Gallery Untitled Rotterdam – Vincent van de Wijngaard (1968, Pays-Bas) (images 37)
Le travail de Vincent van de Wijngaard se caractérise par un traitement habile de la couleur et un style investigateur, donnant lieu à une imagerie aux détails nets et à l’allure profonde. Après s’être intéressé très tôt à la musique et au graphisme, il a étudié la photographie à l’Académie royale de La Haye. Ses projets l’ont amené à voyager dans plus de soixante-dix pays, ce qui lui a permis d’apprécier et de se familiariser avec diverses cultures, conférant ainsi à son travail une perspective internationale unique.
La maîtrise de la narration et l’aisance avec laquelle Van de Wijngaard travaille dans des lieux tour à tour austères et élaborés lui ont permis de travailler pour Vogue US, Vogue UK, Vogue Italia, Interview US, Harpers Bazaar US, Financial Times, Zeit Magazin et bien d’autres encore. Parmi les clients commerciaux de Van de Wijngaard figurent Louis Vuitton, Cartier et Dior, entre autres.
Ses photographies et ses films ont été collectionnés et exposés par des musées et des galeries du monde entier. Le long métrage de Van de Wijngaard, There is No Blue without Yellow and Orange, qui retrace les lieux de vie et de travail du peintre Vincent van Gogh, a été présenté pour la première fois au National Art Center de Tokyo en 2010.
Son livre « Morocco », publié par Louis Vuitton, réunit une sélection de photographies de rue prises au cours de nombreux voyages au Maroc. L’exposition « Ghosts don’t walk in Straight Lines », réalisée avec sa compagne Saskia de Brauw, a été présentée à New York, Paris, Londres et à Amsterdam au FOAM.
À l’occasion d’Unseen 2023, la galerie Untitled présentera une exposition de groupe équilibrée qui traduira ce que nous représentons : d’excellentes compétences techniques associées à un style moderne. Nous débuterons avec les œuvres du photographe de renommée internationale Vincent van de Wijngaard, qui présentera ses dernières œuvres autonomes. Iris5. Bergman a publié son livre « Flowers for Mary » en novembre 2022, nous présenterons ses œuvres et le livre de cette série. Hemelblauw », l’œuvre populaire de Lenny Oosterwijk, fera place à ses œuvres de ciels et de paysages les plus récentes. Nous présenterons également les derniers cyanotypes de Dekkers & Co.
Gallery Untitled
Koningsveldestraat 14
Rotterdam.
www.galleryuntitled.nl
GRIMM Amsterdam/ NY/ Londres – Dirk Braeckman (Belgique) (images 38 )
Depuis le milieu des années 1980, Dirk Braeckman a développé une œuvre impressionnante de photographies et de vidéos. Les œuvres de Braeckman, tout en nuances de gris, suggèrent plutôt qu’elles n’expliquent, offrant une fenêtre sur une réalité ambiguë : paysages marins lointains, salles de bal désertes, rideaux flottants, papiers peints anciens ou image floue d’une personne nue. L’atmosphère, le cadrage, la lumière et la texture occupent une place centrale dans l’œuvre poétique de Braeckman.
Lors de l’édition de cette année d’UNSEEN, le GRIMM présentera une série d’œuvres de Braeckman qui illustrent son point de vue photographique nébuleux et distinctif.
« Dirk Braeckman prend, élimine, déforme, sculpte tout ce qu’il voit. La sensualité de ce monde inerte renvoie à la tactilité du tirage photographique lui-même, magnifié par un papier mat et un raffinement extrême des nuances de gris. Toutes les nuances de gris. Gris perle, gris charbon, gris argent, gris lézard, gris platine, gris phénix, gris ardoise, gris Lisbonne, gris horloge, gris lune… la palette infinie du monochrome. »
– Diane Dufour, 2022
La chambre noire de Braeckman fonctionne comme l’atelier d’un peintre ; un espace d’expérimentation où l’artiste laisse la liberté, la spontanéité et le temps influencer son processus créatif. En utilisant des outils et des techniques pour manipuler les négatifs, les œuvres qui en résultent possèdent une tactilité rarement vue dans la photographie.
