Ag Gallery Teheran- Mohsen Yazdipour (1980 Iran) (Images 9)
Titre du projet Un site (pas) à voir – Téhéran est l’une des villes les plus grandes et les plus peuplées du monde. Environ quatorze millions de personnes y vivent. Certains sont originaires de la ville, mais la plupart y sont venus pour échapper au chômage, au manque de ressources et d’opportunités dans leur propre région. La ville a grandi plus vite qu’elle ne peut être entretenue. C’est ainsi que nous l’avons élevée. Et elle est devenue impossible à réparer. Elle n’a pas de manières et n’a pas honte de le montrer.
En conduisant à Téhéran, vous perdrez des heures. Marcher est pire, car marcher à Téhéran, c’est éviter ses nombreux dangers. Téhéran est en colère et veut se venger d’avoir été si longtemps maltraitée. Ses citoyens sont confrontés quotidiennement à ses attaques, qu’elles soient visuelles, mentales ou physiques. Des figures menaçantes plus grandes que nature, un labyrinthe en constante évolution et des chemins traîtres qui mettent la vie en danger. Sans parler de la pollution débilitante. Téhéran est l’environnement choisi par ses citoyens et il est devenu leur prison. Les gens viennent à Téhéran pour vivre mais n’en repartent jamais. Téhéran est une invalide. C’est pourquoi je prends ces photos pour que tout le monde les voie et pour essayer de comprendre pourquoi la ville est comme elle est.
Mohsen Yazdipour (Téhéran) est un artiste visuel contemporain qui utilise des éléments de la photographie pour créer des œuvres photographiques séquentielles qui donnent à réfléchir. Le point de vue unique de Yazdipour est le fruit d’une combinaison d’influences culturelles, d’expériences personnelles et d’éducation. Son approche disciplinée du processus artistique combine l’observation, la collecte et l’élimination. Cette méthode lui permet d’explorer le moi et son lien avec l’environnement, en utilisant une variété de techniques pour transmettre ses concepts et ses messages. Yazdipour est titulaire d’une maîtrise en photographie de l’université de Téhéran (2006) et d’une licence en photographie de l’université islamique Azad d’art et d’architecture de Téhéran (2003). Il a également participé à des cours à la Media Arts Academy (1996-2000).
Ag Galerie Teheran – Homayoun Sirizi (1981 Iran) (Images 10 )
Titre du projet : Trente et un ans, moins un jour – Le 14 janvier 1971, le bâtiment Shahyad Aryamehr ouvre ses portes au public. Le 15 janvier 2010, la communauté artistique iranienne pleure la disparition du célèbre photographe iranien Bahman Jalali (1945-2010) et le 16 janvier 1978, Mohammad-Reza Shah Pahlavi fuit l’Iran pour ne plus jamais y revenir. Ce qui relie ces trois dates consécutives sur trois décennies de l’histoire tumultueuse de l’Iran, c’est une photographie réalisée par Bahman Jalali trente et un ans moins un jour avant la date de son décès.
La photo représente un jeune révolutionnaire iranien en 1978. Les bras levés et marchant devant une foule de manifestants, il porte un pull-over tricoté à la main portant le dessin du monument Shahyad construit par le roi déchu pour honorer sa propre mémoire. Déformée dans ses proportions, la tour préfigure la « liberté » déformée qui attend la nation.
Sirizi a recherché toutes les photographies prises ce jour-là par d’autres photographes qui contenaient également l’image du monument. Il a ensuite déformé la tour pour qu’elle ait les mêmes proportions que celles de la tour du pull-over tricoté. Elles sont accrochées au mur sans être serrées et épinglées au mur uniquement sur la partie supérieure, simulant l’envol d’oiseaux.
« Thirty-One Years, Less One Day » est un mémorial pour le dixième anniversaire de la disparition de Bahman Jalali en 2020 ainsi que pour l’historiographie de la prise d’un monument du pouvoir par le peuple iranien.
