Tout d’abord, la présentation des dernières galeries, puis une introduction à quelques projets dans le cadre d’UNBOUND!
TOBE Gallery Budapest – Akos Major (1974 Hungary) (images 78)
Ákos Major photographie depuis longtemps les paysages urbains de l’anthropocène, ce qui est pour lui à la fois un acte de détente et un moyen de parvenir à ses fins. Son travail peut être étiqueté par de nombreux adjectifs différents, mais ses photographies urbaines minimalistes et inhumaines sont clairement associées à la Nouvelle Topographie qui a vu le jour en Amérique. Les tons monochromes et les portraits de paysages à l’attitude contemplative sont eux-mêmes évocateurs de l’état d’esprit dans lequel ils ont été pris : des images méditatives et sereines, qu’elles aient été prises à Dubaï, en Californie ou au lac Balaton.
Les images de la série Dad’s walks ont été prises à Paks et dans ses environs, dans des lieux qui rappellent des souvenirs d’enfance et qui continuent à jouer un rôle important dans la vie personnelle de l’artiste. L’artiste, qui se souvient de ses années d’enfance comme étant heureuses et équilibrées, attache des significations de sécurité et de sérénité à ces lieux – aux endroits où il peut encore retourner. Il est important de noter qu’il veille à ne pas esthétiser le paysage : un observateur extérieur et profane ne devrait pas percevoir plus qu’un environnement industriel autrefois animé qui, d’une manière ou d’une autre, dégage des sentiments de tranquillité et de mélancolie. Les maisons anthropomorphiques et les fleurs séchées ramassées au cours de longues promenades évoquent des perspectives et des jeux enfantins, mais aussi l’image d’une plaine inondable que même les adultes aiment parfois traverser à gué ou dans laquelle ils se vautrent.
Tous les souvenirs continuent à vivre dans ces lieux, et pourtant ils reflètent aussi le minimalisme noir et blanc de l’âge adulte. Couverte de gris pigeon au lieu d’une brume rose, Ákos Major nous invite tous dans ce cadre extrêmement intime, dans le paysage de son enfance.
TOBE Gallery Budapest – Almudena Romero (1984 Spain/UK) (images 79)
La pratique d’Almudena Romero utilise des processus photographiques pour réfléchir aux questions liées à l’identité, à la représentation et à l’idéologie. Les travaux de Romero se concentrent sur la façon dont la perception affecte l’existence et sur la façon dont la photographie contribue à organiser la perception.
La pratique de Romero a été exposée dans des institutions publiques internationales et des festivals internationaux tels que le Victoria and Albert Museum (Royaume-Uni), la National Portrait Gallery (Royaume-Uni), TATE Modern-TATE Exchange (Royaume-Uni), The Photographers’ Gallery (Royaume-Uni), Tsinghua Art Museum (CH), Le Cent-Quatre Paris (FR)…
La série d’œuvres photographiques Studies On My Grandma’s Garden est le résultat d’années de recherche d’Almudena sur les processus photographiques qui se produisent naturellement dans les feuilles et les fleurs, tels que le photoblanchiment et la photosynthèse. Ces photographies de plantes fossilisées dans la bio-résine renvoient à une esthétique de la fragilité et de la disparition qui explore l’héritage immatériel de la grand-mère d’Almudena, mais aussi l’utilisation de l’art photographique à des fins d’expression personnelle plutôt qu’à des fins de documentation et d’archivage. Les œuvres d’art explorent les questions de la production et de l’héritage, qui sont au cœur de la crise environnementale actuelle et de l’industrie de l’art.
Les tirages photographiques « Studies On My Grandma’s Garden » sont réalisés par l’action blanchissante de la lumière du soleil sur les pigments chlorophylliens d’une feuille de plante. Les pigments sont blanchis à différents degrés, ce qui donne un tirage photographique monochrome à l’échelle verte. Ce procédé ne nécessite aucune chimie ou encre supplémentaire. Ces impressions de feuilles représentent des images des gestes de la main d’Almudena lorsqu’elle produit des œuvres d’art. La chimie unique de chaque feuille rend une impression avec des tonalités et des contrastes différents, rendant l’image imprimée sur la feuille tantôt plus visible, tantôt plus imperceptible, à l’image du travail féminin souvent invisible qui consiste à faire grandir les familles et les jardins.