Basé à Gand, en Belgique, Braeckman a étudié la photographie et le cinéma à l’Académie royale des beaux-arts de Gand (BE) de 1977 à 1981. En 2017, Braeckman a représenté la Belgique à la 57e Biennale de Venise, Venise (IT), avec une exposition d’œuvres qui ont remis en question la convention de la photographie, en appliquant sa technique analogique distinctive pour créer une série d’images de sujets anonymes et dramatiquement chargés.
La liste des expositions et des collections dans lesquelles figurent les œuvres de Dirk Braeckman est très exhaustive
GRIMM
Keizersgracht 241
1016 EA, Amsterdam Pays-Bas
54 White Street
New York, NY 10013 VSA
2 Bourdon Street
London, W1K 3PA UK
Homecoming Gallery Amsterdam – Alice Quaresma (1985 Brésil) (images 39 )
Alice Quaresma est née au Brésil. Après avoir vécu quinze ans à New York, elle est aujourd’hui installée à Londres. Son travail explore l’identité à travers ses photographies des paysages de sa ville natale, Rio de Janeiro, et d’autres parties du monde. Le travail d’Alice reflète les idées de transformation et d'(im)migration à travers sa relation en constante évolution avec sa ville natale, qui change au fur et à mesure qu’elle grandit et se déplace à travers le monde.
Pour Unseen, Alice présentera de toutes nouvelles œuvres inspirées par son récent déménagement à Londres, combinant la photographie, la peinture et les techniques de collage dans ses pièces uniques. Déménager dans un nouveau pays modifie les perspectives de ce qui va suivre, ce qui me fait regarder en arrière pour retrouver un terrain connu tandis que ma nouvelle vie devient familière. Je continue d’étudier mes archives photographiques personnelles de Rio de Janeiro, mais pour ces nouvelles œuvres, je me suis sentie attirée par la nature exceptionnelle de Rio : les montagnes, les forêts, la mer et le sable. La nature est, aujourd’hui plus que jamais, au cœur de la vie et de nous-mêmes. À travers mon travail, j’ai cherché à renouer avec ce monde naturel. Les vieux négatifs avec des décolorations et des « défauts » mineurs jouent un rôle clé, déconstruits en de nouveaux paysages utopiques avec des marques de couleur peintes qui marquent ma présence dans l’œuvre. Les formes géométriques et les couleurs s’inspirent du mouvement artistique néo-concret, qui a fortement influencé la scène artistique brésilienne dans les années 60. Cette fois, elles prennent des formes plus fluides et organiques que dans mes œuvres précédentes ».
Homecoming Gallery Amsterdam – Derrick Ofosu Boateng (1983 Ghana) (images 40 )
Derrick Ofosu Boateng est un photographe d’art autodidacte et le fondateur du mouvement d’art africain Hueism. Inspiré par la sagesse des proverbes africains et la richesse du continent, il crée des images vibrantes qui oscillent entre la poésie visuelle et l’art conceptuel. Boateng utilise son langage chromatique unique, des silhouettes austères et des récits anciens pour remettre en question les perceptions négatives et limitées de l’Afrique. Depuis le début de son parcours artistique, ses photographies et sa post-production sont entièrement réalisées à l’aide d’un iPhone. Le travail de Boateng déborde d’énergie, de couleurs et de sens, qui sont également les principes fondateurs du mouvement Hueist. Parmi ses clients et sujets de prédilection figurent Naomi Campbell, Louis Vuitton et Common.
Son livre HUEISM sera présenté à l’occasion d’UNSEEN.
Homecoming Gallery Amsterdam – Johnny Mae Hauser (1997 Allemagne/Pays-Bas) (images 41 )
Johnny Mae Hauser est une artiste germano-néerlandaise connue pour ses compositions abstraites, un regard doux dans des palettes dramatiquement riches, repoussant les limites de la photographie et explorant l’engagement imaginatif du médium. Chaque pièce est une expression de l’évolution de la mémoire émotionnelle à sa manière sensible et colorée. Inspirées par des expériences personnelles, ses images dégagent un calme poétique qui capture les sentiments de la vie – l’introspection, l’isolement, l’intimité et, en fin de compte, la connexion.