Homayoun Sirizi (Téhéran, 1981) est un architecte, un artiste, un écrivain et un conservateur connu pour son ingéniosité à extraire des coïncidences de temps, de langue, d’histoire et de politique à partir de documents d’archives. Ses œuvres explorent les possibilités obscures et parfois satiriques de l’histoire. Sirizi a étudié l’architecture à l’université de Téhéran. Il a exposé en Autriche, en Belgique, aux États-Unis, en Italie, en Russie, en Allemagne et en Turquie. Ses œuvres ont été présentées aux 13e et 15e expositions internationales d’architecture de la Biennale de Venise, à la 6e Biennale d’art contemporain de Moscou, au 9e symposium d’Alanica, à Vladikavkaz, à dOCUMENTA 13, en Allemagne, et à la 12e Biennale d’Istanbul, en Turquie.
Ag Galerie Teheran – Amin Yousefi (1996 Iran) (Images 11)
Titre du projet : Eyes Dazzle as they Search for the Truth —- Comment se fait-il que le son de l’obturateur d’un appareil photo 35 mm attire l’attention d’un manifestant dans une foule ? Comme si le photographe utilisait un mégaphone pour dire « Un, deux, trois, fromage… » et que certains participants sortaient de l’atmosphère pour fixer l’appareil photo. Je veux trouver mes suspects comme un détective parmi les révolutionnaires de l’Iran de 1978-1979. La révolution iranienne est l’un des événements les plus marquants des cinq dernières décennies au Moyen-Orient, avec des ramifications multiples qui se sont répercutées dans toute la région. Ce projet met en lumière des individus qui, à un moment crucial de l’histoire, sont sortis de la masse et ont fixé l’objectif d’un appareil photo.
Le photographe est généralement celui qui contrôle l’image capturée. Il choisit la mise en scène en choisissant sa position. Dans ces photographies, la relation prévue a été inversée, car le photographe a été influencé par la foule et les yeux qui se sont tournés vers l’appareil photo. Comme si le sujet et l’objet avaient échangé leurs places. Ce renversement des rôles a eu un impact significatif, car ce sont les personnes elles-mêmes qui se sont chargées de capturer l’image avec leur regard, plutôt que l’appareil photo qui se tournait vers elles.
Photographier à travers une loupe était une allégorie pour extraire des photographies de la révolution et les ramener au moment présent. La loupe a agi comme un pont qui m’a relié aux révolutionnaires. Il semble que leur regard ait attendu mes yeux pendant des décennies, filtrant à travers une multitude de lentilles et d’yeux avant de m’atteindre. Ils voulaient être enregistrés dans l’histoire par un appareil photo, et j’ai essayé d’honorer leur désir d’immortalité.
Amin Yousefi (Iran, 1996) vit et travaille à Londres. Il est titulaire d’une maîtrise en photographie documentaire de l’université de Westminster. Il a participé à plusieurs expositions collectives internationales et a reçu plusieurs prix. Son récent projet, « Eyes Dazzle as They Search for the Truth », a été sélectionné comme finaliste des Carte Blanche Awards à Paris Photo en 2022. Son travail a été publié dans des magazines tels que Aperture, Hapax et Source. Yousefi a également entrepris des travaux de commande importants, notamment le projet « Ruderal Acts, Gardening Beyond the Wall », présenté dans le cadre du HerMAP Art Project au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, en Belgique. Il a également été sélectionné comme Talent Ag pour son œuvre intitulée « Life, Death, and Other Similar Things » en 2019, qui a fait l’objet d’une exposition personnelle à l’Ag Galerie. Originaire d’Abadan dans la province du Khuzestan, la région la plus riche en pétrole de l’Iran et la scène de la guerre sanglante de l’Iran avec l’Irak voisin, le travail de Yousefi traite de thèmes liés au paysage sociopolitique, à la violence contre les protestations au Moyen-Orient, à la création d’histoires à travers des archives cachées, aux effets de la guerre et à la façon dont l’acte photographique peut refléter de manière conceptuelle les structures de ces relations.
Ag Galerie
#3 South Pesyan Street, Valiasr Street,
Tehran, Iran
https://www.aggalerie.com/
Albumen Gallery London – Anna Laza (Roumanie /France) (Images 12 )
Dans le travail de la photographe roumaine Anna Laza, le corps humain est projeté sur une toile de paysages corporels, qui font référence au genre de la photographie d’acte tout en le dépassant. Grâce à des images composées de manière experte, ses images invitent les spectateurs à contempler la double nature de l’expérience humaine – notre existence physique et les profondeurs intangibles de notre moi intérieur.