TOBE Gallery Budapest – Dafna Talmor (Israel/UK 1974) (images 80)
Dafna Talmor est une artiste et conférencière basée à Londres dont la pratique englobe la photographie, les interventions spatiales, la conservation et les collaborations. Ses photographies figurent dans des collections publiques telles que le Victoria and Albert Museum, la Deutsche Bank, Hiscox et dans des collections privées internationales. .
Une enquête sur les représentations du paysage, Constructed Landscapes est un projet que je développe depuis plus de dix ans. Composé de trois sous-séries, le travail est issu de mes archives personnelles de photographies initialement prises comme de simples souvenirs dans différents endroits, notamment au Venezuela, en Israël, aux États-Unis et au Royaume-Uni. Réalisé par collage de négatifs couleur de moyen format, le processus repose sur l’expérimentation dans la chambre noire. Transformées par l’acte de découpage et d’assemblage, les images résultantes sont des paysages mis en scène, un amalgame combinant le « réel » et l’imaginaire. Grâce à ce travail, des lieux spécifiques, initialement chargés de significations personnelles et de connotations politiques, sont reconfigurés en un espace d’une plus grande universalité. En brouillant le lieu, la mémoire et le temps, en défiant la spécificité et en faisant référence à l’éphémère, l’œuvre fait allusion à des espaces idéalisés et utopiques.
Dans Constructed Landscapes, la condensation d’images temporelles multiples par l’assemblage de négatifs pour construire une image transfère la notion de « moment décisif » de l’acte photographique à l’acte d’assemblage et d’impression dans la chambre noire.
À leur tour, les fragments des différentes images sources se heurtent et s’entrechoquent pour créer un paysage illusoire ; les lacunes et les vides où les négatifs ne se rencontrent pas ou se chevauchent imitent (et forment de nouveaux) éléments du paysage, perturbant la composition et déformant la perspective.En dialogue avec l’histoire de la photographie, Constructed Landscapes fait référence aux procédés pictorialistes d’impression combinée ainsi qu’aux expériences modernistes sur la matérialité du film. Tout en conservant des références historiques distinctes, l’œuvre s’inscrit dans le discours contemporain sur la manipulation et le fossé entre l’analogique et le numérique.Au-delà des photographies, le travail s’est élargi pour inclure des papiers peints en vinyle spécifiques au site, des interventions spatiales, des photogrammes, des études et des publications.
TOBE Gallery
Bródy Sándor u. 36.
1088 Budapest
Hongrie
www.tobegallery.hu
Tommy Simoens (Gallery) Anvers – Aneta Bartos (1982 Pologne) (images 81)
Depuis 2013, Bartos retourne dans sa ville natale de Tomaszów Mazowiecki, où elle a été élevée par son père en tant que parent célibataire de l’âge de huit ans à l’âge de seize ans.
Alors âgé de 68 ans et ayant passé sa vie à faire de la musculation en compétition, le père de Bartos lui a demandé de prendre quelques photos pour documenter son physique avant qu’il ne dégénère et ne suive inévitablement son cours.La demande initiale de son père a inspiré Bartos à transformer son idée en un projet à long terme intitulé Dad.Quelques étés plus tard, Dad s’est transformé en une nouvelle série de portraits, intitulée Family Portrait, qui explore la dynamique complexe entre père et fille.
