1987) Pays-Bas, Dead River (images 11-12)
Dans les années 1950, le Rhône a été déclaré mort. Avec le développement de l’hydroélectricité, de nouveaux canaux ont pris le relais de l’ancien fleuve, des digues ont été construites contre les inondations et des barrages ont été érigés au nom de la technologie. Le fleuve, symbole d’une force incontrôlable, a été conquis, mais comment le fleuve se décrirait-il ?
Pour Dead River, Tanja Engelberts tente d’imaginer ce que c’est que d’être une rivière au débit rapide qui accumule lentement des artefacts de l’ère anthropocène sur un tronçon de 600 kilomètres. Inspirée par l’ouvrage de Bruno Latour, Le Parlement des choses, dans lequel le philosophe affirme que les lois et les politiques ne devraient pas être centrées uniquement sur les personnes, mais devraient répondre à toutes les choses et à toutes les formes de vie, l’artiste examine la rivière d’un point de vue animiste. Engelberts a suivi le courant rapide du Rhône depuis la Méditerranée jusqu’à sa source dans les glaciers de Suisse. Le paysage qu’elle a découvert, imprégné de déchets chimiques, disparaît progressivement sous l’effet du changement climatique. Là où le Rhône est soumis à la technologie hydraulique et nucléaire, Engelberts a voulu adopter une approche technique et distanciée de son propre travail. L’artiste a réalisé des photographies et une vidéo du point de vue du fleuve lui-même, en se concentrant sur la jonction de l’eau et des berges – parfois une barrière naturelle, mais plus souvent de la pierre ou du béton. Le long de ces berges, elle a trouvé une substance argileuse qu’elle a incorporée dans ses œuvres. Engelberts a créé des reliefs à partir de photographies de la rivière découpées au laser et a pressé de l’argile dans ces reliefs. Elle a ensuite émaillé ses paysages céramiques avec de l’argile provenant du Rhône. Comme dans le travail d’Engelberts, le sujet et l’objet s’entremêlent dans l’œuvre d’art.
Galerie Caroline O’Breen
1016 SR Amsterdam
www.carolineobreen.com
Galerie Helder Den Haag: Svante Gullichsen, Andrés Gallego, Vincent van Gaalen
Svante Gullichsen (Finland), 1994 Svante Gullichsen (Finland), 1994 (images 13-15)
Svante Gullichsen utilise la photographie pour relever un défi personnel avec les éléments. Le paysage est utilisé pour dévoiler sa quête du « mystère » de l’être humain. Seul ou avec d’autres modèles, il travaille dans les environs de l’archipel finlandais de Porvoo. L’hiver prédomine dans ce paysage. La lumière est diffuse, la terre est douce, le silence est omniprésent. Pendant les périodes plus chaudes, lorsque la verdure domine, les arbres puissants restent silencieux dans les forêts denses. Avec les lacs plats et clairs, ils caractérisent cette nature intacte. Pour Gullichsen, c’est un lieu d’inspiration idéal, où l’harmonie se crée entre la pure simplicité du corps et de l’esprit. Ses œuvres sont mises en scène sur place et sont créées sans autre intervention. L’agitation ne disparaît que lorsque l’image est correcte.
Ses œuvres sont en fait le résultat d’une performance dans des circonstances souvent extrêmes. Le froid intense, les rochers pointus, les arbres rugueux ou les mousses douces, tout cela tourmente ou chérit le corps vulnérable. C’est ainsi qu’il cherche qui ou quoi est son adversaire. Il doit faire preuve d’une grande endurance pour supporter et comprendre la nature rude avec son corps et son esprit.
Les œuvres de Gullichsen tendent vers les interprétations de la nature bien connues du romantisme allemand, comme celle de Casper David Friedrich (« Der Wanderer über dem Nebelmeer », 1818). Elles font également référence à la mythologie grecque classique, comme son « Icare » dans un paysage blanc. En outre, vous reconnaîtrez quelque chose de l’artiste néerlandais Bas Jan Ader (1942-1975), qui a défié les éléments avec le même dévouement. La photographie de Gullichsen témoigne d’une aspiration existentielle à la sécurité. Les images ont une qualité intime et poétique et resteront longtemps dans votre mémoire.