Les tatouages sont déployés avec art pour accentuer et redéfinir les contours du corps, mêlant les frontières entre les domaines physique et métaphysique. Ce faisant, ils remettent en question les normes conventionnelles de beauté et d’esthétique, invitant les spectateurs à accepter l’unicité et la complexité du corps et du parcours de vie de chaque individu.
Albumen Gallery London – Alireza Movahedi (1986 Iran) (Images 13 )
Le photographe iranien vit et travaille à Téhéran. Dans son travail, Alireza Movahedi cherche à utiliser le support visuel pour aborder et réfléchir à des questions existentielles fondamentales. Ses images pourraient être décrites comme des paysages psychologiques qui déploient et déconstruisent simultanément des symboles et des tropes communément partagés qui font partie de l’histoire culturelle.
Ses images remettent en question les perceptions et invitent les spectateurs à s’interroger sur la nature même de la réalité. Cette approche innovante a attiré l’attention de collectionneurs désireux d’acquérir des œuvres qui transcendent les normes artistiques conventionnelles et offrent un aperçu de l’avenir du médium.
Albumen Gallery London – Niklas Soestmeyer (1988 Allemagne) (Images 14 )
Niklas Soestmeyer, qui vit à Berlin, est un photographe de rue, mais pas dans le sens conventionnel du terme. Les gens, qui sont traditionnellement un aspect déterminant du genre, n’apparaissent pas beaucoup dans ses photos. Néanmoins, les photos ne sont pas totalement dépourvues de présence humaine. Les personnes ne figurent peut-être pas dans le cadre de l’image, mais leur présence est – parfois sinistrement – ressentie.
Niklas Soestmneyer utilise habilement une palette de couleurs qui devient la marque de fabrique de ses photographies. Ses couleurs riches et chaudes – souvent utilisées avec parcimonie – peuvent rappeler les couleurs Kodachrome que l’on retrouve dans les photos de Fred Herzog.
Galerie Albumen
La galerie fonctionne en ligne –
Bureaux : Londres
www.albumen-gallery.com
ARTITLEDcontemporain Herpen – Dean West (1983 USA) (images 15)
Les œuvres de Dean West, basé à Miami, explorent un large éventail d’environnements et de types de personnages. Cet artiste né en Australie, qui a étudié au Queensland College of Art, est surtout connu pour ses photographies complexes et hautement mises en scène, qui transforment les événements quotidiens en réalité naturelle. Extraordinaires par leur gamme de tons, leur clarté numérique et leur vision artistique, les scènes méticuleusement chorégraphiées, les études de personnages et les paysages atmosphériques de West établissent un lien puissant et synthétique entre les besoins et les désirs et entre la documentation et l’invention. Passionnés par les vastes possibilités de la photographie numérique en tant que support et époque culturelle, les récits de M. West s’inspirent de la diversité totale offerte par les arts visuels. Alors que les tableaux photographiques de Stan Douglas et de Jeff Wall éclairent la compréhension de la photographie comme forme de communication contemporaine, les peintures de David Hockney et d’Edward Hopper fournissent une orientation esthétique évidente.
Le monde fictif du cinéma et le langage fonctionnel de la publicité ont aussi clairement laissé leur marque et enseigné leurs propres leçons. Des marques internationales ont adopté la vision de M. West par le biais de partenariats et de clients importants tels que Disney, MTV, Bombay Sapphire et Fox Sports.
Reconnu comme l’un des 100 meilleurs photographes émergents par Saatchi & Saatchi, M. West a également reçu le titre de « Photographe publicitaire de l’année » lors des International Loupe Awards et le prestigieux « Arte Laguna Prize » à Venise, en Italie.
Le projet présenté, The Palms, est une collection d’images et de films de Dean West. Originaires de Floride, les œuvres contiennent des portraits de personnages locaux, des paysages, des constructions en tableau, des portraits et des courts métrages. Les piscines, les palmiers et l’architecture sont des motifs familiers dans ses photographies.
La série Palms est une plongée plus profonde dans les nombreux aspects de la culture et de la vie quotidienne en Floride.
ARTITLEDcontemporain Herpen – Tom Blachford
(1987 Australie) (images 16)
Tom Blachford est une créature de la nuit. De Palm Springs à Tokyo et jusua’à la Bolivie, le photographe australien a patiemment vécu dans l’obscurité, composant ses études immaculées de maisons du milieu du siècle, de gratte-ciel résidentiels et de bâtiments civils éclairés par la lune.