« Même si j’ai grandi dans une société catholique qui vous faisait sentir honteux de votre corps et associait le fait de le dénuder au sexe et à la perversion, mes parents partageaient une façon différente de penser la forme humaine. Chez nous, mon père se prélassait toujours dans son petit slip de bain, tandis que ma mère, pendant mes premières années, bronzait seins nus dans le jardin. Petite fille, je passais des heures à côtoyer des garçons torse nu qui s’entraînaient à la salle de sport de mon père et je voyageais avec lui pour assister à des compétitions de bodybuilding. J’ai même commencé à y participer à l’âge de treize ans. Cette attitude libre et belle à l’égard du corps était un mode de vie quotidien dans mon foyer ». « En décidant de photographier le troisième et dernier chapitre de Family Portrait l’été dernier, la série est devenue une poursuite de la réflexion, un ralentissement et une tentative d’atteindre le point de stockage de nos souvenirs primordiaux. »
À propos de Family Portrait, le critique d’art Jerry Saltz, basé à New York, a écrit : « D’où émane le pouvoir de la photographie ? L’atmosphère onirique n’est qu’un foyer pour l’effet.Je pense que la conscience intense qu’a Bartos de sa propre sexualité y est pour quelque chose – la façon dont elle s’est dénudée pour ces photos. En même temps, son père est tout aussi intense, mais à propos de sa propre obsession narcissique – son idée caricaturale de la masculinité. Il est tellement plongé dans cette obsession qu’elle rend sa fille invisible à ses yeux. Ils posent tous les deux pour nous mais font semblant de ne pas être conscients de l’autre, affichant une sorte de sexualité non sexuelle ? Ou vice versa. Et où est la mère ici ? C’est nous, les étrangers-voyeurs, qui sommes à l’origine de la photo. (Bartos voit tout, cependant ; elle nous regarde avec un regard complice qui élimine nos défenses, nous oblige à affronter son amour, sa haine, sa perversion, son impuissance, son désir, sa manipulation et sa douleur d’être aussi nue et, d’une certaine manière, invisible. Je grimace, je fais face à un miroir noir de problèmes d’hyper-papa ou de problèmes de maman manquante et à ma propre sexualité américaine de n’avoir jamais vu mes parents nus. De quel côté de cette ligne vous situez-vous ? Aneta Bartos est née en Pologne et s’est installée à New York où elle a suivi les cours de la School of Visual Arts. Depuis le début de l’année 2013, elle expose au niveau international
Tommy Simoens
Falconplein 32
2000 Antwerp BE
www.tommysimoens.com
TORCH Gallery Amsterdam – Popel Coumou (1978 The Les Pays Bas) (images 82)
À Unseen 2023, TORCH présente une présentation solo de Popel Coumou, présentant de nouvelles œuvres photographiques créées pour la foire.
Les légères ombres projetées par les couches de papier, les suggestions d’espace et les informations visuelles manquantes vous laissent deviner. Les constructions physiques les plus simples – collages et miniatures faits à la main – sont transformées en images intrigantes et oniriques qui obligent le spectateur à remettre en question ce qu’il voit. En utilisant uniquement du papier et de la lumière, Popel Coumou crée un sentiment de suspension dans l’espace et le temps. Elle questionne notre perception de l’espace et explore le fonctionnement de notre esprit ; le peu d’informations dont nous avons besoin pour combler les vides et créer nos propres réalités.
Une photographie est classiquement considérée comme un produit final, mais pour Popel, elle peut aussi être un point de départ. Les couches à partir desquelles elle construit ses derniers intérieurs sont des images de ciels. Ceux-ci provoquent des dégradés de couleurs naturels et créent une illusion de profondeur, tandis que la texture du papier lui-même est clairement visible. Avec les collages constitués de ces feuilles de papier, elle décortique l’idée même qu’une image doit représenter la réalité. L’honnêteté de ses œuvres délibérément imparfaites permet au spectateur de voir au-delà de leur nature inhérente et d’apprécier où les formes vous mènent.
Au cours des 15 dernières années, l’œuvre de Popel a suivi une trajectoire constante, où chaque étape suivante a un sens dans son développement tout en surprenant tous ceux qui la suivent. Pour atténuer davantage les frontières entre réalité et fiction, figuration et abstraction, Popel ne présente plus toujours la photographie comme une œuvre d’art. Certaines pièces se révèlent être des collages originaux et uniques. Dans ses œuvres en relief, elle perce même la surface plane et pénètre dans la troisième dimension. Expérimentant sans relâche pour trouver de nouvelles formes d’expression, elle continue d’élever le médium photographique vers des sommets imprévus et exaltants.