Andrés Gallego (Espagne) 1983 (images 16-18)
La série « Hopper Essence » du photographe Andrés Gallego (ES, 1983) est constituée de photographies basées sur l’œuvre d’Edward Hopper (USA, 1882-1967), dans lesquelles les vues des fenêtres ont été transposées par l’artiste lui-même avec de la peinture acrylique sur toile, ainsi que la scénographie, reproduite à l’échelle réelle. Sa femme y est représentée, exactement comme Hopper a représenté sa femme Jo. On peut y voir un portrait d’elle ou, comme l’a fait le peintre, un portrait de chacun d’entre nous, un endroit où se cacher.
Il est curieux de penser que, pendant un certain temps, Edward Hopper a photographié des détails et des espaces architecturaux et qu’il a ensuite utilisé ces images pour soutenir le développement de son œuvre, et qu’il a abandonné cette procédure, convaincu que les photographies différaient grandement de la perspective de l’œil humain. Peut-être pensait-il qu’il est impossible de représenter ce que nous voyons avec nos yeux à travers un objectif, ou que ce qui est important, après tout, c’est sa propre vision interne, c’est-à-dire sa perception subjective.
En 1992, plusieurs photographes américains ont rendu hommage à Hopper dans le cadre d’une exposition associant photographie et peinture. À cette occasion, Joel Meyerowitz a souligné la différence fondamentale entre la nature de la photographie en tant qu’événement momentané et la nature de la peinture en tant que processus, mais que se passe-t-il lorsque nous unissons les deux langages dans une même œuvre ?
Vincent van Gaalen (Pays Bas), 1984 (images 19-21)
Pour le projet « Absence », Vincent van Gaalen se rend dans les dernières zones sombres d’Europe, où l’obscurité nocturne n’a pas (encore) été remplacée par la lumière artificielle. Au milieu de cette obscurité, entouré uniquement de son matériel photographique, d’une tente et de quelques provisions, Van Gaalen photographie l’absence humaine. Les feuilles, les pierres, l’eau et l’air captent la lumière de la lune et des étoiles. Les noirs les plus profonds émergent, les contours sont mis en valeur. Dans ce monde, alors que l’obscurité prend le contrôle, la raison fait place à l’imagination. Elle nous rend vulnérables. Le paysage reste à peine visible mais d’autant plus tangible.
Absence » est un projet en cours que Van Gaalen a lancé en 2020. Dans son travail, il étudie la friction séculaire entre la création de l’humanité et l’autonomie de la nature.
Galerie Helder
2518 VT Den Haag
www.galeriehelder.nl
Gallery Untitled Rotterdam: Lenny Oosterwijk, Hans van Asch
Lenny Oosterwijk (Pays-Bas) 1969 (images 22-24)
Lenny Oosterwijk s’est lancé dans un voyage photographique axé sur les rivières depuis 2007, intitulant son projet « Heraclitus ». Inspiré par la philosophie d’Héraclite selon laquelle « personne ne peut marcher deux fois dans la même rivière », Lenny Oosterwijk capture la nature changeante des rivières, où coule toujours une eau différente. Ses photographies des reflets des rivières présentent des images abstraites et dynamiques qui brouillent la frontière entre la photographie et la peinture, évoquant un sentiment de mouvement et de changement. En 2014, Lenny Oosterwijk a élargi son exploration avec le film « Heraclitus », dont la première a eu lieu au Festival international du film de Rotterdam et à la Kunsthal Rotterdam. Depuis 2022, Lenny Oosterwijk s’est attaché à capturer la myriade de dégradés de bleus dans le ciel. Cette nouvelle orientation de son travail continue à brouiller les frontières entre la photographie et la peinture, bien que de manière plus abstraite. Les photographies du ciel d’Oosterwijk évoquent une beauté éthérée, capturant les teintes et les textures changeantes de l’atmosphère dans des détails hypnotiques. À travers son objectif, il invite les spectateurs à contempler la nature éphémère de la lumière et de la couleur, créant des images qui résonnent avec un sentiment d’émerveillement et d’admiration. Lenny Oosterwijk a remporté le prix De Zilveren Camera dans la catégorie Portrait avec une photo d’Armand (2016).
