Albumen Gallery à UNSEEN Amsterdam (Stand 37)
Cette année, la galerie Albumen accueillera quatre artistes, Robert Conrad, Steven Seidenberg, Robert Kemnitz et Edmund Sumner. Les œuvres de chaque artiste illustrent la documentation et la célébration de l’architecture, en particulier l’exploration des bâtiments abandonnés et leur représentation silencieuse, souvent fantomatique, liée à la décadence urbaine et l’abandon rural.
Robert Conrad (Allemagne) 1962-2023 (images 1-3)
Les photographies de Robert Conrad sont des points d’ancrage culturels, chaque photo étant un acte de défi pour préserver les choses anciennes de la disparition – capturer des bâtiments délabrés est une forme de protestation contre l’oubli de l’histoire. Pendant une grande partie de sa vie, Conrad a vécu à Berlin et ses photographies de bâtiments abandonnés ont été reconnues comme un commentaire sociologique acerbe sur la vie autrefois menée au sein d’un État communiste totalitaire. Reprenant l’esthétique de la dégradation urbaine et célébrant leur signification culturelle, l’approche documentaire factuelle de Conrad offre un commentaire visuel puissant. Acte de résistance et de préservation culturelle historique, l’architecture est utilisée comme un prisme à travers lequel il observe et réfléchit au monde qui l’entoure et au passé que nous laissons derrière nous. Il s’agit de la première exposition publique du travail de Conrad depuis sa mort en 2023.
Steven Seidenberg (US) 1967 (images 4-6)
Le photographe et auteur américain Steven Seidenberg explore les paysages, la culture matérielle et les structures restantes de la politique de réforme agraire menée par le gouvernement italien en 1952, connue sous le nom de Riforma Fondiaria. Entre 1952 et 1972, le gouvernement italien a mis en œuvre une politique de réforme agraire dans quelques centres agraires clés de la campagne, financée par le plan Marshall. Ce programme a permis à des familles pauvres d’acquérir des terres, mais sans infrastructure nécessaire pour assurer la viabilité de ces petites exploitations. Cela a entraîné une migration massive vers le Nord industriel en développement, laissant des dizaines et des dizaines de structures d’après-guerre, souvent en béton coulé, abandonnées dans les champs désormais cultivés à la machine. En 2017, le photographe Steven Seidenberg a commencé à explorer les vastes paysages ruraux de la Basilicate et des Pouilles et cette sélection d’œuvres dépeint le silence stagnant et l’abandon fantomatique des zones laissées pour compte après l’échec du programme de rénovation.
Thomas Kemnitz (All) 1966 (images 7-9)
Les photographies d’architecture abandonnée de Thomas Kemnitz sont le résultat de projets méticuleusement étudiés. Loin de se complaire dans un romantisme de la ruine, ses photos ont plusieurs objectifs. Tout d’abord, elles capturent un bâtiment ou un site dans l’état où il a cessé d’être utilisé. En même temps, les images sont composées et structurées en fonction de leur emplacement et de leur environnement, ce qui invite le spectateur à réfléchir au contexte historique et géographique. L’objectif de l’exploration visuelle et de la documentation de Thomas Kemnitz est de rendre justice à l’objet : une recherche ciblée et une publication responsable sont le début d’un processus qui ne perd pas de vue le contexte et qui, en fin de compte, contribue à la préservation médiatique du lieu par le biais de la réflexion et de la communication.
Edmund Sumner (Royaume-Uni) (images 10-11)
Edmund Sumner est un photographe d’architecture de renommée internationale. Depuis plus de 20 ans, ses travaux sont commandés par des architectes, des éditeurs, des rédacteurs en chef et des conservateurs de premier plan, qui apprécient la qualité de son travail, qui distille et transmet le caractère et l’essence des bâtiments et des espaces intérieurs, et qui transcende tout mandat fonctionnel et technique. Parallèlement aux travaux commandés, Edmund Sumner a constitué un ensemble impressionnant de travaux artistiques privés qui explorent en permanence le principe et le potentiel de la photographie d’architecture en tant qu’« épreuve du temps figé ». Les images de Sumner posent des jalons et des repères qui mettent en évidence la manière dont les hommes, par le biais d’activités culturelles et industrielles – pour le meilleur et pour le pire – façonnent le paysage et, simultanément, sont façonnés par le paysage.