TORCH Gallery
Lauriergracht 94
1016 RN Amsterdam
The Netherlands
www.torchgallery.com
V/MSP GALLERY Bruxelles – Edgar Leciejewski (1977 Allemagne)(images 83)
Depuis 2001 le travail artistique de Leciejewski explore les différents usages sociaux et scientifiques de la photographie. Il s’agit d’une tentative d’analyse expérimentale visant à extraire du médium photographique les questions pertinentes pour l’époque. Outre les thèmes de fond et la réflexion sur ses propres méthodes et outils de travail, il s’intéresse à l’intégration de la dimension du temps dans le travail photographique. Ses travaux sont des mémoires ou des réserves de temps qui permettent de ralentir l’acte de voir et d’expérimenter.
Deux séries sont diffusées sur UNSEEN : A Scene in a Library qui part du principe qu’une vue d’une bibliothèque est en même temps une vue des pensées les plus intimes de son propriétaire.
Dans la seconde série, LiQUID SKy, l’artiste se déplace à la frontière de la photographie : il combine des matériaux et des images et les réarrange dans un exercice ancré dans des réflexions philosophiques et des expérimentations artistiques.
V/MSP GALLERY Bruxelles – Lieven Lefere (1978 Belgique) (images 84)
Lieven Lefere est un artiste qui joue avec la relation complexe entre la réalité et l’image photographique. Lefere est extrêmement méticuleux dans son travail et son processus est remarquablement lent. Il manipule avec beaucoup de soin tous les paramètres qui font d’une photographie ce qu’elle est. Son processus commence souvent des mois avant la prise de vue. La première étape consiste à effectuer des recherches approfondies, en s’appuyant sur une myriade de points de référence. Parfois, il construit ses propres décors et paysages en s’inspirant de ses recherches ou de ses souvenirs. Il construit ses images en fonction d’une certaine échelle et d’un certain cadrage, modélise l’espace, réalise des maquettes, décide de la façon dont il veut que la lumière tombe sur la scène. Après la prise de vue, si les décors ne sont pas intégrés à l’œuvre d’art en tant qu’élément spatial, ils sont soit détruits, soit stockés.
À Unseen, il présente deux séries d’images. La première série : L’ombre est un trou. Depuis 2012, Lefere travaille avec le scientifique Martin Smith de l’université de Bournemouth. Plus récemment, Lefere a travaillé sur l’excavation d’un tumulus néolithique effondré près de Cirencester, ce qui l’a inspiré pour cartographier des sites néolithiques spécifiques au Royaume-Uni. La série interroge notre relation au passé et la manière dont l’archéologie peut avoir un impact durable sur le développement de notre pensée aujourd’hui.
Et la deuxième : Des Ombres et miroirs : Sur la base des recherches doctorales de l’architecte Patrick Seurinck, il a reconstitué l’espace représenté dans la Vierge à l’enfant avec le chanoine van der Paele (1436) de Jan van Eyck. La photo qui en résulte évoque à la fois un sentiment de familiarité et d’aliénation chez le spectateur. L’omission des personnages du célèbre tableau permet une nouvelle lecture de l’image, tandis que sa grande échelle lui confère une certaine monumentalité.
V/MSP GALLERY
Tulpstraat 35
1050 Brussels
Belgium
www.vmsp.gallery
Versus Art Project Istanbul – Metehan Özcan (1975 Turquie) (Images 85)
Metehan Özcan a obtenu une licence en design d’intérieur à l’université de Bilkent et une maîtrise en design de communication visuelle à l’université de Bilgi. Il suit actuellement le programme de maîtrise en art et en design. S’interrogeant sur l’existence et la représentation de l’espace moderniste dans ses œuvres, Özcan se penche également sur l’aliénation des personnes par rapport à leur environnement ainsi que sur le lien entre la mémoire et l’identité collectives et individuelles. Il examine la relation existante entre l’espace et le sujet, l’état d’un espace dans lequel il n’y a pas de sujet, et la mesure dans laquelle ces deux concepts peuvent être séparés, à travers une pratique de collage qui utilise des matériaux trouvés, des archives et ses photographies originales. Özcan travaille comme professeur à temps partiel dans plusieurs universités et vit à Istanbul.