Homecoming Gallery
Online gallery
Amsterdam
www.homecoming.gallery
Hopstreet Gallery – Bruxelles / Deurle Julie Cockburn (UK 1966) (images 42 )
Julie Cockburn se sert avec d’images et des objets trouvés, qu’elle transforme en nouvelles œuvres d’art. Utilisant son propre langage visuel, Cockburn embellit des photographies d’occasion soigneusement sélectionnées avec de la broderie, du collage, de la sérigraphie et de la peinture pour produire ses séries de portraits et de paysages. Ayant suivi une formation de sculpteur, chaque composition joue un rôle clé dans les photographies originales choisies par Cockburn. En outre, la couleur, la texture et la signification inhérente sont fondamentales pour les décisions qu’elle prend lors de l’exécution de ses transformations. L’ensemble de la pratique de Mme Cockburn a une qualité méditative qui se manifeste dans l’attention portée aux détails et au travail méticuleux de l’aiguille dans ses œuvres brodées.
Hopstreet Gallery – Bruxelles/ Deurle – Sara Imloul (France 1986) (images 43 )
À l’ère des images numériques et des réseaux sociaux, Sara Imloul a choisi la lenteur, l’Arte Povera de la photographie. « Si elle est restée attachée à ce procédé, fastidieux et lourd, avec un temps de pose très long, c’est parce qu’il me rappelle aussi la pose des modèles en peinture. Au fond, c’est la scène qui l’intéresse et c’est ainsi qu’elle crée ce journal fictif.
Avec Passage (2015-18), série récompensée par le Prix Levallois, Sara Imloul resserre son regard sur ses effets personnels, racontant une typologie intime à portée universelle, un inventaire exhaustif et symbolique à la croisée de la nature, de l’autoportrait, avec parfois des éléments insolites, comme issus d’un répertoire surréaliste. Les objets se transforment en traces, les images mentales en photographies, le passé s’inscrivant avec désinvolture dans une immobilité aussi significative que spectaculaire. Explorer la dimension par l’image.
Hopstreet Gallery – Bruxelles/ Deurle – Thorsten Brinkmann (Allemagne 1971) (images 44)
Thorsten Brinkmann réfléchit sur la société contemporaine à travers des juxtapositions ludiques et ironiques d’objets quotidiens, de détritus et de références à l’histoire de l’art. Les œuvres semblent osciller sans effort entre les différents genres et jouent avec notre mémoire visuelle collective. En particulier, ses natures mortes et ses autoportraits présentent des caractéristiques typiques des compositions des vieux maîtres des XVIe et XVIIe siècles. Certains spectateurs associent également ces œuvres aux dadaïstes et aux surréalistes ou aux readymades de Duchamp et voient avant tout l’aspect bizarre, absurde et ironique des photographies de Brinkmann. Pour d’autres, ses photographies paraissent étranges, voire menaçantes, car le corps et le visage sont systématiquement masqués et le genre est parfois ambivalent. En réalité, les œuvres de Brinkmann sont tout cela à la fois. L’ambiguïté fait partie du concept.
Hopstreet
Rue Saint-Georges,
1050 Brussels Belgium
www.hopstreet.be
Ibasho Anvers – Naohiro Ninomiya (1969 Japon) (images 45 )
Naohiro Ninomiya (1969) est né à Nagoya, au Japon. Après avoir travaillé dans une entreprise au Japon, il s’est installé en France en 1998 et s’est orienté vers l’art. Ninomiya prend la plupart de ses photographies dans sa région natale de Gifu, les imprime et les termine lui-même dans son atelier en France. La forme de son travail est très variée, car il est toujours à la recherche du support et de la technique appropriés pour chaque projet. Le simple fait d’imprimer ses images dans son atelier n’est pas le but de son travail. Il souhaite également graver le moment de l’atelier dans son travail. Dans un monde de plus en plus plat, il essaie de rendre son travail plus brut et tangible.
À UNSEEN, nous présenterons entre autres la toute nouvelle série de Ninomiya, Nagare, à propos de laquelle l’artiste a déclaré ce qui suit :
« Ma région natale, Gifu, est très montagneuse. L’eau de la rivière coule rapidement vers la mer. Le contraste entre les grands rochers des montagnes et le courant de la rivière m’a toujours fasciné. D’un côté, les rochers montrent leur immuabilité, tandis que de l’autre, le courant de la rivière révèle le caractère éphémère de la forme actuelle. J’ai décidé de capturer ce contraste par la photographie. Après avoir développé le tirage, j’ai appliqué du liquide de blanchiment à l’aide d’un pinceau pour représenter les vagues. Cette étape m’a procuré une sensation particulière. Alors que je continuais à déplacer mon pinceau, les vagues d’eau émergeaient comme si je les sculptais. L’eau de la rivière sculptait les rochers de la montagne, et cette fois, c’est moi qui sculptais l’eau de la rivière ».