Travaillant à l’intersection de la photographie à longue exposition et de l’exploration du bâti, les photographies d’art de Tom Blachford cherchent à transformer des environnements prévisibles et connus en mondes surréalistes et oniriques. Obsédé par la capture des moments de clarté, de couleur et de mystère qui existent juste au-delà des limites de notre perception humaine, Blachford explore la capacité de son appareil photo à jeter un pont entre nos mondes et les mondes obscurs hors de notre portée. Captivé par l’architecture, et pas seulement pour ses formes sculpturales, les images de Blachford de maisons, de villes et de banlieues agissent comme la scène de narrations non écrites qui implorent le spectateur d’écrire son propre drame se déroulant derrière les murs de chaque scène.
N’utilisant que des sources de lumière existantes – la pleine lune (Midnight Modern), les néons de Tokyo (Nihon Noir) ou les lumières crues des rues de Los Angeles (Noct Angeles), Blachford traque les moments cinématographiques négligés dans le quotidien et s’efforce de les distiller avec un sentiment de mystère, d’inquiétude et d’émerveillement.
Le travail de Tom a été largement présenté dans la presse architecturale, artistique et de design du monde entier et a été exposé et collectionné par des amateurs d’art à travers l’Australie, l’Europe et les États-Unis.
La monographie de la série Midnight Modern a été publiée en 2017 par l’éditeur new-yorkais PowerHouse et la deuxième édition en 2021.
Midnight Modern : Le lancement de la nouvelle série « Midnight Modern » marque une décennie de pèlerinage de Tom Blachford depuis l’Australie jusqu’aux déserts de Palm Springs pour chasser la lumière de la pleine lune. La nouvelle série présente des couples emblématiques tels que la réunion du buggy Meyers Manx conduit par Steve McQueen dans l’affaire Thomas Crown et la maison de McQueen à Palm Springs, qui n’ont pas été vus ensemble depuis 1973. La série poursuit sa quête de magie cinématographique en combinant le clair de lune, l’architecture moderne du milieu du siècle, les montagnes et les voitures dans un tableau intemporel qui existe à la fois dans le passé, le présent et l’avenir.
ARTITLEDcontemporary
Rogstraat 28
5373 AV Herpen
The Netherlands
www.artitledcontemporary.com
Bildhalle Amsterdam/Zurich – Paul Cupido (1976 Pays-Bas) (images 17)
La méthode de travail de Paul Cupido est ancrée dans le désir de lâcher prise, utilisant son appareil photo comme une extension de ses sens, capturant des moments uniques qui reflètent la magie de son expérience. Cette approche est en résonance avec le « Haiku » de la culture japonaise, qui met l’accent sur l’instant présent pour renforcer l’intuition et potentiellement conduire à une illumination soudaine.
Dès le début de sa carrière, Cupido a été captivé par la culture et la philosophie japonaises, qu’il intègre dans son langage artistique de manière libre et adaptable. Ses œuvres ne se réfèrent pas seulement au visible, mais se concentrent sur le sentiment et l’expérience, comme dans sa dernière série, développée pendant sa résidence d’artiste (toujours en cours) au festival de photographie InCadaqués en Catalogne.
La série « Swoon », présentée pour la première fois à Unseen Amsterdam, décrit une émotion amoureuse intense, signifiant l’extase ou même un sentiment d’inconscience. En collaboration avec l’artiste photographe Anna Muller, basée à Paris, Cupido s’est lancé dans l’exploration de ce phénomène avec son approche intuitive typique. Pendant son séjour à Cadaqués et à Port Lligat, Cupido a constaté que Salvador Dalí (1904-1989) et Gala Dalí (1894-1982) étaient toujours présents. Gala, elle-même artiste, était non seulement l’épouse de l’éminent surréaliste, mais aussi sa muse. Leur histoire d’amour et de travail a été la source d’inspiration de Cupido. Fasciné par l’alliance de la puissance masculine et féminine pour libérer de nouvelles énergies, Cupido a utilisé des œuvres aux couleurs intenses pour dépeindre la puissance et transmettre le lien entre l’homme et la nature, ainsi que les forces élémentaires. Selon lui, ce lien inséparable peut conduire au « Satori », un brusque éclair de lucidité sur l’essence de tout ce qui existe.