À PROPOS DE DEKOR ET DE LA SÉRIE ENCOUNTER – Sa série Dekor est basée sur la « capacité d’image de l’environnement construit », un critère que Kevin Lynch a examiné dans son livre intitulé The Image of the City (L’image de la ville), publié en 1960. L’artiste considère les phrases suivantes du livre comme le point préparatoire de la série : « À chaque instant, il y a plus que ce que l’œil peut voir, plus que ce que l’oreille peut entendre, un cadre ou une vue qui attend d’être exploré. Rien n’est vécu en soi, mais toujours en relation avec son environnement, les séquences d’événements qui l’ont précédé, la mémoire des expériences passées ».
S’inspirant de ses précédents travaux sur les bâtiments abandonnés, où les lignes entre l’intérieur et l’extérieur s’estompent en raison de leur nature inhabitée, la série Dekor d’Özcan crée des liens entre ces espaces architecturaux et la ville. À travers ses collages, composés de matériaux collectés dans des archives publiques et privées et de photographies prises par Özcan, il analyse différentes couches d’identité et de réalité qui contiennent des indices sur la manière dont la vie urbaine a été conçue dans un passé récent et sur les autres réalités qu’elle a occupées.
Dans sa dernière série intitulée Encounter, Metehan Özcan approfondit l’exploration de la mémoire collective et des couches complexes de l’identité. La fascination d’Özcan pour le brouillage des frontières entre fiction et réalité, une technique illustrée par ses collages et sa tendance à dissimuler des informations au spectateur, cultivant ainsi l’ambiguïté autour de la « réalité de l’image », trouve un parallèle dans le domaine des processus d’intelligence artificielle. Ici, de nouvelles images naissent de la base d’images préexistantes, et la distinction entre ces images sources, fictives ou authentiques, reste insaisissable, donnant lieu à une vérité alternative intrigante.
Versus Art Project Istanbul – Selim Süme (1978 Turquie) (Images 86)
L’artiste et éducateur Selim Süme s’intéresse à l’image en tant que question. Certaines de ses recherches ont porté sur des domaines tels que la narration documentaire subjective et l’examen de la représentativité de l’image. Son travail actuel se concentre sur la fragilité de la relation entre l’image et la réalité, à travers laquelle le concept de l’image est remis en question. Süme vit et travaille actuellement à Istanbul et à Vienne.
À PROPOS DE LA SÉRIE TRANSIT – Süme place le quotidien et l’ordinaire au centre de ses travaux photographiques dans sa série Transit. Oscillant dans l’espace opaque entre coïncidence et fiction, la série explore l’esthétisation et (ou) la dramatisation du quotidien et s’éloigne des questions philosophiques sur la représentation. Soulignant que prendre une photographie, c’est aussi ne pas prendre / montrer quelque chose / le laisser hors du cadre, Süme se concentre sur les sujets qu’il a renoncé à regarder depuis longtemps. Il utilise un appareil photo point-and-shoot, ce qui marque un retour à la technique de production qu’il utilisait lorsqu’il commençait à travailler sur des œuvres axées sur l’objectif, il y a 25 ans. En essayant de tirer parti des possibilités d’un appareil compact, la série tente d’établir un langage à la recherche du brut, du sincère et du simple, sous l’influence du manifeste « Particle Ham » du poète Ahmet Güntan. Avec ses photographies, il aborde la pratique de la tenue d’un journal et tente de les présenter avec subtilité, « sans aveugler le spectateur », selon ses propres termes
Versus Art Project
Gazeteci Erol Dernek Sk. 11
34433 Beyoğlu, Istanbul
Türkey
www.versusartproject.com
UNSEEN 2023 – Partie 7 UNBOUND (images 87-92)
Le thème de l’exposition Unbound de cette année, la section de la foire consacrée à l’exploration des limites extérieures du médium photographique à une échelle monumentale, est Suspended Matter (matière en suspension), un terme écologique désignant de petites particules à la dérive dans l’air ou dans l’eau. Ce thème symbolise le sentiment d’impuissance que nous pouvons ressentir en tant qu’individus, lorsque nous sommes confrontés aux vastes forces qui nous animent dans nos environnements, qu’ils soient naturels ou construits.