Ibasho Antwerp – Gert Motmans & Ronin de Goede (1972 & 1978 Pays-Bas) (images 46 )
Nous sommes fiers de présenter une collaboration unique entre l’artiste belge Gert Motmans et le photographe néerlandais Ronin de Goede :
L’idée de « Between nowhere and elsewhere » est née lorsque Ronin a contacté Gert à la fin de l’année 2021 et découle d’un respect mutuel et d’une appréciation de l’art de l’autre.
Ne pouvant nous rencontrer en personne en raison des restrictions imposées par Covid, Ronin a décidé d’envoyer à Gert une boîte noire contenant des bandes d’essai et des erreurs d’impression de ses séries précédentes, telles que « Asakusa », « Corvus black » et « Tales of solitude », avec le message suivant : « Tu as carte blanche ».
Au moment où j’ai reçu la boîte, je travaillais sur ma série « Maintenant, il fait jour, mais je rêve », et il m’a donc fallu un certain temps avant de commencer à parcourir le matériel que Ronin m’avait envoyé. Je voulais accorder toute mon attention au projet et traiter le travail de Ronin avec respect. Je voulais créer quelque chose qui, d’une certaine manière, glorifierait l’image existante tout en restant fidèle à moi-même et à mon esthétique. Nos travaux respectifs présentent certains parallèles, mais nous sommes également très différents. J’ai commencé par trier les images qui m’attiraient intuitivement et j’ai laissé le travail naître de là ». – Gert Motmans
L’art de Motmans est souvent influencé par le modernisme, tout comme cette série particulière, plus particulièrement influencée par le travail d’Onchi Koshiro, un graveur japonais du XXe siècle et inspirateur du mouvement sõsaku-hanga, un mouvement artistique qui met l’accent sur le fait que l’artiste est seul créateur, motivé par un désir d’expression personnelle, et qui prône les principes de l’art « autodessiné » (自画 jiga), « autogravé » (自刻 jikoku) et « auto-imprimé » (自摺 jizuri).
Ronin s’inspire à la fois du quotidien et de l’éphémère. Sa capacité à voir en nuances de gris lui permet de se concentrer sur la lumière et l’ombre, les textures, les formes et les expressions, en s’appuyant sur ses études de graphisme, de beaux-arts et de peinture à l’Académie royale des beaux-arts de La Haye.
Son appareil photo de prédilection est un Leica MP noir analogique chargé de kodak 400 TRI-X. Délaissant la photographie et l’impression numériques, il réalise ses propres tirages à la gélatine argentique dans une chambre noire nichée dans les bois près de La Haye. Que ce soit sous l’ombre des feuillus ou dans les ombres qui sillonnent les rues ensoleillées d’Asakusa, Ronin passe avec aisance des sabots au kimono, et peut parfois être aperçu portant les deux à la fois.
Ibasho
tolstraat 67
2000 Anvers Belgium
www.ibashogallery.com
Kana Kawanishi Tokyo – Ai Iwane (1975 Japan/ US) (images 47 )
Depuis 2012, Ai Iwane ne cesse de photographier les cerisiers en fleurs de Fukushima. Les cerisiers de Fukushima attirent des milliers de touristes chaque printemps, mais depuis l’accident de la centrale nucléaire lié au tremblement de terre de 2011, il n’y avait toujours eu qu’Iwane elle-même sous les cerisiers en fleurs dans la zone d’évacuation radioactive.
En 2020, cependant, la nouvelle pandémie de coronavirus a créé la même vue dans tout le Japon. En avril 2020, elle est appelée pour une mission à Kitakami, dans la préfecture d’Iwate (au nord de Fukushima). Dans le parc de Tenshochi, Iwane a découvert un tunnel de deux kilomètres de long où les cerisiers sont en pleine floraison. Cette vue l’a incitée à se rendre au nord pour voir d’autres cerisiers en fleurs, et c’est ainsi qu’a commencé son voyage secret.