Albumen Gallery
Londres
www.albumen-gallery.com
ANNET GELINK GALLERY Amsterdam – Ed van der Elsken, Bertien van Manen & Robby Müller
La galerie Annet Gelink présente une exposition centrée sur les œuvres d’Ed van der Elsken, de Bertien van Manen et de Robby Müller. La sélection comprends des éditions récentes du travail d’Ed van der Elsken, jamais montrées auparavant, ainsi que des natures mortes de Robby Müller tirées de ses vastes archives de polaroïds, y compris une nouvelle édition publiée à l’occasion de la foire. Bertien van Manen présentera une sélection de photographies issues de ses dernières expositions, coïncidant avec la publication de I Am the Only Woman There (Fw : Books, Amsterdam, 2024), une réimpression de Vrouwen te Gast de 1979.
Ed van der Elsken (Pays-Bas)1925-1990 (images 12-14)
Enfant terrible de la photographie néerlandaise, pendant plus de 40 ans, Ed van der Elsken a fait le portrait d’individus étonnants qu’il rencontrait au cours de ses voyages. Son approche était conflictuelle, embrassant les côtés lumineux et sombres de la vie humaine.
Bertien van Manen (Pays-Bas) 1935-2024 (images 15-17)
Pays-Bas Bertien van Manen est connue pour ses portraits intimes et détaillés de la vie telle qu’elle est vécue par d’autres personnes. Elle a documenté la vie quotidienne de divers groupes sociaux tels que les religieuses, les travailleuses migrantes et les communautés minières des Appalaches, ainsi que la vie dans l’ex-Union soviétique et en Chine.
Robby Müller (Pays-Bas) 1940-2018 (images 18-20)
Largement connu en tant que directeur de la photographie pour des réalisateurs tels que Wim Wenders et Jim Jarmusch, Robby Müller a laissé de vastes archives de polaroïds, qu’il prenait souvent entre deux tournages, comme autant d’études de la lumière et de la composition. Pris d’un point de vue expérimental, ses polaroïds montrent que Müller explorait les multiples facettes de la relation entre la lumière, l’appareil photo et le photographe.
ANNET GELINK GALLERY
1016 PL Amsterdam
www.annetgelink.com
Art Gallery o68 Velp Les Pays Bas: Tony Dočekal, Charlotte Koenen, Louise te Poele
Tony Dočekal (Pays-Bas)1992 (images 21-23)
La série « The Color of Money and Trees » de Tony Dočekal examine la manière dont l’identité et la réussite sont perçues dans l’Ouest américain, une région souvent associée à la recherche de la prospérité. S’inspirant de récits du Sud-Ouest entendus dans sa jeunesse et enrichis par son travail avec les sans-logis, la série reflète également les liens qu’elle a noués avec les personnes rencontrées en chemin. Ces rencontres juxtaposent les rêves qu’elle avait imaginés et les dures réalités qu’elle a observées en voyageant dans cette région pendant cinq ans.
À travers des portraits, des photos de rue et des paysages naturels, la série met en lumière les symboles de liberté dans l’imaginaire collectif. Ce voyage introspectif offre de multiples perspectives sur la tension entre les aspirations personnelles et les définitions sociétales de la richesse, en réfléchissant à ce que signifie trouver un épanouissement et un but dans un monde qui valorise souvent la réussite matérielle au détriment de l’authenticité individuelle. Elle relie des histoires personnelles à des thèmes plus larges, remettant en question les notions conventionnelles de foyer, d’individualité et de signification de la prospérité et du succès.