UNBOUND – AKMAR (1976 Les Pays-Bas ) (images 87)
VANITAS Installation vidéo avec 48 écrans à diodes électroluminescentes (LED)
Bouquets impossibles : avec le progrès vient l’impermanence, c’est ce dont il est question dans Vanitas.
Une installation vidéo qui met en scène le caractère éphémère de la technologie informatique. L’œuvre fait référence aux natures mortes florales du XVIIe siècle dans lesquelles les fleurs s’épanouissent en même temps, ce qu’elles ne font jamais en réalité. L’artiste AKMAR a rassemblé des modèles de fleurs en 3D prêts à l’emploi, des fleurs provenant de différentes bibliothèques de différents logiciels développés au fil du temps. Mais qui ne fonctionnent plus sur le matériel actuel. Par cette œuvre, elle souhaite donner un aperçu du pouvoir et de l’impuissance des TIC, de la technologie liée à la richesse et à l’éphémère dans notre monde actuel qui est tellement déterminé par les technologies de l’information et de la communication.
Fasciné par le fait que les logiciels deviennent obsolètes si rapidement ou est-ce simplement parce que le matériel est mis à jour si rapidement ? Dans les bibliothèques physiques, nous essayons de conserver le savoir (les livres) afin de pouvoir encore en tirer des enseignements. Dans le monde numérique, de nombreuses bibliothèques virtuelles (qui font partie de progiciels) disparaissent parce que ces progiciels ne peuvent tout simplement plus être ouverts en raison de l’évolution du matériel. Le flux constant de mises à jour et de nouveaux matériels devient de plus en plus coûteux. La technologie est associée à la richesse et à l’impermanence.
Ici aussi, il y a une ressemblance avec les natures mortes florales du 17e siècle. Les peintres fortunés pouvaient se permettre de consacrer un an à leurs natures mortes florales. Ils avaient le temps d’attendre l’éclosion de la fleur et l’argent nécessaire pour acheter, par exemple, les très chères tulipes de l’époque. Les peintres plus pauvres devaient puiser leurs connaissances dans des livres de botanique.
L’installation physique mesure 6 mètres sur 3 et se compose de 48 écrans. Des modèles numériques de fleurs en 3D y tournent gracieusement en rond. Grande différence avec le XVIIe siècle : les fleurs ne dépendent pas des saisons, mais de différents types de logiciels utilisés à cette fin au cours des dernières décennies, tels que Plant Studio, Google Sketchup, Maya, 3DS-max, le jeu informatique populaire Minecraft ou Cinema 4D. La notion de temps est également introduite par des écrans usagés : de vieux modèles légèrement jaunis provenant d’un immeuble de bureaux allemand. Leur position par rapport à la fenêtre a déterminé la façon dont ils sont maintenant décolorés. Plus les écrans sont restés longtemps au soleil, plus ils sont jaunes. Le passage du temps est enregistré à la fois dans le matériel numérique et physique
AKMAR
Amsterdam Les Pays-Bas
www.akmar.nl
UNBOUND – Awoiska van der Molen (1972 Les Pays-Bas) (images 88)
Le « Prélude » est une présentation en plein air lors de la foire Unseen, dans le cadre de « Unbound ». Awoiska van der Molen présente, sur un chemin clos à côté du Gashouder, un certain nombre d’œuvres sur plaques de verre représentant la nature. L’endroit est un havre de paix à côté de l’activité trépidante de la foire. Les plaques de verre sont dépourvues de cadre et se fondent donc dans l’environnement. Van der Molen travaille toujours dans une nature intacte, loin du monde moderne, et a développé cette forme unique de présentation au cours des dernières années. Cette année, le thème de l’édition d’Unbound, la section d’Unseen consacrée à la photographie multidisciplinaire, est la nature. Une présentation en plein air s’imposait donc.