Paul Cupido a obtenu son diplôme avec mention de la Fotoacademie Amsterdam en 2017. Depuis, il a publié plusieurs livres d’artiste, dont « Searching for Mu » (2017), « Continuum » (2019) et « 4 a.m. » (2021) – chacun en collaboration avec la graphiste Akiko Wakabayashi. Le travail de Cupido a été largement exposé, notamment à Paris Photo, Unseen Amsterdam et au Nordic Light Festival. En 2022, Cupido a été invité à devenir l’artiste résident inaugural d’INSTANTS, le programme de résidence du Château Palmer et de Leica. En 2023, il a été artiste en résidence au festival de photo InCadaqués en Catalogne.
Bildhalle
Willemsparkweg 134H
NL-1071 HR Amsterdam
Bildhalle AG
Stauffacherquai 56
CH-8004 Zürich
www.bildhalle.ch
Bradwolff & Partners Amsterdam – Katrin Korfmann (1971 Allemagne) (images 18 )
Katrin Korfmann présente deux nouvelles œuvres de la série Homo Ludens. Elles se concentrent sur l’importance de l’imagination et du jeu dans notre culture et explorent la fonction du jeu en tant que lien culturel. Katrin Korfmann : « Le jeu, comme l’art, est un lien entre les gens ». L’œuvre Swing montre des gens en train de danser dans le parc Ooster d’Amsterdam. La danse est souvent utilisée comme un divertissement, mais elle a aussi des significations culturelles et sociales, comme l’expression des émotions, la célébration des traditions et le renforcement des communautés. L’œuvre Phoenix se déroule à Amsterdam de Bijlmer et montre des enfants jouant lors d’une fête dans leur club de sport. Korfmann considère les lieux où elle réalise ses œuvres photographiques comme des biotopes et étudie la manière dont les gens se déplacent dans ces lieux. Elle tente de capturer la mémoire d’un lieu en créant une image littérale du temps. Les images sont puissantes (en partie grâce à leurs perspectives inhabituelles), généralement dans l’espace public, et impliquent le spectateur dans ce qui se passe dans ces images.
Katrin Korfmann a étudié à la Kunsthochschule de Berlin et à la Rietveld Academy d’Amsterdam, où elle s’est spécialisée dans la photographie. Elle a poursuivi ses recherches durant des résidences à la Rijksakademie d’Amsterdam, à la Cittadellarte de Biella et au Chinese-European Art Center de Xiamen, en Chine. Son travail a été exposé au niveau international depuis la fin des années 1990.
Bradwolff & Partners Amsterdam – Jaehun Park (1986 Korea) Bradwolff & Partners Amsterdam (images 19 ) (aussi dans UNBOUND – voir contribution 7)
Jaehun Park présente sa nouvelle œuvre vidéo « Twig Room », réalisée à l’aide d’une technologie de numérisation 3D qui traduit des substances physiques en substances virtuelles, telles que des structures polygonales et des systèmes de nuages de points (une série de points de données dans l’espace). À l’intérieur de la pièce sombre en béton, une simple brindille tourne lentement, créant une cascade dynamique. Le béton est un mélange de ciment et d’eau utilisé depuis l’Égypte ancienne et l’époque romaine. C’est la deuxième substance la plus utilisée dans le monde après l’eau. Park utilise des rendus 3D hyperréalistes pour mettre en scène des objets produits en masse comme des vaisseaux de l’idéologie. Ses œuvres virtuelles abordent des événements problématiques actuels sur Terre en zoomant sur des métaphores et des objets astucieusement choisis. Dans sa pratique, il combine des objets numériques prêts à l’emploi avec des phénomènes naturels. À travers les objets produits par les gens, il montre comment ils vivent et ce qu’ils ressentent, croient ou pensent. Park réalise des animations informatiques tridimensionnelles pour visualiser notre réalité qui, selon lui, se compose du consumérisme et d’un penchant pour la spiritualité. Il en résulte des situations, des intérieurs et des paysages aussi beaux que sombres.
Jaehun Park a étudié la peinture à l’université nationale de Séoul et a obtenu un master en recherche artistique à l’Académie royale des arts de La Haye. Ses œuvres sont exposées et collectionnées dans le monde entier, dans des collections publiques et privées.