En accord avec le thème de la prospérité, ce travail explore non seulement les aspects économiques de l’épanouissement, mais aussi les dimensions personnelles, en se demandant si la prospérité est uniquement une question de sécurité financière ou si elle englobe un lien plus profond avec notre environnement, nos communautés et notre sens de soi.
« Lyric » est le portrait d’une fillette de 9 ans que j’ai rencontrée dans un camping de Tucson, en Arizona, où elle vivait dans un bus scolaire avec sa famille. Ses parents recherchaient l’autonomie et une vie loin des attentes conventionnelles de la société. Les haricots bruns et les couverts dorés jouent sur notre perception de la richesse, tandis que le regard puissant de Lyric rencontre le vôtre.
Charlotte Koenen (Pays-Bas)1992 (images 24-26)
Charlotte Koenen est une artiste dont la pratique artistique s’articule autour de l’expérimentation des matériaux, en se concentrant sur la compréhension de leurs transformations. Dans son travail, Koenen explore l’interaction entre les forces visibles et invisibles, en utilisant des processus tels que la coloration, la fusion et l’exposition aux éléments naturels. Le travail de Charlotte est souvent le résultat d’une expérience, une richesse de formes naturelles résultant de l’expérience. L’imperfection, l’incomplétude, l’éphémère sont beaux. Le travail de Charlotte est « wabi-sabi », comme pourrait le dire l’expert en esthétique Leonard Koren (1948). Restreignez tout à l’essentiel, mais n’enlevez pas la poésie ». L’œuvre de Charlotte Koenen est noire, blanche et tout ce qui se trouve entre les deux.
Charlotte Koenen présente des photogrammes à l’exposition UNSEEN 2024. Un photogramme est une impression d’un objet placé directement sur un matériau photosensible dans une chambre noire, puis exposé à la lumière. Ils sont comme des radiographies de matériaux, se concentrant sur la matérialité pour créer des images abstraites. Nous montrons des photogrammes de bois raboté. Ils témoignent d’un processus de fabrication, des vestiges du passage de la matière première à un travail raffiné.
Louise te Poele (Pays-Bas)1984 (images 27-29)
Louise te Poele jouit d’une réputation internationale pour ses natures mortes en techniques mixtes et ses installations colorées, et elle s’est récemment développée en tant que commissaire de l’exposition Standing on the Shoulders of Giants à la Saatchi Gallery de Londres (8 mars – 12 mai 2024).
Dans son travail et en particulier dans les œuvres de l’exposition UNSEEN 2024, les frontières sont constamment brouillées : que regardons-nous ? Une photographie – une peinture ? Elle puise son inspiration dans la vie contemporaine, où les frontières entre le vrai et le faux – entre le physique et le virtuel – deviennent également (de plus en plus) floues. Le terme « faux » est souvent associé à une connotation négative, mais Poele pose la question suivante dans son travail : « Avons-nous vraiment besoin de tout physiquement ou le souvenir d’un objet est-il également satisfaisant ?
Elle utilise des objets apparemment ordinaires, des objets du quotidien, avec lesquels elle parvient à créer un monde d’émerveillement. Son travail est un appel à regarder le monde qui nous entoure avec de nouveaux yeux, à retrouver l’extraordinaire dans l’ordinaire. Sa vision est la suivante : « regarder le monde qui nous entoure avec ces ceux-là conduit à une attention concentrée et, en fin de compte, à une relation bienveillante avec le monde ». C’est ainsi qu’elle donne son point de vue sur la question de ce dont nous avons besoin pour prospérer. Son travail récent a été réalisé lors de sa résidence au Collège Néerlandais à Paris en 2023, et fait partie de la série « An animated Essay ».
Art Gallery o68
6881 SG Velp
www.galleryo68.com