Le mur du Gashouder et les nombreux grands arbres offrent un abri et, combiné à la lumière, c’est un endroit idyllique. J’ai sélectionné des images provenant de différentes parties du monde et présentant un caractère exotique et romantique. Je n’entends pas ce dernier dans le sens doux du terme, mais comme le sublime, le douloureux.
Le titre The Prelude fait référence à un poème mégalomane, ou plutôt à un vers, du poète romantique William Wordsworth. Pendant l’essor de la révolution industrielle, qu’il critique, il écrit sur l’importance de la nature. Il était novateur à l’époque d’affirmer que la santé de la société humaine dépend d’une relation saine avec l’environnement.
L’idée d’utiliser des plaques de verre s’est imposée progressivement pendant que je photographiais. Dès le début, j’ai associé la région aux Witte Wieven (les esprits des « femmes sages » dans la mythologie néerlandaise, ndlr), aux corps des tourbières et aux sagas et traditions dont je me souvenais comme d’histoires passionnantes de l’école primaire.
Alors que je travaillais sur ce projet, un membre de ma famille m’a rappelé que mes ancêtres remontaient aux années 1700 dans cette ancienne vaste zone tourbeuse. Je me suis dit : « Wow, je suis là sur mes propres racines ». Cela a ajouté une nouvelle dimension au processus de photographie. Tous ces aspects qui ne sont pas visibles mais qui peuvent être ressentis – une sorte de présence et d’absence de l’esprit, de la réalité, du temps, de l’existence et de la non-existence – m’ont incité à envisager un matériau transparent. Je voulais traduire le caractère éphémère de ces conditions. C’est pourquoi les plaques de verre ne sont pas encadrées et le verre n’a qu’une base métallique. De cette manière, l’image est libre de se fondre dans l’environnement, sans limitation.
Awoiska van der Molen
Amsterdam Les Pays-Bas
www.awoiska.nl
UNBOUND – Moravid K (1982 Iran/ France/ Allemagne) Bigainon Paris (images 89)
This Too Shall Pass (2020-2022) – Pour voir le paysage statique, silencieux, vide et sans vie, et pour se confronter à ce qui reste après les feux de brousse. This Too Shall Pass commence en Australie en 2020 et se poursuit en France en 2021 et 2022, les incendies affectant les deux pays. Ce projet interroge la complexité de la perception humaine, le mécanisme d’ajustement qui nous permet d’apprivoiser le brutal, le destructeur. Comment nous mettons en place un processus pour rendre supportable le Thanatos. Sans oublier notre force à chercher la beauté dans l’obscurité absolue. This Too Shall Pass est divisé en trois parties. Après le déni de la première rencontre avec le paysage brûlé et la stupéfaction qu’il provoque, vient la réalisation – la collecte du matériel, la trace carbonisée des arbres sur les tirages photographiques ; et enfin, la banalisation et l’oubli, une fragmentation et une abstraction de la matière dans les esprits sans avoir résolu le problème des incendies de forêt.
Artiste visuelle, Morvarid K est née à Téhéran en 1982 et bien qu’elle ait quitté l’Iran relativement tôt, son attachement à l’identité iranienne est le fondement de sa relation au monde et de sa sensibilité artistique. À travers la manipulation de matériaux photographiques, son travail interroge notre relation au monde, à la mémoire transformatrice et à l’entre-deux.
Le support photographique est le point de départ, il ancre son travail dans la réalité, tandis que les techniques de superposition et de transformation apportent les expressions supplémentaires que la photographie n’a pas pu capturer. Le tirage devient un matériau, une étape dans le processus de création, avant que le geste ou l’expérience performative ne vienne compléter l’œuvre. La définition que Laurent Derobert, mathématicien existentiel, donne au mot » manque » est au cœur de sa pratique artistique : présence infinie de l’absence. Morvarid vit et travaille à Bordeaux (France) et à Berlin (Allemagne).