Hans van Asch (Pays-Bas) 1964 (Images 25-27)
Hans van Asch est un photographe d’art réputé pour son approche unique de la création d’images. Il construit méticuleusement des compositions à partir de zéro à l’aide d’un appareil photo numérique, en évitant les manipulations numériques en post-production. Les œuvres de van Asch mêlent des éléments d’architecture, de minimalisme et de poésie visuelle, ce qui donne des images qui se situent à l’intersection de l’abstraction et de la figuration. Une caractéristique notable du travail de van Asch est l’incorporation d’oiseaux vivants, qu’il attire avec des vers dans son jardin. Cela ajoute de la spontanéité et de la vie à ses scènes méticuleusement élaborées, créant une tension dynamique entre la réalité et le surréalisme. Ses photographies offrent des représentations réalistes de sujets familiers qui évoquent souvent un étrange sentiment d’irréalité, poussant les spectateurs à reconsidérer leur perception du monde. Hans : « J’éprouve un grand plaisir à sortir les choses de leur contexte, à les libérer de leurs objectifs, de leurs attentes et de leurs fonctionnalités, puis à les transformer en une réalité visuelle poétique ». Dans l’ensemble, les photographies de Hans van Asch représentent une fusion fascinante de compétences techniques, de profondeur conceptuelle et de vision créative, invitant les spectateurs à explorer les frontières entre le tangible et l’imaginaire dans ses compositions méticuleusement élaborées.
Gallery Untitled
3037 VS ROTTERDAM
www.galleryuntitled.nl
MAXUS101 Copenhague : Johnny Jensen (Danois) (images 28-30)
Land de Johnny Jensen s’inscrit dans la continuité de sa série Landskab de 1996, dans laquelle il avait initialement rephotographié des cartes postales et supprimé toute trace de leur production originale, créant ainsi l’illusion que ces paysages avaient été capturés par un seul photographe à la vision unifiée. Dans cette nouvelle série, Jensen revisite le même matériau, en le superposant à des motifs en demi-teinte, transformant la photographie de paysage traditionnelle en une exploration méditative de la perception, de la mémoire et de la nature construite des images.
En incorporant des rostres en demi-teinte, Jensen désintègre les paysages en points visibles, les faisant exister uniquement dans l’esprit du spectateur au fur et à mesure que l’image finale se forme. Cette technique oblige le public à s’engager dans l’œuvre non seulement visuellement mais aussi intellectuellement, car les paysages se dissolvent et se reforment en fonction de la distance et de la perception du spectateur. Le résultat est un paysage qui oscille entre abstraction et reconnaissance, créant un dialogue entre le visible et le conceptuel. Les images ne se contentent pas de présenter une vue de la nature ; elles obligent le spectateur à les reconstruire, remettant en question la fiabilité de la représentation elle-même.
L’un des aspects les plus frappants de Land est la manière dont Jensen déplace l’attention des paysages eux-mêmes vers leur représentation. Ce travail va au-delà d’une simple réflexion sur la photographie en tant que moyen d’expression ; il plonge dans les dimensions spirituelles et existentielles de l’expérience humaine. Les paysages de Land suggèrent une aspiration à quelque chose de plus profond – peut-être une connexion avec le divin ou une redécouverte de la beauté et de l’harmonie inhérentes au monde naturel. En fin de compte, Land est une invitation à réfléchir à la nature de la perception et à la manière dont les images façonnent notre compréhension de la réalité.
MAXUS101
Copenhagen
www.maxus101.com