Bradwolff & Partners Amsterdam – Marike Schuurman (1964 Pays Bas) (image 20 )
Marike Schuurman présente des œuvres issues des séries Toxic et Flashback, dans lesquelles la réflexion sur les méta-perspectives dans la photographie est centrale. Dans Toxic, le sujet et l’objet fusionnent dans une enquête sur l’empreinte humaine toxique de l’exploitation du lignite. Cette empreinte se traduit par d’énormes cratères dans le paysage. Ceux-ci sont souvent remplis d’eau à des fins touristiques, entre autres. Il faut environ 20 ans pour que l’eau atteigne un pH permettant la vie. Jusque-là, l’eau est trop acide. Schuurman a réalisé des polaroïds de la surface de l’eau et les a développés dans cette eau « toxique ». Les différentes valeurs de pH de l’eau, en interaction avec les acides des polaroïds eux-mêmes, ont donné lieu à une variété de textures et de couleurs. Pour Flashback, Schuurman examine les conséquences de la photographie. Des images agrandies d’ampoules déchargées ou défectueuses nous permettent d’observer de plus près le pouvoir potentiellement destructeur de la lumière. La surface lisse du verre est mutilée par une décoloration sphérique, tandis que des fils s’emmêlent à l’intérieur. Schuurman se concentre sur le processus, en mettant l’accent sur la transformation et la destruction qui se cachent derrière la photo.
Le travail artistique de Marike Schuurman traverse des espaces et des paysages, les entremêlant avec le monde fascinant de la photographie. Il en résulte une danse enchanteresse de concepts et d’impressions sensorielles. Ses images invitent à réfléchir à ce que nous voyons lorsque nous regardons une photo et à ce qui s’y trouvait réellement. Marike Schuurman a étudié la photographie à l’Académie Gerrit Rietveld d’Amsterdam et a été résidente à la Rijksakademie van Beeldende Kunsten d’Amsterdam. Elle travaille à Berlin.
bradwolff & partners
lijnbaansgracht 314
1017 wx amsterdam
www.bradwolff-partners.nl
Contour Gallery Rotterdam – Marie Pop (Pays-Bas) (images 21 )
Marie Pop (Marie Pop est le pseudonyme de la collaboration entre Anique Weve 1980 et Inge Aanstoot 1987. Leur dernière série : « Le Studio Perdu » (2023), combine le travail de l’argile, la photographie de studio et la peinture pour faire allusion à différents points de l’histoire du féminisme et à la place des femmes dans l’histoire de l’art. Marie Pop explore la duplicité des significations. Le Studio Perdu trompe magistralement le public, remettant en question ce qui peut sembler évident : l’époque représentée dans l’œuvre d’art, l’identité de l’artiste ou même le rôle du spectateur. Rendant simultanément hommage à l’art produit par des figures féminines historiques, les œuvres de Marie Pop se présentent comme des créations autonomes tout en faisant référence aux talents féminins perdus dans l’histoire de l’art. Son œuvre met en lumière les voix et les récits perdus des femmes, laissant au public la liberté de dessiner de nouvelles histoires.
Contour Gallery Rotterdam – Tijtske Oosterholt (1991 Pays-Bas) (images 22 )
Tijtske Oosterholt recherche l’interaction intuitive avec la nature et la capture des formes statiques de la nature, telles que les gros plans de processus naturels ou de minéraux, qui la guident dans la recherche de nouveaux matériaux, textures et combinaisons.
Ses récentes séries d’œuvres : A Continual Unfolding,(2023) est une exploration de l’incontrôlable, de l’abandon à l’inconnu et de l’ouverture à tout ce qui se déroule devant soi. En travaillant avec des polaroïds, dont le caractère est intrinsèquement mystérieux, Tjitske se laisse guider par la direction que le matériau veut prendre, et trouve des moyens de gérer cette incertitude. Plutôt que d’essayer de lutter contre l’incontrôlable, elle tente d’aller de pair avec ce qui ne peut être contrôlé, en trouvant la beauté dans ce qui est hors de notre portée. La création de collages permet d’établir une interaction constructive avec l’inattendu et l’inconnu, formant une métaphore pour trouver la paix avec l’insécurité de ce que l’avenir pourrait nous réserver. La plupart des œuvres exposées ne seront jamais complètement fixées, ce qui rend chaque rencontre unique et permet au spectateur de faire partie de cette évolution continue.
John Devos
Correspondant L’Œil de la Photographie/Eye of Photographie
john.devos01(a)gmail.com