Depuis 2006, Iwane se concentre sur la culture de la communauté japonaise à Hawaï, et elle a installé sa deuxième base à Miharu, Fukushima, en 2013. Elle n’a cessé d’examiner le lien entre Hawaï et Fukushima sous l’angle de l’immigration et a intégré ses recherches dans son œuvre précédente, « KIPUKA », en 2018, qui a été largement saluée et a remporté le célèbre prix Pictet Japan Award (2022) et le Kimura Ihei Photography Award (2019)
Kana Kawanishi Tokyo Mayumi Suzuki (1977 Japan) (images 48 )
Mayumi Suzuki est née à Onagawa, dans la préfecture de Miyagi, dans un studio de photographie ouvert depuis des générations. Profondément liée à la photographie depuis l’enfance, les récits racontés par ses photographies ont permis aux spectateurs de trouver la libération par l’expression. Sa première série, « The Restoration Will », est un ensemble d’œuvres intimes dans lesquelles l’artiste accepte calmement les incidents qui lui sont arrivés, à elle et à sa famille, à la suite du grand tremblement de terre de l’est du Japon, et lève doucement, mais franchement, la tête et regarde vers l’avant. La série suivante, « HOJO », qui signifie « fertilité » en anglais, est également basée sur ses propres expériences.
Le point de départ de « HOJO » est la rencontre de Suzuki avec des légumes invendus, comme une carotte à deux pattes qu’elle a trouvée en rentrant chez elle après un traitement de fertilité (FIV). L’œuvre montre la chaîne de la vie en confrontant le sujet pendant environ 60 secondes pour une longue exposition, un temps très court pour un examen interne, mais un temps soigneusement expérimenté pour la photographie.
Un nu féminin, un légume déformé et un œuf fécondé, qui semblent tous être des sujets indépendants à première vue, sont traités de manière égale et inévitable dans cette œuvre, et il nous est rappelé qu’ils sont tous identiques en tant que formes de vie. L’œuvre évoque également une sorte de fraîcheur qui ne résiste pas aux choses qui transcendent la connaissance humaine.
Kana Kawanishi Tokyo – Tamami Iinuma (1983 Japan) (images 49 )
Sous le thème « House of Architecture », Tamami Iinuma photographie l’architecture en tant qu’accumulation de souvenirs, et les villes et paysages en tant qu’habitations de l’architecture. En 2008, Tamami Iinuma a étudié pendant un an à l’étranger, à l’Académie des arts visuels de Leipzig, où elle a résidé jusqu’en 2013 (elle a reçu la bourse pour les études à l’étranger de la Pola Art Foundation en 2010).
Sa série « Piece of Colonne. Fragments de vagues » reflète ses expériences et ses réflexions pendant sa résidence. Les images colorées composent une belle vague en utilisant les pages de son livre de photos conceptuelles qui servent de colonnes d’architecture.
« Lorsque je vivais dans la rue Industry à Leipzig, en Allemagne, vers 2009-2010, j’ai trouvé un bloc-notes poussiéreux dans un magasin de tabac et de papeterie au coin du passage Elster, près de mon appartement. Le bloc-notes avait la forme d’une spirale, avec sept couleurs de papier (jaune clair, rouge clair, bleu clair, jaune foncé, rouge foncé, bleu foncé et vert), avec une face collée et plus brillante que les trois autres. Attirée par le caractère décoratif de ce bloc, je les ai empilés pour former une « colonne » et les ai photographiés à la lumière naturelle. En utilisant un objectif macro et en faisant la mise au point au-delà de l’infini, j’ai pu fusionner la densité, la lumière et l’ombre des couleurs. Lorsque je regardais dans le viseur, les couleurs déferlaient en moi comme une vague et j’avais l’impression de pouvoir les capturer en appuyant sur l’obturateur. Ces photographies qui ressemblent à du papier coloré ont été créées de cette manière ».
Kana Kawanishi Tokyo
2-7-5-5F, Nishi Azabu, Minato-ku,
Tokyo 106-0031 Japan
www.kanakawanishi.com
John Devos
Correspondant L’Œil de la Photographie/Eye of Photographie
john.devos01(a)gmail.com