Bigainon
18, rue du Bourg-Tibourg,
75004 Paris, France
www.bigaignon.com
UNBOUND – Jaehun Park (1986 Korea) Bradwolff & Partners Amsterdam (images 90) (également dans la contribution d’aujourd’hui sur UNSEEN partie 2)
Overheated Windmill traite du fait que les moulins à vent sont aujourd’hui considérés comme faisant partie du patrimoine mondial et de leur utilisation industrielle pour la construction de colonies au 17e siècle. Les moulins à vent ont été conçus pour exploiter les forces de la nature en utilisant la force du vent pour pomper l’eau dans les zones basses, scier le bois ou moudre le grain. Ils étaient surtout utilisés aux Pays-Bas pour gérer l’eau et garder les terres sèches en évitant les inondations. Aujourd’hui, ces fonctions ont disparu et existent sous la forme d’un merveilleux paysage hollandais pour les touristes, classé au patrimoine mondial de l’humanité.
Les moulins qui servaient à scier le bois ont assuré la prospérité de l’industrie de la construction navale dans la région de Zaanstreek, en Vieille Hollande. C’est là qu’est née, au XVIIe siècle, la première véritable zone industrielle au monde. Vers 1650, quelque 75 navires y étaient construits chaque année. Le tsar Pierre le Grand est même venu de Russie pour apprendre à construire un bateau à Zaandam. Ces navires construits grâce à la technologie des moulins à vent permettaient de construire des navires de plus grande taille et sont devenus la pierre angulaire de la construction de routes commerciales lucratives qui ont fait du XVIIe siècle un « âge d’or ».
Jaehun Park a étudié la peinture à l’université nationale de Séoul et a obtenu un master en recherche artistique à l’Académie royale des arts de La Haye. Ses œuvres sont exposées et collectionnées dans le monde entier, dans des collections publiques et privées.
bradwolff & partners
lijnbaansgracht 314
1017 wx Amsterdam
Les Pays-Bas
www.bradwolff-partners.nl
UNBOUND Displaced Materials Lab – Adrián Coto Rodríguez & Vladimir Florentin (1984 Costa Rica/UK & 1987 Roumanie/ GB)(images 91)
Displaced Materials Lab est un duo artistique fondé par Adrián Coto Rodríguez et Vladimir Florentin. DML recherche et élargit le domaine de la photographie en utilisant une gamme de stratégies innovantes pour créer des sculptures photographiques, des pièces de performance, des installations et de l’art en réalité augmentée.
DML a été créé en 2022, après que les deux artistes ont obtenu le prestigieux master en arts photographiques de l’université de Westminster. Ayant exposé à Londres, en Espagne, au Costa Rica et en Roumanie, DML combine deux pratiques extrêmement complexes pour produire de nouvelles œuvres d’art stimulantes basées sur la photographie.
DML est né du désir de produire un travail autour de la construction d’environnements humains et de l’effet du contexte (culturel, architectonique, ergonomique) sur le corps humain et le territoire. Nos deux membres sont d’anciens étudiants du Westminster Masters in Photography Arts, un programme basé sur la pratique qui nous a permis de repousser les limites de notre compréhension de la photographie contemporaine.
Displaced Materials Lab
Londres
www.displacedmaterials.com
UNBOUND Thom van Rijckevorsel (1977 Les Pays-Bas) (images 92)
L’œuvre de Thom van Rijckevorsel se compose de vidéos, de sculptures, de dessins et d’installations. Des images en construction : des processus en passe de devenir une image. Ses œuvres vidéo montrent des actions reconnaissables, comme pétrir de l’argile, plier un morceau de caoutchouc, étaler de la peinture sur deux mains. Des démonstrations de la manière dont quelque chose est manipulé. Facile à comprendre, sans savoir exactement ce que l’on comprend. Il s’intéresse à l’espace qui apparaît lorsque le physique et le numérique facilement manipulable sont entrelacés. Cela rend son travail à la fois tangible et insaisissable.
L’œuvre qu’il présente ici s’intitule Fixing Fiction Friction (2022, vidéo, boucle de 3,41′). Elle est affichée sur un moniteur de 49 pouces placé à la verticale, posé sur le sol et adossé au mur.
Thom van Rijckevorsel
Amstelveen
Les Pays-Bas
www.thomvanrijckevorsel.com
John Devos
Correspondent L’Œil de la Photographie/Eye of Photographie
john.devos01(a)gmail.com
